Лекция № 1
Введение в предмет
«Проектирование интерьера»
План:
1. Цели и задачи курса.
2. Основные разделы дисциплины.
3. Основные этапы развития художественного проектирования и моделирования в нашей стране.
Литература:
1. Художественное конструирование, проектирование и моделирование промышленных изделий: Учебное пособие для студентов художественно – промышленных вузов / Быков З.Н., Минервин Г.Б. и др.; Под ред. З.Н.Быкова, Г.Б.Минервина. – М.: В.Ш., 1986.
2. Художественное проектирование. Учебное пособие для студентов педагогических институтов по специальности № 2109 «Черчение, рисование и труд» / под ред. Б.В.Нешумова, Е.Д.Щедрина. – М.: «Просвещение», 1979.
3. Крутских Е.Ю., Литвинов Д.В. Интерьер вашего дома. Практическое руководство. Екатеринбург, «У – Фактория», 2005.
4. Шевелев И.С. и др. Золотое сечение: три взгляда на природу гармонии. – М.: СИ, 1990.
Вопросы:
1. Каковы цели и задачи изучения курса «Художественное моделирование интерьера»?
2. Какое время можно назвать началом развития художественного проектирования в нашей стране?
3. Какие специальные высшие художественные учебные заведения были открыты в 20-е годы 20 века для подготовки конструкторов и художников – проектировщиков?
4. Назовите художников – новаторов, утверждавших принципы функционального удобства, лаконичности, приоритета новых материалов как главных требований к промышленным изделиям и интерьерам.
5. Какова сущность течения «производственного искусства»?
6. С чем связаны наивысшие достижения инженерного проектирования?
7. В каких областях промышленности успешно развивается практика проектирования и дизайна в 30-е – 50-е годы 20 века?
8. Каковы особенности проектирования и дизайна в первое послевоенное десятилетие?
9. Какие высшие художественно – промышленные учебные заведения и художественно – конструкторские организации создаются в 50-е – 60-е годы 20 века?
10. Какие художественные промыслы развивались в нашей стране параллельно с проектированием промышленных изделий и интерьеров?
Введение в предмет
«Проектирование интерьера»
Изучаемая дисциплина называется «Художественное моделирование интерьера». Изучается она 2 года (охватывает 3-й – 4-й курсы, т.е. с 5 по 8 семестры).
Целью дисциплины является выработка творческого подхода к формированию общественной и жилой среды, формирование знаний и умений архитектурно – дизайнерского проектирования общественных и жилых интерьеров.
Для достижения поставленной цели в процессе обучения должны быть решены следующие задачи:
§ сформировать у студентов способность применения знаний, полученных в процессе изучения данной дисциплины, для разработки интерьера как функциональных, объемно – пространственных, инженерно – технических и художественных компонентов;
§ приобрести прикладные знания основ теории архитектурно – дизайнерского проектирования интерьера;
§ изучить и закрепить умения и навыки графического представления моделируемого пространства, передачи цвето – фактурных качеств материалов, мебели, оборудования;
§ развить пространственное воображение и творческое мышление.
Программа состоит из 2-х разделов:
1. Общие принципы проектирования и моделирования интерьера.
2. Художественное моделирование интерьеров жилых и офисных помещений.
Первый раздел программы обеспечивает тематику по изучению основных этапов проектирования, закономерностей и средств композиции при разработке интерьера, приемов перспективного построения и цветового дизайна интерьера и заканчивается разработкой эскизного проекта интерьера учебного кабинета.
Второй раздел программы посвящен изучению интерьера жилых зданий и офисов, который охватывает знакомство со стилями интерьеров различных эпох и возможностями их переработки (стилизации) к современному интерьеру, раскрывается комплексный подход к формированию интерьера, объясняется специфика и художественные особенности проектирования и моделирования основных помещений квартиры, конструктивные приемы оборудования жилища и офисного помещения.
Рассмотрим краткую историю развития проектирования в нашей стране.
В 1918 году при отделе ИЗО Наркомпроса молодой Советской Республики образуются специальные подотделы по вопросам архитектуры и художественной промышленности. Видную роль в их создании и работе сыграл А. В. Луначарский. В стране начинается строительство электростанций, радиоцентров, рабочих клубов, детских дошкольных учреждений, домов-коммун и других общественных зданий и сооружений новых типов. Быстро растет спрос на изделия массового потребления, произведения прикладного искусства, особенно его монументальных видов, расцвет которых был связан с осуществлением ленинского плана монументальной пропаганды. Резко изменяется социальная и эстетическая направленность работы архитекторов и художников. Перед художниками всех видов искусства революция выдвинула задачи создания реалистических, проникнутых глубокой партийностью и народностью произведений. Бурное развитие получили многообразные виды агитационно-массового искусства.
Промышленность, разрушенная войной, еще только начинала восстанавливаться. Но подготовке специалистов по промышленному искусству было уделено уже самое серьезное внимание. В 1920 году В. И. Ленин подписал декрет. Совнаркома об организации Высших государственных художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС), готовящих художников-мастеров. ВХУТЕМАС стал новым типом высшей художественной школы, выпускники которой направлялись на работу в различные отрасли промышленности в качестве художников-конструкторов. Ими создавались новые образцы тканей, мебели, посуды и др.
В обстановке коренной ломки общественных норм и форм быта поиск принципиальных решений проблем производства получил благоприятнейшую почву. Новаторы-практики и теоретики (К. Мельников, братья В., А. и Л. Веснины, Г. Гинзбург, А. Родченко, О. Попова, В. Татлин и др.) утверждали принципы функционального удобства, комплексности, конструктивной и образной лаконичности предметной среды, полной связи обстановочного комплекса с архитектурно-планировочным решением здания, приоритет новых материалов, широкое применение приемов трансформации изделий и помещений — таков был неполный перечень требований ко всем изделиям.
Эти новые установки, основывающиеся на гуманистических идеалах социализма, идейно-творчески направляли деятельность педагогов и учащихся ВХУТЕМАСа.
Обучение в Мастерских (в 1927 году преобразованы во ВХУТЕИН — Всесоюзный художественно-технический институт) велось по четырехлетней программе: первый год — подготовительное отделение, три года—специализация по факультетам: архитектурному, керамическому, текстильному и др. На факультете обработки дерева и металла под руководством А. Родченко, Л. Лисицкого, В. Татлина и других мастеров шли поиски новых форм и конструкций разнообразных предметов. Вся деятельность ВХУТЕМАСа была нацелена на формирование у учащихся навыков комплексного подхода к проектированию предметной среды быта и производства.
В 1920-е годы сложилось течение «производственного искусства», развивавшее принципы функционализма и конструктивизма, стремившееся утвердить в сознании художников эстетический идеал рационально организованного материального производства. Любые прежние формы искусства объявлялись «производственниками» буржуазными, неприемлемыми для пролетариата. Отсюда отрицание ими не только «практически бесполезного» изобразительного искусства, но и всего чисто декоративного творчества, например ювелирного.
Против подобного понимания задач искусства и роли культурного наследия решительно выступила партия, Владимир Ильич Ленин.
Несмотря на многие ценные моменты в программе «производственников», их теоретическая и практическая деятельность была исторически ограниченной. В 20-е годы в нашей стране еще не созрели и технико-экономические условия для реализации их идей.
ВХУТЕМАС и «производственники» 1920-х годов идейно-эстетически были тесно связаны с «Баухаузом» и в ряде важных моментов представляли с ним, по существу, единое течение в художественном проектировании того времени. В рамках этого нового движения формировалась эстетика современного дизайна, преодолевавшая противоречия в прикладном искусстве предшествующего периода. Практическая художественная деятельность основоположников дизайна была развитием также арсенала художественно-выразительных средств искусства создания вещей. В их произведениях (мебели, светильниках, посуде, тканях и т. д.) самое пристальное внимание обращалось на такие свойства материалов и формы, как фактура, цвет, пластическая выразительность, ритмический строй, силуэт и др., которые приобрели решающее значение в композиции изделий, не входя в противоречие с требованиями конструктивной логики и технологичности формы.
Другое направление, успешно развивавшееся в нашей стране в 20-е годы, — инженерное проектирование. Его наивысшие достижения связаны с созданием уникальных промышленных образцов и строительных объектов.
Русская инженерная школа еще до революции слыла одной из лучших в мире. Русские инженеры успешно решали не только технические, но и эстетические задачи, выступали за союз техники и искусства.
В 1925 году в Москве по проекту выдающегося инженера В. Шухова возводится знаменитая радиобашня, ажурный силуэт которой надолго стал символом советского радио. Годом раньше Я. Гаккель создает на основе последних достижений техники первый советский тепловоз, форма которого даже сегодня выглядит достаточно современной. В 20-е годы осознается потребность в научных исследованиях закономерностей деятельности человека в искусственно создаваемом им самим предметном окружении. Организуется Центральный институт труда, в его стенах ведутся исследования по вопросам научной организации труда, культуры производства. Внимание ученых и конструкторов привлекают вопросы биомеханики, органолептики и др. Среди примечательных работ тех лет — проект рабочего места водителя трамвая (Н. Бернштейн). 29. Я. Гаккель. Тепловоз. Начало 1930-х гг.
Художественное конструирование в СССР в 1930—1950 годах сосредоточивается в основном в транспортном строительстве. Самым выдающимся достижением того времени явилось осуществление комплексных работ по созданию Московского метрополитена. Опыт строительства метро использовался в организации всего городского транспорта.
Успешно развивается дизайнерская практика в области автомобилестроения. Удачной оказалась модель автомобиля «КИМ», не уступавшая по художественным качествам лучшим зарубежным образцам, а также автомобиля «Победа», проектирование которого было закончено в 1943 году.
В других областях, особенно в мебелестроении, с середины 30-х годов, напротив, наблюдается отход от прогрессивных начинаний предшествующего десятилетия.
В изделиях мебели для некоторых уникальных зданий, как и в архитектуре, предпринимаются попытки творческого освоения стилевой системы русского классицизма, которую вскоре пытаются приспособить и к массовому производству. Это объясняется стремлением архитекторов найти стиль времени, который отобразил бы грандиозные успехи в строительстве нового, социалистического общества. Развитие в новых условиях и с новой социально-идейной ориентацией лучших традиций мировой и русской архитектурной мысли вызывалось потребностью продемонстрировать преемственность социалистической культуры, ее гуманистичность и высокую идейность на фоне общего кризиса буржуазной культуры. Разработки советских архитекторов выразили пафос победы социализма, социалистического строительства, социально-политическое единство нашего общества.
Героическая победа советского народа в Великой Отечественной войне 1941 —1945 годов дала новый стимул поискам в области монументального стиля. В архитектуре и градостроительстве упрочилась ориентация на традиции классицизма в мебелестроении. В этом направлении выполняются и учебные проекты в воссозданных в 1945 году художественно-промышленных училищах. Заметное оживление наблюдается в деятельности различных объединений народных художественных промыслов.
Вместе с тем первые послевоенные годы можно считать началом организованного дизайна. Появляются организации, ведущие работы по художественному проектированию промышленных изделий на основе наиболее ценных достижений 1920-х годов. В 1946 году при Главном управлении вагоностроения создается специальное архитектурно-художественное бюро, разрабатывающее проекты новых моделей средств транспорта, в частности пассажирского цельнометаллического вагона, речного парохода, дизель-электрохода и др. Деятельность бюро убедительно показала полезность привлечения к разработке изделий художника-конструктора. Появляются и другие организации, при которых создаются подобные подразделения. Необходимость в них становится все более настоятельной, поскольку быстрый рост объема производства и потребления промышленных товаров сопровождался усилением требований к их качеству.
Определяющую роль в формировании идейно-эстетических принципов художественного проектирования в СССР сыграли решения партии и правительства 1955—1957 годов о перестройке проектирования и строительства, борьбе с излишествами в архитектуре и оборудовании общественных зданий, об организации массового выпуска мебельных и других изделий для быта на высокоиндустриализированной основе. Таким образом, получили широкое общественное признание те эстетические принципы, которые складывались в современном производстве изделий и архитектуре с начала XX века в творчестве основоположников дизайна.
Опыт работы художественно-конструкторских организаций в 1946—1961 годах выявил оптимальные формы дальнейшего развития художественного проектирования в стране. С выходом в 1962 году постановления Совета Министров СССР «Об улучшении качества продукции машиностроения и товаров культурно - бытового назначения путем внедрения методов художественного конструирования» создаются Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики (ВНИИТЭ), ряд специальных художественно-конструкторских бюро (СХКБ) в Москве, Ленинграде, Киеве, Харькове, Риге, Таллине, Ташкенте и других городах и художественно-конструкторские группы в проектных организациях на крупных заводах. Почти одновременно основываются Всесоюзный проектно-конструкторский и технологический институт мебели (ВПКЛГИМ) и центральные научно-исследовательские институты экспериментального проектирования жилища (ЦНИИЭП жилища) и общественных зданий.
В 1966 году в СССР создается единая система художественно-конструкторских организаций под руководством Государственного комитета Совета Министров СССР по науке и технике во главе с ВНИИТЭ и его филиалами, образованными на базе СХКБ в девяти городах страны: Ленинграде, Минске, Киеве, Харькове, Вильнюсе, Тбилиси, Свердловске, Хабаровске и Ереване. Сейчас в стране работают тысячи специалистов, занимающихся разработкой художественно-конструкторских проектов бытовых изделий, станков, приборов, средств транспорта и др.
Художественно-конструкторским организациям принадлежит важная и ответственная роль. Дизайн устремлен к преобразованию окружающей человека предметной среды на основе социальных и эстетических идеалов коммунистического общества. Гармоничная среда труда и быта, эффективно служащая людям, воспитывающая их в идейно-нравственных принципах социалистического образа жизни, — такова коренная задача советского дизайна. Он призван сделать достоянием трудящихся высшие достижения научно-технического прогресса, формировать и развивать у них культурные потребности, разумное отношение к вещам и всей предметной среде как средству получения благ, комфорта и источнику эстетических наслаждений.
Социалистический дизайн не приемлет культивирующееся в капиталистическом мире потребительство, стремление обладать максимумом вещей, демонстрировать с их помощью свой личный престиж и преуспевание, принадлежность к «избранным». Общественно-прогрессивный идеал дизайна — создание максимально комфортной и эстетически совершенной предметно-пространственной обстановки труда, быта и отдыха каждого труженика. Этот идеал художники-конструкторы осуществляют в самом тесном творческом единении с инженерами, архитекторами, художниками других видов искусства, специалистами многих научных дисциплин: эргономики, социологии, психологии, гигиены, экономики, технологии производства и др. На современном этапе решение всех этих задач основывается на принципах максимальной технологичности создаваемых изделий, экономии труда и материалов.
В 1957 году был создан Международный совет организаций индустриального дизайна (ИКСИД). В его задачу входит содействие развитию художественного конструирования во всем мире, выработка согласованного понимания социальных целей и задач дизайна, повышение уровня профессиональной подготовки художников-конструкторов. С 1965 года членом ИКСИДа в лице ВНИИТЭ стала наша страна.
На Генеральной ассамблее ИКСИДа, состоявшейся в Лондоне в 1969 году, определилась формулировка дизайна. Дизайн--это творческая деятельность, целью которой является формирование гармоничной предметной среды, наиболее полно удовлетворяющей материальные и духовные потребности человека.
Параллельно с проектированием промышленных изделий в нашей стране успешно развиваются разнообразные художественные промыслы, продукция которых имеет важное эстетическое значение в организации интерьеров массового жилища. Большую роль в возрождении промыслов сыграло их объединение в артели и союзы промысловой кооперации. В постановлении ЦК КПСС 1975 года «О народных художественных промыслах» указана необходимость разработать мероприятия, направленные на их дальнейшее развитие, расширение ассортимента изделий путем разработки новых и восстановления традиционных образцов, укрепления материально-технической базы промыслов.
Художественные промыслы являются особой отраслью современной художественной промышленности, выпуская изделия утилитарно-бытового, декоративного и сувенирного назначения. Важные их особенности — коллекивность воплощения творческих замыслов, применение высококвалифицированного ручного труда наряду с использованием средств малой механизации.
В настоящее время художественные промыслы в нашей стране используют почти все традиционные виды и техники декоративно-прикладного искусства прошлого. География промыслов стала значительно шире, чем в прошлом веке, прежде всего за счет их возрождения в национальных республиках, народы которых находились на положении колоний и полуколоний царской России. Наибольшее распространение получили художественная обработка древесины и металла, керамическое искусство и лаковая роспись. Довольно развиты также художественное ткачество, обработка кости и рога, ковроткачество и роспись тканей.
Популярными в стране и за рубежом являются изделия Палеха, Мстеры и других промыслов, таких, как «богородской резьбы», «семеновской матрешки», «хохломской росписи», «федоскинской миниатюры» (лаковая роспись), «ростовской финифти» (эмальерная техника), «каслинского литья» (из чугуна), «дымковской игрушки» (керамика), «кубачинского серебра» (в Дагестане) и многих других.
Высокий уровень сегодняшних требований к изделиям декоративного и прикладного искусства обусловливает рост профессионального уровня кадров народных художественных промыслов, в частности их пополнение выпускниками художественных школ и училищ. Подавляющая часть продукции промыслов производится для рынка. Это вызывает тенденцию взаимного обогащения творчества мастеров разных национальных республик и областей, а отчасти и некоторой сближенности стилевых решений. Данное обстоятельство является одним из основных факторов, определяющих развитие тех национальных народных художественных традиций, которые продолжают питать современное прикладное искусство.
Наряду с продукцией художественных промыслов широкое распространение в быту имеют разнообразные изделия самодеятельного прикладного искусства, которое в социально-экономическом плане служит сегодня наиболее близким аналогом народного художественного ремесла прошлого. В городах и селах всех республик Союза население самодеятельно создает самые разнообразные, зачастую высокого качества предметы домашней обстановки, украшения, одежды, проявляя извечную тягу человека к творчески активному художественному труду. Регулярно проводимые в Москве и других городах выставки самодеятельных художников свидетельствуют о большом творческом потенциале народа и огромном культурном значении прикладного искусства вообще. Важную роль в развитии как профессионального, так и самодеятельного прикладного искусства играет изучение и популяризация его исторического наследия.
Знакомство с богатейшей сокровищницей истории отечественного и зарубежного декоративного искусства должно составить важный элемент в обучении школьников тем или иным его видам и техникам. На факультативных и кружковых занятиях следует систематически рассказывать учащимся об основных этапах развития декоративно-прикладного искусства, о связях, которые всегда существовали между ним и важнейшими явлениями жизни народов и стран, о разнообразных приемах и методах обработки материалов, широко варьировавшихся мастерами прошлого в зависимости от решавшихся задач.
Преподавателю прикладного искусства необходим богатый иллюстративный материал по истории, демонстрация которого облегчает школьникам глубокое понимание социальных и эстетических проблем творчества. Особенно наглядными могут явиться копии лучших старых образцов художественной резьбы по дереву или кости, чеканки, гончарной лепки и росписи и т. п., в том числе изделий утилитарного назначения, выполненных самим художником-преподавателем. Но, конечно, копии не заменят шедевров искусства, хранящихся в художественных, исторических и краеведческих музеях нашей страны. Знакомство с подлинниками, сопровождаемое увлекательным рассказом преподавателя и зарисовками с натуры, помогает школьникам глубже освоить специфику, общественное значение деятельности художника-прикладника.
Лекция № 2
Этапы художественного проектирования
План:
1. Объективные и субъективные обстоятельства процесса художественного проектирования.
2. Современные методы проектирования и моделирования.
3. Предпроектное исследование.
4. Художественно – конструкторский поиск.
5. Разработка эскизного проекта.
6. Составление проектно – конструкторской документации.
7. Изготовление опытного образца и его испытания.
Литература:
5. Художественное конструирование, проектирование и моделирование промышленных изделий: Учебное пособие для студентов художественно – промышленных вузов / Быков З.Н., Минервин Г.Б. и др.; Под ред. З.Н.Быкова, Г.Б.Минервина. – М.: В.Ш., 1986.
6. Художественное проектирование. Учебное пособие для студентов педагогических институтов по специальности № 2109 «Черчение, рисование и труд» / под ред. Б.В.Нешумова, Е.Д.Щедрина. – М.: «Просвещение», 1979.
7. Бутусов Х.А., Вершинин А.А., Рудаков В.Н. Архитектура общественных зданий. – М.: Россельхозиздат,1985.
8. Лисициан М.Т. Интерьер общественных и жилых зданий. – М.: «Просвещение», 1985.
Вопросы:
1. Назовите объективные и субъективные предпосылки процесса художественного проектирования.
2. Какие современные методы проектирования вы знаете?
3. Из каких этапов складывается процесс художественного проектирования?
4. Какая работа проводится художником – проектировщиком на этапе предпроектного исследования?
5. Каковы методы графической фиксации существующих вариантов решения изделия и интерьера?
6. Какие источники необходимо использовать, чтобы собрать максимальное количество информации об опыте проектирования разрабатываемого объекта?
7. Для чего при проектировании объекта и интерьера необходимо знание антропометрии?
8. Какова сущность этапа художественно – конструкторского поиска?
9. Какова роль форэскизов и метод макетирования объекта на этапе художественно – конструкторского поиска?
10. В каких масштабах выполняются макеты изделий и интерьера?
11. Что входит в состав эскизного проекта и каковы условия выполнения и представления каждой составляющей проекта?
12. Какие сведения содержит пояснительная записка к эскизному проекту?
13. Охарактеризуйте этап составления проектно – конструкторской документации.
14. Приведите примеры разработки заданий по художественному проектированию.
Этапы художественного проектирования
В различных случаях процесс создания вещей, машин, комплексов изделий может протекать по-разному в зависимости от своеобразия возникающих объективных и субъективных причин. К объективно превходящим обстоятельствам процесса проектирования относятся и накопленные научные данные, особенности материально-технической базы, разработки проекта и последующего изготовления по нему изделия, требования экономики, сроки изготовления образца и др. Личные качества проектировщика — его талант, эрудиция, художественный вкус, опыт, исполнительское мастерство, стиль работы и т. д. — составляют субъективную предпосылку в процессе его труда.
Индивидуальные и объективно продиктованные различия в организации процесса разработки проекта не должны, однако, приводить к нарушению основных методических принципов художественного проектирования. Методика художественного проектирования формировалась в результате обобщения опыта работы многих деятелей советского и зарубежного дизайна. Она закрепляет положения и принципы, характеризующие отличие современного дизайна от материально-художественного творчества прошлого — в отношении характера и сложности решаемых задач, научного и технического обеспечения, взаимоотношения художника с производством и др.
В век научно-технической революции предъявляются новые требования к процессу создания вещей. Сегодня это деятельность, которая не ограничивается традиционным чертежным способом проектирования, «экспериментирование» на чертежах. Такое проектирование все более изживает себя, отмирают его «классические» процедуры, например: нанесение надписей на чертеже, выполнение форматок, копирование на кальку и др.
В настоящее время успешно развиваются методы, сокращающие сроки проектных разработок и одновременно повышающие их качество и эффективность. Таковы объемный метод проектирования — макетный поиск будущего изделия, серийный метод проектирования — создание изделий различного функционального назначения или разнообразного внешнего вида на основе широкой унификации элементов и разработки базовой модели. Популярны методы поэтапного решения проектных задач, а также проектирование на уровне систем.
Современные методы проектирования отличаются ускорением творческого процесса относительно сложности ставящихся задач. Используются различные вычислительные и рисовальные автоматизированные машины, снабженные устройствами ввода и вывода графической информации. Несмотря на первые попытки применения новых методов приносят пока скромные результаты они неуклонно внедряются в проектную практику. Разнообразие методов и средств проектирования способствует росту творческой активности и высокой профессионализации труда художников-конструкторов.
Методы, применяемые сегодня в проектировании, как правило, сочетаются в процессе разработки одного объекта. Основой же сложной методической организации процесса выступают два из них — эскизно-графический и объемный, обычно дополняющие друг друга, но иногда применяемые и раздельно в тех случаях, когда это оправдывается характером формы объекта.
Эти методы используются при разработке отдельного изделия, комплекса изделий, серии модификаций базовой модели (в рамках серийного метода проектирования), а также при создании предметно-функциональных систем (например, системы элементов фирменного стиля какого-либо предприятия). В разделе излагаются основные принципы этапной организации проектирования с комбинированным применением эскизно-графического и объемного методов.
Процесс разработки изделий складывается из следующих этапов: предпроектного исследования, художественно-конструкторского поиска (предварительного эскизирования), разработки эскизного проекта, составления проектно-конструкторской документации, изготовления опытного образца и его испытания.
Образец учебного задания на проектирование
Задание № 1 по художественному конструированию «Рабочее место учащегося»
Рабочее место учащегося — парта, чертежный стол, верстак — является важной составной частью, учебно-производственного процесса и интерьера помещения.
В комплексе оборудования рабочего места главным является учебная мебель, которая влияет на самочувствие и работоспособность учащегося. Современная удобная, прочная и красивая мебель способствует выработке правильных навыков в труде, увеличивает его производительность, способствует эстетическому воспитанию молодежи.
I. Тема задания: по выбору требуется спроектировать одноместное (стол и стул) или двухместное рабочее место учащегося в учебных помещениях общеобразовательной школы (кабинетах или мастерских).
II. Требования к проекту: рабочее место учащегося должно быть современным, удобным, прочным, экономичным и красивым. Оно должно отвечать комплексу новейших требований — функциональных, педагогических, эргономических (возрастная физиология, школьная гигиена, антропометрия) и конструктивно-технологических, а также проектироваться с учетом использования новых технических средств обучения. Материалами для изделий могут служить твердолиственные породы древесины с использованием гнутоклееных элементов и пластических материалов, стальной прокат различных профилей и другие рациональные конструкционные, отделочные и облицовочные материалы. Изделия должны соответствовать ГОСТу 11015—71 (столы ученические) и ГОСТу 11016—71 (стулья ученические). Весь проект необходимо ориентировать на конкретную ростовую группу учащихся с учетом вида их деятельности, места хранения портфеля (ранца), необходимого количества книг, тетрадей, учебных пособий, инструментов и др., требований устойчивости и пространственной жесткости.
III. Состав проекта:
1. Проект рабочего места с разрезами в 3—4 проекциях М1:10, 1:5.
2. Макет в условных материалах М1:10, 1:5.
3. Пояснительная записка.
IV. Требования к выполнению проекта:
Проект выполняется на планшете размером 400х600лш, оклеенном ватманом. Он должен быть вычерчен в карандаше (или разбавленной тушью) и отмыт в цвете акварелью или гуашью. На планшете указываются основные разрезы с размерами, соответствующая надпись и подпись студента, а также краткая аннотация с указанием функциональных и конструктивных особенностей изделия, примененных материалов и видов отделки. На окончательную сдачу проекта представляются указанные в планшете материалы, а также зарисовки в альбомах, эскизы, наброски и др.
V. Этапы и сроки проектирования:
1. Выдача задания, конкретизация объекта, вычерчивание схемы стола и стула по ГОСТам—20.Х.79.
2. Сбор, анализ и обобщение информации, зарисовки — З.Х1.79.
3. Представление форэскизов—10.Х1.79.
4. Разработка эскизного проекта и рабочего макета — 24.XI.79.
5. Утверждение эскизного проекта и макета — 25.XI.79.
6. Доработка проекта, составление пояснительной записки, выполнение образца— 15.ХП.79.
7. Подача проекта—16.XII.79.
VI. Литература:
1. Б е л о в А. А. Мебель для учащихся при современных методах обучения.— В кн.: Теория и методика физического воспитания детей. Л., 1971. (Учен, зап. ЛГПИ, т. 347.)
2. Зельдис И. В. О культуре рабочего места. — «Школа и производство», 1966, № 9.
3. Интерьер школы. Под ред. В. Н. Шихеева, Т. Е. Астровой. М., «Просвещение», 1972.
4. Нешумов Б. В., Шихеев В. Н. Новые типы школьной мебели.— В кн.: Общественные здания, вып. 6. М., Стройиздат, 1968.
Лекция № 3
Закономерности и средства композиции в художественном проектировании.
План:
1. Свойства пространственной формы материальных предметов.
2. Пропорции, « золотое сечение ».
3. Контраст, нюанс, тождество, масштабность.
4. Ритм; простые и сложные метрические ряды.
5. Модуль, симметрия.
6. Виды композиций помещений здания.
Литература:
1. Другов Д.В. Человек- образ жизни- дизайн интерьера. М.: Издательский центр «Табурет», 2001.
2. Крутских Е.Ю., Литвинов Д.В. Интерьер вашего дома. Практическое руководство «Екатеринбург», «У- Фактория», 2005.
3. Новиков Е. Г. Интерьер общественных зданий. – М.: СН, 1983.
4. Художественное проектирование. Учебное пособие для студентов педагогического института по специальности № 2109 «Черчение, рисование и труд»/Под редакцией Б.В.Нешумова, Е.Д. Щедрина. – М.: «Просвещение», 1979.
Вопросы:
1. Что понимается под свойствами пространственной формы. И каковы их характеристики?
2. Какие факторы влияют не зрительное восприятие массы формы?
3. Как используется различные текстуры при разработке изделия?
4. От чего зависит фактурность материала и как применяется эффект фактуры для передачи эстетического своеобразия материала?
5. Какую роль играет света – тень в восприятии объема формы?
6. Что является предпосылкой высокого художественного качества изделий?
7. В чем заключается правило « золотого сечения » и как оно выражается математически?
8. На чем основан геометрический метод построения пропорций?
9. Какова роль контраста и нюанса в передаче внешних и конструктивных особенностей формы?
10. Как используется масштабность в качестве композиционного средства в художественном проектировании; и от чего зависит масштабная выразительность предметов и сооружений?
11. Что является важнейшим признаком ритма?
12. Приведите примеры проявления метрического порядка.
13. Дайте характеристику простых и сложных исторических рядов.
14. Каково применение модуля в дизайне?
15. Для чего в художественном проектировании применяется симметричная и ассиметричная концепции?
16. Каковы особенности фронтальной, объемной и глубинной композиции.
Какие Вы знаете способы выражения глубины пространства?
Закономерности и средства композиции в художественном проектировании
Наука о композиции изучает общие внутренние закономерности строения форм в искусстве и дизайне, а также конкретные средства достижения их целостности и единства с содержанием вещей. Цель композиции в дизайне – утилитарно оправданная форма вещи, имеющая функциональную, конструктивную и эстетическую ценность. Структура вещи, формируемая по законам композиции, получает такие функциональные и конструктивные особенности, которые наилучшим образом отвечают назначению цели.
Композиционный поиск в художественном проектировании направлен на придание форме свойств, обеспечивающих получение потребителем полезных эффектов. Композицию-«сочинение» - понимают в области искусства как систему построения художественного произведения. Это понятие применимо к процессу проектирования, к проекту и самому изделию.
Прежде чем рассмотреть различные закономерности композиции, надо познакомиться со свойствами пространственной формы материальных предметов.
Под свойствами пространственной формы понимается совокупность всех ее зрительно воспринимаемых признаков: геометрический вид (конфигурация), величина, положение в пространстве, масса, фактура, текстура, цвет, светотень.
Геометрический вид — свойство формы, определяемое соотношением ее размеров по трем координатам пространства, а также характером (конфигурацией) поверхности формы. В зависимости от преобладания одного из трех основных измерений выделяются три вида формы:
1) объемный, характеризуемый относительным равенством всех трех измерений (рис. 1, а);
2) плоскостной, определяющийся резкой (или полной) уменьшенностью размеров по одной из координат измерения (рис. 1, б);
3) линейный, для которого характерно преобладание какого-либо одного измерения над двумя другими при их относительно малой величине (рис. 1, в).
Другим признаком геометрического вида формы является прямолинейность (криволинейность) поверхности. По данному признаку форма характеризуется крайними состояниями:
а) прямая линия (многоугольник) — окружность;
б) плоская (цилиндрическая, шаровая, коническая) — многогранная поверхность.
Между пределами «прямая линия — окружность», «плоская — многогранная поверхность» находится бесконечный ряд промежуточных состояний (рис. 2).
Величина — свойство протяженности формы и ее элементов по трем координатам.
Величина формы оценивается по отношению к размерам человека или других форм (рис.3, а, б) или как соотношение величин элементов одной и той же формы (рис. 3, в, г).
При сопоставлении форм по величине наблюдается их равенство или неравенство.
Положение в пространстве свойство формы, определяемое ее местонахождением среди других форм, а также относительно наблюдателя в системе трех координатных плоскостей: фронтальной, профильной и горизонтальной.
Предмет, форма которого приближается к прямоугольному параллелепипеду, имеющему два равноценных измерения, может занимать три типовых положения по отношению к зрителю: фронтальное, профильное или горизонтальное (рис.4). Прямоугольный параллелепипед, в котором различны все три измерения, имеет шесть типовых положений. Куб, у которого все три измерения равны, имеет только одно типовое положение. То же самое можно сказать и о предметах, форма которых приближается к этим фигурам.
Взаимное расположение форм в пространстве по отношению друг к другу и зрителю рассматривается и по другому признаку. Они могут быть расположены в отношении друг друга или зрителя ближе, дальше, выше, ниже, слева, справа (рис. 5).
Форма может располагаться и на различных уровнях по отношению к линии горизонта, т. е. на уровне горизонта, выше или ниже ее. Одна или несколько форм по отношению к другим могут быть расположены на одном или нескольких уровнях (см. рис. 6). Сочетание указанных типовых положений дает сложные ситуации.
При решении многих композиционных задач большую роль играет учет зрительного восприятия массы. Оно зависит от многих факторов. Большое значение имеют размеры и форма того или иного предмета. «Зрительная масса» — свойство формы, определяемое визуальной оценкой количества вещества (материала), заполняющего пространство в пределах видимой геометрической формы. Как и при анализе других свойств формы, здесь можно установить степени массивности, зависящие от различных условий. Большей по величине форме зрительно соответствует и большая масса (рис. 7, а), если примерно одинаковы все другие их свойства и условия восприятия.
Восприятие массы изменяется и в зависимости от геометрического вида формы. Наибольшей «зрительной массой» обладают формы, приближающиеся к кубу и шару, и все те, измерения которых по трем координатам равны между собой или близки к равным. Минимальной массой обладают формы, приближающиеся к линейным (рис. 7, б)
Восприятие массы различно также в зависимости от степени плотности наполнения и фактурности формы. Если плотность заполнения такова, что структура поверхности зрительно не различается (например, у гладкой поверхности), то массивность формы может не восприниматься.
Изменение восприятия массы происходит также в зависимости от величины пространства, остающегося свободным от «вещества» в пределах данной формы. При минимуме «вещества» пространство максимально доминирует: наибольшую массивность предметы получают при отсутствии пустот (рис.7, в)
Изменение массы формы зависит, кроме того, от цвета, фактуры и текстуры материала, из которого она сделана, и от величины предмета или элементов, соседствующих с ней. Увеличение массы наблюдается при сопоставлении с данной формой предметов или деталей меньших размеров. При увеличении сопоставляемых деталей масса того же предмета уменьшается (рис. 8). Все эти изменения массивности форм иллюзорные, а не фактические и часто используются при проектировании изделий.
Большое значение в восприятии форм имеет фактура - свойство, характеризующее внешнее строение поверхности формы ("шероховатая, гладкая и. др.).
Фактурность материала зависит от плотности и величины микроискажений поверхности (рис. 9). Один из пределов представляют гладкие поверхности, у которых элементы фактуры столь малы, что они зрительно не различаются. Другой предел — когда элементы фактуры по своей величине воспринимаются как самостоятельные элементы формы и количество их достаточно мало, так что все они ясно различимы. В этом случае элементы фактуры поверхности становятся уже элементами членения (рельефа) поверхности.
Очевидно, что восприятие фактуры зависит от расстояния зрителя от поверхности. При увеличении расстояния мелкие детали (членения) перестают восприниматься как отдельные, элементы формы, представая в качестве элементов фактуры поверхности (рис. 10). При положении в точке О1 зритель воспринимает ограниченное число элементов рельефа поверхности. Элементы, фактуры воспринимаются наблюдателем как рельеф. По мере удаления от рассматриваемой поверхности (точки О2, Оз) число охватываемых зрением элементов увеличивается, их угловые размеры уменьшаются, и они воспринимаются уже как фактура поверхности.
Фактура создает зрительный образ изделия и выступает одним из основных источников осязательной информации. Именно различие фактур дает нам возможность различать на черно-белом изображении воду и металл, снег и бумагу. При разработке художественно-конструкторского проекта любого изделия выбор фактуры поверхности столь же важная задача, как и выбор материала. Один и тот же материал может выглядеть весьма по-разному при различной обработке его поверхности. Фактура выступает активным свойством поверхности, способным влиять даже на восприятие пропорциональных отношений формы.
Недостаточное внимание к свойствам фактуры, неудачное сочетание разных материалов в одном изделии часто приводит к дробности и дисгармонии формы.
Восприятие фактуры зависит и от характера освещения поверхности. Например, шероховатость поверхности хорошо видна с близкого расстояния при сильном боковом свете. Если увеличить угол освещения, «такая поверхность будет выглядеть относительно гладкой. Используя в изделии ту или иную фактуру поверхности, проектировщик должен учитывать те конкретные условия, при которых она будет восприниматься: удаленность от наблюдателя, характер (угол, яркость, цветность) освещения и др.
В восприятии формы важное значение играет и текстура — наблюдаемые на поверхности внешние признаки структуры материала, из которого предмет изготовлен. Наиболее часто текстурой (рисунком) характеризуются изделия из дерева и ткани.
Различные текстуры используются как декоративный элемент при проработке изделия. Следует избегать несвойственной материалу текстуры, например имитации пластмассы под дерево и т. п.
Рисунок текстуры древесины изменяется в зависимости от направления ее обработки, т. е. от плоскости резания — радиальной, тангенциальной, радиально-торцевой, тангенциально-торцевой. В выявлении текстуры значительную роль играет цвет, особенно разница (контраст) в естественной окраске волокон древесины.
Фактура и текстура представляют собой активные средства художественной выразительности. Эффект фактуры и текстуры используется прежде всего для того, чтобы передать естественные качества материала, раскрыть его эстетическое своеобразие. Если фактура пли текстура материала очень выразительны, то их воздействие на наблюдателя может быть сильнее, чем воздействие самой формы изделия. Однако чрезмерная броскость фактуры или текстуры может быть неприятна. Фактура и текстура поверхностей должны подбираться с учетом размеров изделия и величины пространства, в котором оно будет функционировать.
Цвет — свойство тел вызывать то или иное зрительное ощущение в соответствии со спектральным составом отражаемого или излучаемого ими света.
Цвет обладает такими основными характеристиками, как цветовой тон (различные оттенки цвета), насыщенность (степень яркости цвета), светлота (отражающая способность цветовой поверхности). Все разнообразие цвета можно свести к трем основным рядам:
1) ряд серых ахроматических тонов в пределах от белого до черного цвета (рис. 11, а);
2) хроматический ряд (цвета спектра), который можно разделить по следующим признакам:
а) теплая гамма: желтый, оранжевый — красный и их промежуточные состояния;
б) холодная гамма: зеленый, синий — фиолетовый и их промежуточные состояния;
в) дополнительные цвета: синий — оранжевый, зеленый — красный, фиолетовый — желтый. Дополнительные цвета располагаются в круге спектральных цветов диаметрально, друг против друга (рис. 11, б);
3) ряды, идущие от хроматических (спектральных) цветов к ахроматическим, например: от зеленого к белому, от зеленого к серому, от зеленого к черному.
Изменение цвета по указанным признакам создает бесконечное его разнообразие. Цвет может быть использован в качестве активного композиционного средства.
Светотень — свойство, характеризуемое распределением светлых и темных участков на поверхности формы. Распределение светотени обусловлено формой предмета, рельефом его поверхности и освещением. Светотень облегчает зрительное восприятие объема и рельефа, способна обобщить или расчленить объем или поверхность предмета.
Вообще рельеф предмета и его трехмерная форма воспринимаются прежде всего благодаря градациям и переходам от более освещенных участков к менее освещенным. Наиболее богаты нюансами переходы света и тени на мягко освещенных предметах.
Форма изделия воспринимается отчетливо, если освещенные места и тени на ее поверхности соответствуют реальной композиционной взаимосвязи элементов, частей предмета. При неблагоприятном направлении света форма зрительно разрушается: наблюдатель видит только набор светлых и темных пятен. Отсутствие теней (бестеневое освещение) лишает округлую форму объемности, поэтому, если условия освещения предмета будут только такие, следует изменять форму или исправлять ее, привлекая для этого такие средства, как цвет, фактура поверхности и т. п.
На хорошо обработанной поверхности часто возникают светлые блики, которые в совокупности образуют так называемый световой каркас поверхности. Форма светового каркаса должна быть согласована с формой предмета. При проектировании изделий с полированной поверхностью сложной формы следует обязательно испытывать получающийся световой каркас в условиях различного освещения. Беспорядочный световой каркас может зрительно разрушить в целом хорошую форму.
Форма, освещенная под прямым углом к ее картинной плоскости, обычно воспринимается как светлый силуэт на относительно темном фоне окружающей среды. В этом случае собственные тени криволинейной поверхности почти пропадают.
Свет, направленный под углом 45°, хорошо выявляет объемные и фактурные качества трехмерной формы. На ней появляются все светотеневые градации: свет, полутон, тень, рефлекс, падающая тень.
Фактурная поверхность исключает блики — характерную особенность гладких поверхностей. Приближая источник света к предмету вплотную, можно добиться более контрастных световых отношений с сильными рефлексами и густой (плотной) тенью. На собственной и падающей тенях появятся сложные тональные градации (рис. 12).
На криволинейной поверхности, в тех местах, где падает скользящий свет, фактура выделяется яснее. С удалением источника света светотеневые градации исчезают, «материальность» формы уменьшается, и с определенного момента предмет воспринимается как силуэт, лишенный объема и деталей.
Свободно стоящая вертикальная плоскость все время сохраняет свою плоскостность независимо от направления и силы источника света. Объемная же форма претерпевает значительные изменения, а особенно при боковом освещении. Криволинейная поверхность обладает светотенью и рефлексами при любом направлении лучей, но при рассеянном свете особенности ее рельефа могут пропадать.
Если две грани объемной формы освещены равномерно, то угол, образуемый этими гранями, читается слабо и вся форма приобретает плоскостной характер. Если же одна из граней освещена сильнее других, строение формы становится более очевидным, но при чрезмерном контрасте между освещенной и затененной гранями зрительная связь между ними нарушается, а, следовательно, нарушается целостность формы.
Особенности светотени были рассмотрены выше без учета влияния окружающей среды — близости других предметов, отражающих свет.
Свойства формы не изолированы друг от друга. Форма характеризуется их совокупностью и единством. Анализируя взаимосвязи между элементарными свойствами, мы изучаем более сложные закономерности объемно-пространственных форм, а именно композиционные, или художественные.
Важнейшая предпосылка высокого художественного качества изделий — единство всех элементов их формы, т. е. их соразмерность и соподчиненность. Средствами приведения первичных свойств формы к композиционному единству являются пропорции, масштабность, ритм, контраст и нюанс. Применение этих средств композиции должно подчиняться функциональным и конструктивным требованиям, предъявляемым к изделиям, а также требованию оптимальной взаимосвязи изделия со средой и человеком. Нужно помнить, что любые композиционные приемы не самоцель, а только средство для выражения в форме существенных, содержательных свойств изделия — его назначения, особенностей устройства, конструкции и др.
Ритм
Ритм — одно из важных средств приведения многообразных элементов формы к единству, упорядочения их расположения.
Важнейшим признаком ритма является повторность элементов формы и интервалов между ними. Ритм присущ различным явлениям и формам природы, трудовым процессам, произведениям искусства и т. д. Закономерное чередование объемов, членений, поверхностей, граней и т. д., а также упорядоченное изменение характеристик элементов формы - все это используется в качестве специфического средства композиции как для отдельных предметов и сооружений, так и для их комплексов.
Ритмические повторы могут быть равномерными, убывающими или нарастающими. В соответствии с этим поверхность может быть двух типов: статическая (метрическая) и динамическая.
Метрический порядок (метр) - простейшее проявление ритма с характерным повторением в композиции одинаковых форм при равных интервалах между ними. Примерами служит расположение колонн в античных храмах, равномерное расположение однотипных станков в цехе, шкал, сигнальных ламп, кнопок приборов и т. д. В композиции используются повторяющиеся акцептированные стыки одинаковых элементов, места разъемов, повтор крепежных деталей.
Метрический ряд, видимый в перспективном сокращении, воспринимается как динамический, так как все элементы ряда (размер, интервал) последовательно уменьшаются.
Понятие метрической и динамической закономерности применимо и к простейшим геометрическим формам, в строении которых нет признаков ряда. Метрическое строение имеют прямая линия, плоскость, цилиндрическая и шаровая поверхности, все участки которых равны друг другу на всем протяжении. Кривые конического сечения (эллипс, парабола и гипербола) можно отнести к динамическим кривым, как и все виды поверхности, образованной на их основе.
По признаку наличия или отсутствия интервалов между формами (элементами) метрические ряды можно подразделить на две группы: прерывные и непрерывные. В последнем случае членение ряда происходит на стыках между формами.
Рассмотрим более подробно возможные варианты метрических рядов. Ряд, основанный на повторе одного и того же элемента, с одним и тем же интервалом, называют простым (рис. 18, а). Весьма сложен ряд, образованный сочетанием нескольких разных метрических рядов (рис. 18, б, в).
Сложные метрические ряды, в свою очередь, подразделяются на три группы: 1) сложный метрический ряд с чередованием элементов на одинаковых интервалах (рис. 19); 2) метрический ряд, образованный чередованием равных форм с неравными интервалами между ними (рис. 20, а, б, в); 3) метрический ряд с чередованием неравных элементов на неравных интервалах (рис. 21).
При наличии нескольких метрических рядов композиция изделия становится насыщенной и выразительной. Ясность ее достижима за счет четкого контрастного противопоставления одной группы элементов другой. Необходимо также, чтобы второстепенные ряды дополняли и поддерживали главные.
Метрическая упорядоченность форм в технике связана в большинстве случаев с требованиями к конструкции. Метрический ряд ясно прочитывается в конструкции болта — в геометрии резьбы и форме головки (чередование граней).
Динамические ряды, как и метрические, могут составляться как с интервалами между формами, так и без них. Остановимся на закономерностях ритмических рядов, построенных на основе прогрессии.
Закономерность ритмического ряда, построенного на арифметической прогрессии, заключается в том, что постоянно сохраняется разность между любыми двумя соседними интервалами. Простейший пример — ряд натуральных чисел 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 (рис. 22, а).
Геометрическая прогрессия является закономерностью ритмических рядов, в которых величина каждого последующего члена (интервала) равна величине предыдущего, помноженного на постоянное число (рис. 22, б). Возможные варианты геометрического построения таких рядов показаны на рис. 23. Ритмический ряд, изменения членов которого основаны на отношении «золотого сечения», показан на рис. 24.
Динамический ряд может быть образован сочетанием и наложением простых метрических рядов (рис. 25—27).
Примерами, иллюстрирующими использование ритмических повторов в архитектуре, служат фасады готических соборов, для композиции которых характерно нарастание сложности структуры снизу вверх. Проявление ритма в последовательном изменении сопоставляемых элементов видно на примере здания Московского университета на Ленинских горах, высота башен которого возрастает к центру одновременно с уменьшением расстояния между ними.
Проявления динамического ритма в технике очень разнообразны. Это структура конических и плоских спиральных пружин, неравномерная градуировка шкал многих приборов, плетение ажурных мачт высоковольтных передач и т. д.
Выразительные возможности ритмических систем имеют свои пределы. Если в музыке бесконечно повторять одну и ту же ноту или строить архитектурную композицию на повторении только одного элемента, неизбежна утомительная монотонность.
Чтобы композиция была завершенной, используемые в ней метрические ряды должны быть завершены, как бы закрыты. Иначе они выглядят случайными фрагментами целого. Для этого могут использоваться самые различные приемы: размещение на концах ряда элементов, более узких или широких, чем внутри ряда. Крайние элементы ряда могут быть выделены также цветом, фактурой, текстурой и другими средствами.
Ритм, как свойство композиции опосредован особенностями психологии зрительного восприятия. Из всех признаков формы наиболее значимым для ритмизации является размер, затем интервал и светлота. Ритмические ряды воспринимаются в направлении от больших элементов к меньшим, от темных — к светлым, от малых интервалов к большим.
Частными проявлениями ритмической закономерности в природе и произведениях искусства являются модуль и симметрия.
Модуль
Модуль — это величина, принимаемая за основу расчета размеров какого-либо предмета, машины или сооружения, а также их деталей, узлов и элементов, которые всегда кратны относительно избранного модуля.
Кратность размеров деталей позволяет различно собирать из них одно и то же изделие или применять их в разных изделиях. Основной модуль — исходный размер модуля, общего для различных объектов, служащего основой координации размеров деталей в строительстве. В СССР и в большинстве других стран, в которых действует метрическая система мер, принят основной модуль, равный 100 мм (10 см).
Модульные размеры изделий должны обеспечивать взаимозаменяемость унифицированных элементов и соответствовать антропометрическим требованиям ГОСТа «Предпочтительные числа», принятого для всех отраслей промышленности.
Модуль широко применяется и в дизайне, особенно при проектировании различного оборудования из унифицированных элементов. Мебель и многие другие изделия для жилища проектируются на основе модуля, производного от основного модуля, принятого в архитектуре. Так, в системе бывшей Академии строительства и архитектуры СССР для встроенного и отдельно стоящего оборудования были приняты модули 5 см (т. е. 1/2 М) — для мобильного стационарного оборудования и «разбивочный шаг», или укрупненный модуль, равный 15 см, — для встроенного стационарного оборудования.
Модульная координация находит широкое применение в приборо- и станкостроении, особенно там, где развиты унификация и агрегатирование. В качестве основного в этих областях принят модуль 5 см.
Важной вехой в поисках соразмерности предметной среды человеку явился «Модулор» французского архитектора Ле Корбюзье, приведший пропорции человеческого тела к «золотому сечению». В предложенной Ле Корбюзье системе сделана попытка связать строительные размеры с размерами человеческой фигуры и ее частей и установить, таким образом, соразмерность величины здания, его частей, деталей и оборудования человеку. Создавая «Модулор», Ле Корбюзье исходил из идеи необходимости коренной перестройки всей архитектурной и предметной среды. «Модулор», как считал он, может стать полезным лишь в том случае, если он будет применяться в широком масштабе, во всех сферах материального творчества. Основная задача «Модулора», по мысли Ле Корбюзье, внести порядок в производство. Поставленная им проблема упорядочения предметной среды с помощью гармонических рядов чисел приобретает сегодня особую актуальность, поскольку в действующих системах стандартов пока не затрагивается вопрос соразмерности и гармоничности предметов.
Введение единой модульной системы в практику художественного проектирования облегчает решение многих задач, связанных с формообразованием изделий.
Влияние зрительных иллюзий на кажущееся изменение размеров
ПРАКТИКА ЦВЕТОВОГО РЕШЕНИЯ ЖИЛОГО
Классический стиль
Итак, классический стиль — стиль, близкий сердцу многих советских людей. Этому немало способствовал пиетет высшего эшелона власти перед античностью и -помпезные постройки с колоннами времен «сталинского ампира».
В XVI веке в период итальянского Возрождения в интерьерах дворцов появляется не свойственная до этого средневековым замкам роскошь внутреннего убранства. Красота и изящество вновь становятся заботой архитекторов наряду с практичностью и комфортом. Затем, уже в следующем веке, в интерьерах дворцов французской знати классический стиль утвердился в полной мере.
Классический стиль в интерьере весьма не однороден. В нем выделяются несколько направлений, одним из которых является барокко.Барочный стиль зародился еще во времена Микеланджело— в эпоху Возрождения, но во всей своей роскоши проявился все там же, во Франции. Для него характерны искривление форм (рис.1), овальные залы, арки, мраморные витые лестницы, сложный, иногда даже перегруженный декор: лепнина, позолота, резьба, чеканка, инкрустация. В отделке преобладают растительные мотивы: гирлянды цветов, листья, венки.
Самым уютным и интимным в истории классических интерьеров был стиль рококо. В этом игривом кокетливом слове, кажется, заключена вся его суть (переводится как «раковина», «жемчужина»). И если ампир — безусловно, мужественный стиль, то рококо — женственный. Его философия — это мир будуара, игры, карнавала. В дизайне интерьеров господствует грациозный, прихотливый орнаментальный ритм. Линии изощренно изогнуты, текстура предметов драпируется или скрывается под обильным декором. Интерьеры изящны, легки, украшены гирляндами цветов, раковинами, фигурками амуров. Широко используются изделия из бронзы, картины, живописные панно в затейливых рамах и зеркала, которые становятся центральной темой рокального интерьера. Вся эта роскошь щедро покрыта позолотой и в сочетании со светлыми стенами создает тот самый утонченно-роскошный стиль, который и сейчас нередко используется в оформлении больших помещений. Именно в эпоху рококо (первая половина ХУШ в.) зародилось представление об интерьере как о целостном ансамбле. Архитекторы в своих проектах стремились достичь полного декоративного единства всех составляющих комнатного убранства: росписей и орнамента стен и потолков, отделки пола, форм мебели, расцветок драпировок и обивочных тканей.
Классицизм,возникший в середине XVIII века, и был не чем иным, как обращением к древнегреческим идеалам красоты. Французский классицизм отличался сочетанием традиционной для этого стиля стройной и симметричной общей композицией со стремлением к изысканности ивнешнему блеску интерьеров. Дворцы того периода отличались парадной торжественностью и грандиозностью роскошных залов, строгой четкостью анфилад и садово-парковых ансамблей. Классический стиль тогда оправдал свое название — как «правильный образец для подражания». Все было строго определено, четкие и прямые линии, правильные симметричные формы, начиная от колонн, оконных проемов, мебели и кончая строгими геометрическими формами подстриженных кустов в саду.
Стиль эпохи классицизма обычно созвучен основательным людям с традиционными взглядами. Здесь царствуют ясные геометрические формы и сдержанный декор (рис.2). Для построения интерьеров была характерна анфиладность, когда комнаты как бы «нанизывались» на прямой коридор. Все элементы интерьера требуют дорогого, качественного и натурального материала (дерево, камень, шелк). Красота классицизма гармонична, стройна и благородна. Самым ярким символом этого стиля является античная колонна с ее четкими прямыми линиями. В орнаменте также преобладают античные растительные мотивы (меандр, акант, пальметты). Характерны украшения скульптурой, большими алебастровыми вазами, настенными панно и лепниной. Цвета спокойные, приглушенные.
В начале XIX века французы, добавив к классицизму немного роскоши и позолоты, дополнив античную классику египетскими мотивами, введя в отделку военную символику (знамена, шлемы, шпаги в барельефах, лепнине и резьбе, золоченые кисти,, напоминающие генеральские эполеты), создают стиль ампир.Если вас восхищает образ Наполеона Бонапарта,»то этот стиль ваш. Он. оформился именно в эпоху имперских завоеваний Франции и взял за основу величественные образцы Римской, эпохи императоров. Это мужественный и холодный стиль, помпезный и гордый. Формы ампира чисты, просты и безжалостно логичны. Именно эти свойства делают его (любимым стилем чиновного и официального интерьера (рис.3). Цвета в интерьере ампира становятся яркими и контрастными. Мебель Массивна и украшена бронзовыми накладками. В декоре преобладают римские и египетские символы (львиные маски, сфинксы, скрещенное оружие). Одним словом, стиль явственно показывающий, «кто в доме хозяин».
Конечно, современная квартира — это не дворец XVIII века, но как хочется прикоснуться к роскоши и монументальности былых времен! И в наше стремительное время приятно находиться в классической обстановке: сдержанная, ровная поверхность стен, обтянутых тканью, как бы излучает свет, а мебель из дорогой древесины — тепло и достоинство. Классические интерьеры рассчитаны на спокойных и консервативных людей, состоявшихся в жизни, не меняющих интерьер в угоду моде. Классика покупается надолго и передается по наследству. У качественной классической мебели есть интересная черта: как и талантливая живопись, такая мебель со временем возрастает в цене, становясь дорогим антиквариатом. Ведь это, как правило, мебель из натурального дерева: ореха, вишни, карельской березы, а ручная работа — резьба, позолота, инкрустация редкими породами дерева, перламутром, бронзой — делают такую мебель настоящим произведением искусства. Более того, фирмы, специализирующиеся на производстве предметов интерьера в классическом стиле, создают их на заказ с учетом пожелания клиента, так что такая мебель в какой-то мере уникальна. Вот почему созданная вручную в классических пропорциях вещь, будь то мебель, светильники или посуда, не теряет своей красоты и популярности, сохраняя со временем свою притягательность и ценность.
Итак, современный интерьер, оформленный в классическом стиле — это помещение правильной формы, светлое, излучающее покой и устойчивый семейный уют. Такой интерьер не чрезмерен, не перегружен деталями, не «бьет в глаза», исполнен сдержанного достоинства, вкуса и респектабельности. В классической обстановке обычно много зеркал, расширяющих помещение и придающих ему блеск. Колонны с бронзовыми капителями очень органично дополняют интерьер, камины отделаны мрамором. Общая цветовая гамма — белая мебель в сочетании с позолотой и пастельными тонами обивки и стен или — тоже очень распространенный вариант — мебель цвета натуральной благородной древесины с бронзовой отделкой и сине-зелеными или розовыми оттенками текстиля в обивке, шторах. Разнообразные ткани: шелк, атлас, хлопок, вискоза, парча — однотонные или с классическими рисунками (преимущественно цветочным орнаментом), хорошо сочетаются с формой мягкой мебели и цветом древесины. Портьеры и драпировки окон сложной
изящной формы, с благородными складками, служат украшением окна и интерьерам целом. В отделке используются кисти или близкие по тону и фактуре ткани. Для освещения чаще всего используются люстры из хрусталя, натурального прозрачного камня или дорогого стекла. Хорошо смотрятся в таком интерьере и бронзовые или позолоченные люстры с плафонами, имитирующими свечи. Современное точечное освещение не является противоречием, а, скорее, органично вписывается в интерьер. Обязательные атрибуты — камины, уютные невысокие кресла, низкие чайные и кофейные столики, обилие света, мягкие светлые ковры ручной работы, паркет из ценных пород дерева и светильники, похожие на ювелирные украшения. Столы и стулья в столовой с резными изящными ножками и фарфоровой посудой, тонкой, почти прозрачной, с неброским рисунком и позолотой. Все это гармоничные и комфортные интерьеры дома в классическом стиле. Пробыв в таком доме несколько минут, хочется остаться на, всю жизнь. Человека всегда манила комфортная роскошь, тем более, что здесь она предназначена не для экспозиции, а для жизни в ней.
При всем их разнообразии изящные и несколько парадные интерьеры в классическом стиле не выглядят, как музейные экспонаты, ведь в них сохраняются главные черты стиля: благородство и сдержанность, гармоничность и хороший вкус, а владелец дома в классическом стиле подтверждает свой высокий социальный статус и респектабельность.
Классический интерьер на практике
Если вы решились на полную реконструкцию, определите центральное пространство, вокруг которого будет развиваться интерьер. Таким естественным центром чаще всего становится гостиная. При реконструкции интерьера в классическом стиле лучше выбрать центрическую, или лучевую, композицию. Необходимо тщательно продумать эффект восприятия вашей, гостиной. Для этого прихожую и холл лучше разделить открытой колоннадой. В целом современный классический интерьер должен избегать перегородок. Колонны и полуколонны успешно делят его на зоны. Вы как бы «нанизываете» объемы и пространства, давая им свободу «перетекания» одного в другой. Дверные проемы также лучше обозначить колоннами или полуколоннами. В качестве пролетов между ними можно «прорубить» световые колодцы, создавая иллюзию атриума (светового дворика). Все размеры, конечно, должны соответствовать вашему помещению, а вот пропорции необходимо соблюдать классические. В идеале колонны лучше выполнять из туфа или бетона (такие готовые изделия имеются в продаже). Мрамор и гранит подойдут для отделки стен. Имитация каменных плит на полу внесет в интерьер некоторую брутальность.
Если вы применяете стиль в рамках декоративности, остановитесь на нескольких элементах и строго придерживайтесь их, симметрично чередуя в разных видах. Предположим, вы взяли один иди несколько конструктивных элементов классики — колонну, фриз или фронтон. Они будут основной ведущей темой вашего интерьера. Отчасти потому, что это главные составляющие стиля. Например, имея исходное пространство от 30 м2 до бесконечности, вы сможете организовать гостиную вокруг колонны, которая ничего не подпирает. Она служит задаче зонирования согласно современной моде. Мотив колонны или полуколонны можно повторить в оформлении проемов и конструкции мебели (ножки кресел, углы шкафов, различные стойки и подставки). В магазинах можно найти мебель с мотивами фронтона, который придает ей царственное величие. В настоящее время к традиционному мебельному гарнитуру легко подобрать несколько эффектных предметов с выраженной стилевой принадлежностью. Разумно выполнить часть элементов из таких материалов, как гипсокартон, дерево или пластик. Поскольку ваши колонны не несущие, они вполне могут быть изготовлены из легких современных отделочных материалов.
Наконец, если вы хотите добиться результата минимальными средствами и силами, т.е. ограничиться только стилевым акцентом, то этой заветной деталью может стать, например, античная ваза или литая треногая подставка, орнамент драпировок или картина на античную тему. Но даже при использовании одной стилевой детали надо строго соблюдать правило «классического» пространства и цвета: по возможности симметричная расстановка мебели, светлые тона. Краски современного классического интерьера не должны быть яркими, а стены и потолок хорошо дополнить античным орнаментом — меандром, акантом и т. п.
И главное, помните, что классические интерьеры не противоречат нашему перегруженному информацией и заботами времени, а служат скорее умиротворяющим фоном для отдыха, расслабляют и напоминают о вечных ценностях. В окружении благородных вещей вы забываете о насущных проблемах, «бытовухе», ощущая себя неторопливым потомственным аристократом, имеющим дворецкого и садовника, который ухаживает за коллекционными розами в саду имения, принадлежащего вашей семье уже несколько веков.
Отделочные материалы
ОБОИ
Обои — традиционный отделочный материал для стен, применяемый в жилых и общественных помещениях. Бумажные обои впервые появились в Европе в конце XVIII века и стали неотъемлемой частью интерьера. Они никогда не выйдут из моды, так как придают красоту и уют дому, сравнительно дешевы и не требуют при работе с ними больших затрат: они скрывают мелкие недостатки предварительной обработки стен, достаточно просты по технологии наклейки.
Обои представляют собой бумажные, синтетические или стекловолокнистые полосы длиной от 6000 до 1200 мм шириной от 500 до 1000 мм, на лицевой стороне которых нанесен рисунок или фактура.
Обои могут быть легкими или тяжелыми, рельефными, моющимися (виниловые), многослойными, тканевыми, фпоковыми. фетровыми, имитирующими дерево, натуральный камень и даже металл.
Из Европы к нам пришла мода на шелкографию, имитация росписи по шелку, и рифленые (тисненые) обои. За счет выпуклого орнамента они хорошо сглаживают дефекты и неровности стен.
Большое удобство при ремонте представляют стеклообои. Такие обои выпускаются белого цвета с различным рельефным рисунком, поэтому после наклеивания на потолок и стены их можно покрасить в нужный цвет. Стеклообои хорошо выравнивают поверхности за счет своей плотности. При грамотной наклейке швы хорошо загрунтовываются и становятся незаметными. Такие обои можно перекрашивать много раз.
Германия, один из главных производителей сравнительно недорогих и качественных обоев, сегодня поставляет новые виды покрытий для стен в виде обоев под покраску, сделанных из экологически чистых компонентов с различными включениями, создающими рельефный рисунок.
На сегодня насчитываются тысячи видов и типов обоев. Только наша промышленность выпускает сотни различных видов этой продукции, не говоря уже об импортерах из различных стран.
Покупателю предлагаются серии обоев, скомплектованных по стилю, подобранных по цветовой гамме и рисунку. В их основу заложен модный на сегодня и очень удобный коллекционный принцип. В коллекцию входят обычно сами полосы обоев, свернутые в рулоны, и бордюры — различные по высоте декоративные ленты, объединенные одной темой и цветовой гаммой с основными обоями. С помощью бордюров можно найти интересные решения отделки стен, применить их не только для отбивки цоколя стены, но и отделения стены от потолка и попа. Можно «обыграть» бордюром окно или дверь, наклев их по периметру.
Цоколем называется нижняя часть стены, выделенная обоями другого опенка или цвета, отделенная от верхней части бордюром. Обычно такое деление стены применяется в интерьерах классической направленности.
Коллекции бывают сюжетными, соответствующими назначению комнат и возрастному принципу. В отдельную группу выводятся обои для детских комнат, ориентированные на различные возрастные группы.
Кроме коллекций, выпускается множество одиночных видов обоев. Отдельно производятся и бордюры. Покупатель может сам комплектовать обои и бордюры, руководствуясь собственным вкусом и предпочтениями.
Остановимся подробнее на новых тенденциях в производстве обоев.
Если вы придете в магазин отделочных материалов, вам предложат посмотреть серии альбомов с образцами коллекций обоев. Интересно то, что вместе с обоями фирмы-производители предлагают сразу же ткани на шторы, сделанные для тех же серий. Такой комплексный подход завоевывает множество покупателей: удобно и практично! Сами обои представлены в многочисленных вариациях по цвету и рисунку, что дает возможность подобрать всевозможные комбинации фоновых обоев с цоколем и бордюром.
Сравнительно недавно появились светящиеся обои с рисунком в виде звездочек или геометрических орнаментов, которые прекрасно подходят для детских. Рисунок на таких обоях нанесен краской, поглощающей свет днем и отдающей его в темноте при выключении света возникает эффект звездного неба, оказывающий сильное впечатление на ребенка.
Германская компания начала выпуск стеклообоев нового поколения. Они представляют собой самоклеящуюся стеклоткань с продетой цветной нитью. Перед наклейкой таких обоев на стену наносится роспись с помощью кисти или другим способом. Поверх наклеиваются полупрозрачные стеклообои, придающие эффект стереоскопичности изображению. Объемное изображение может напоминать картину, гобелен или абстрактную композицию. Эта декоративная техника покрытия стен имеет множество вариаций и позволяет создавать необычные и оригинальные оформлений интерьеров.
«Жидкие обои». Производное от привычных обоев покрытие для стен, недорогое и экологически чистое, «дышащее», приятное на ощупь и не ограниченное по цветовой гамме, — «жидкие обои» (рис. 11).
Родиной «Жидких обоев» можно считать Восток, где сотни лет их производили из шелка. Это декоративное покрытие может иметь множество вариантов структур и цветовых сочетаний. Они представляет собой сухую массу хлопьев: бумажных, льняных, хлопковых, шелковых, а также сухую смесь из морских водорослей с различными добавками слюды, декоративной крошки, сухих цветов и коры деревьев.
«Жидкие обои» имеют ряд преимуществ по сравнению с обычными: прекрасно заполняют неровности поверхности, не требуют тщательной предварительной шпатлевки стен, лучше сохраняют тепло, хорошо звукоизолируют, не поддерживают горение, антистатичны. Их можно чистить пылесосом, а если предварительно покрыть специальным лаком, то и мыть.
Наносятся такие обои на стену мастерком при помощи клея, образуя сплошное бесшовное покрытие. Кроме того, они прекрасно моделируются, а застывая, создают любую форму. При помощи готовой обойной массы можно лепить различные рельефы и придавать стенам и поверхностям самые необычные структуры. Если в обои добавлен текстиль, то поверхность становится похожей на тканевую драпировку, очень красивую и теплую на ощупь.
Интересным свойством жидких обоев является возможность его несложной реставрации и вторичного использования. Для этого нужно покрытие пропитать водой и через некоторое время свободно удалить. Затем сухую массу необходимо растворить в воде и, добавив красителя, нанести снова на стену. После трех ремонтов в хлопья необходимо добавить немного клея. Весьма экономично и практично.
Среди производителей жидких обоев выделяется московский завод –«Тесма», канадские, американские и немецкие фирмы.
ФЛОКОВОЕ ПОКРЫТИЕ
Флоковое покрытие представляет собой многослойное декоративное покрытие, напоминающее мозаику из небольших чешуек сухой краски (рис. 12).
Наносится оно последовательно слоями: сначала клей, затем постепенно при помощи специального пистолета-распылителя струей сжатого воздуха флоковый слой. Следующая операция — удаление неровно приставших частиц и покрытие акриловым лаком. Такое покрытие прекрасно моется.
Кроме готовых флоковых смесей, продающихся в магазинах, можно изобрести что-нибудь свое, пофантазировать с окраской стен и поверхностей. Например, смешать несколько разных видов флока, покрыть стену сначала одним слоем, затем более прозрачным тонким, нанести флоковое покрытие через трафарет или скомбинировать с гладко окрашенной поверхностью. С помощью флоковой системы можно создавать как абстрактные цветовые композиции, так и рисунки, причем наноситься такое покрытие может куда угодно, даже на мебель и посуду.