пространственные пластические = изобразительное– графика, живопись, скульптура

Назвать виды изобразительного искусства. Дать характеристику художественных средств выразительности каждого вида искусства. Привести примеры. Перечислить жанры живописи, привести примеры. 1.1.

А) Виды искусства – это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.).

Виды искусства:

1) пространственные (пластические) = изобразительное– графика, живопись, скульптура)

конструктивное – архитектура, дизайн, фотография

декоративно-прикладные

2) временные = музыка(вокальная, инструментальная)

литература (фольклор, проза, поэзия)

Пространственно-временные (синтетические)= театр

Кино

Танец

Цирк

Пластические (пространственные) искусства принято разделять на изобразительные и неизобразительные.

К изобразительным относят: живопись, скульптуру, графику, монументальное искусство, фотоискусство.

К неизобразительным относят: архитектуру (конструктивное), художественно-прикладное искусство (декоративное) и художественное конструирование (дизайн). Их зрительные формы не предполагают прямых аналогий с реальной действительностью.

 

Графика – «пишу, рисую» - изображения, созданные при помощи линий, штрихов, точек и пятен. Вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные изображения (гравюра, литография и др.), основанные на искусстве рисунка.

- станковая (небольших размеров, на столе) А.Дюрер «Четыре всадника»

- книжная (иллюстрации)

- прикладная (этикетки, открытки). Выразительное средство –линия, пятно на плоскости.

Живопись «живо пишу цветом» -– вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую–либо поверхность. Леонардо да Винчи- Джоконда.

- монументальная (больших размеров – фреска, мозаика, витраж)

- станковая (на мольберте)

- миниатюра (маленьких размеров) Выразительное средство – цвет на плоскости.

Скульптура («высекаю, вырезаю») – вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объемную, трехмерную форму и выполняются из твердых или пластических материалов. Ника Самофракийская, Дискобол Мирона, И.Ханов –Монумент Славы.

Круглая

Рельеф

- станковая(небольших размеров)

- монументальная (больших размеров)

- скульптура малых форм Выразительное средство – объем и форма.

Архитектура– («искусство строить здания» )-

1. Объемные сооружения (культовые– церкви…., светские – школы, магазины……)

2. Ландшафтная архитектура(парки, скверы, беседки, фонтаны…)

3. Градостроительство(возведение новых и реконструкция старых городов). Собор Нотр Дам де Пари, храм Василия Блаженного.

Выразительное средство – конструкция и пространство.

 

Декоративно – прикладное искусство- («искусство украшать») - создание художественных изделий, которые человек использует в быту, отличающихся декоративной образностью. (Хохлома, Гжель, Городец, Жостово, Палех…).

Выразительное средство – синтез (соединение) объема, цвета, линий, пространства.

Дизайн– («эскиз, чертеж, рисунок) - художественное проектирование и конструирование эстетических свойств окружающего нас предметного мира.

 

Б) Жанр- совокупность произведений, объединенных одной темой..

* Исторический жанр – это изображение событий прошлого. В.Суриков «Боярыня Морозова», «Переход Суворова через Альпы» * Батальный жанр – изображение битв и эпизодов военной жизни. В России одним из самых замечательных баталистов был В. Верещагин, а также В. Суриков. ( Верещагин. Апофеоз войны.). …

Примеры

Декоративно-прикладное искусство,раздел искусства, охватывает ряд отраслей творчества, которые посвящены созданию художественных изделий, предназначенных главным образом для быта. Его произведениями могут быть: различная утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, а также одежда и всякого рода украшения.

 

Живопись, вид изобразительного искусства, художественные произведения, которые создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность.

 

Архитектура, вид искусства, зодчество, система зданий и сооружений, формирующих пространственную среду для жизни и деятельности людей, а также само искусство создавать эти здания и сооружения в соответствии с законами красоты.

 

Скульптура, ваяние, пластика, вид искусства, основанный на принципе объёмного, физически трёхмерного изображения предмета. Как правило, объект изображения в скульптуре — человек, реже — животные (анималистический жанр), ещё реже — природа (пейзаж) и вещи (натюрморт).

Театр (от греч. thйatron - место для зрелищ; зрелище), род искусства. Театр неотделим от жизни народа, его национальной истории и культуры.

 

Музыка (от греч. musikе, буквально — искусство муз), вид искусства, который отражает действительность и воздействует на человека посредством музыкальных инструментов.

 

Киноискусство, род искусства, произведения которого создаются с помощью киносъёмки реальных, специально инсценированных или воссозданных средствами мультипликации событий действительности.

 

Композиторы эпохи Барокко (Г. Ф. Гендель, И. С. Бах, А. Вивальди).

«Что смерть благочестивым» (фон Хоффмансвальгау), «Что молодость, почет, искусность, блеск наград?»

Переход в эру классицизма

Переходная фаза между поздним барокко и ранним классицизмом, наполненная противоречивыми идеями и попытками объединить разные взгляды на мир, имеет несколько названий. Её называют «галантным стилем», «Рококо», «Предклассическим периодом» или «Раннеклассическим периодом». В эти несколько десятилетий композиторы, продолжающие работать в стиле барокко, всё ещё оставались успешными, но уже принадлежали скорее не к настоящему, а к прошлому. Музыка оказалась на распутье: мастера старого стиля владели великолепной техникой, а публика уже хотела нового. Воспользовавшись этим желанием, достиг известности Карл Филипп Эммануил Бах: он отлично владел старым стилем, но много работал над тем, чтобы обновить его. Его клавирные сонаты замечательны свободой в строении, смелой работой над структурой произведения.

В этот переходный момент увеличилось различие между духовной и светской музыкой. Духовные сочинения оставались преимущественно в рамках барокко, в то время как мирская музыка тяготела к новому стилю.

Особенно в католических странах центральной Европы, барочный стиль присутствовал в духовно музыке до конца восемнадцатого века, так же как в своё время stile antico эпохи возрождения сохранялся до первой половины семнадцатого века. Мессы и оратории Гайдна и Моцарта, классические по своей оркестровке и орнаментации, содержали в себе множество барочных приёмов в своей контрапунктной и гармонической структурах. Упадок барокко сопровождался длительным периодом совместного существования старой и новой техник. Во многих городах Германии барочная практика исполнения сохранилась до 1790-х годов, например, в Лейпциге, где в конце своей жизни работал И. С. Бах.

В Англии устойчивая популярность Генделя обеспечила успех менее известным композиторам, сочинявшим в уже уходящем барочном стиле: Чарльзу Ависону, Уильяму Бойсу и Томасу Августину Арну. В континентальной Европе этот стиль уже стал считаться старомодным; владение им требовалось лишь для сочинения духовной музыки и окончания появлявшихся тогда во множестве консерваторий.

Влияние техник и приёмов барокко после 1760 года

XX век дал периоду барокко имя. Началось системное изучение музыки той эпохи. Барочные формы и стили повлияли на таких непохожих композиторов, как… Некоторое количество работ современных композиторов было опубликовано в… В XX веке множество работ было сочинено в стиле «необарокко», сфокусированном на имитации полифонии. Это произведения…

Образ художественной культуры Древнего Египта. Отражение идеи вечной жизни в культуре Древнего Египта. Дать характеристику архитектуры, скульптуры, росписи храмов и гробниц, декоративно-прикладного искусства.

Цивилизация Египта была одной из наиболее развитых в Древнем Мире.

Искусство Египта было составной частью культа, заупокойного ритуала. Искусство Древнего Египта находилось на службе у фараона и подчинялось культу богов (боги в образе зверей, птиц) и культу мертвых.

1. Особенно ярко это выражалось в архитектуре.
2. Архитектуре была подчинена живопись и скульптура.
3. Было хорошо развито декоративно-прикладное искусство.
4. Архитекторами часто были родственники фараонов, и это были высокопоставленные люди.

Сооружения Древнего Египта:

1. Гробницы
2. Пирамиды
3. Храмы
4. Обелиски

Сооружения имели сверхчеловеческий размер.

*геометрические формы, *строгая симметрия, * огромные размеры.

Б) Пирамиды– возникли в результате ступенчатой подстройки мастабы (пирамида Джосера).

которые являются знаком вечности, символом мощи, богатства, значимости фараонов. Фараоны строили их при жизни. 1))))«Матерью египетских пирамид» называют пирамиду Джосера(6 ступеней,… 2)))) Самая известная пирамида – Великая пирамида- пирамида Хеопса в Гизе - является древнейшим из семи чудес…

Изображения человека носили условно-схематический характер, выполнялось по особым правилам – канонам. Древнеегипетские статуи и изображения фараонов всегда монументальны и величественны, позы и жесты неподвижны и канонизированы, масштаб фигур социально обусловлен (фараон изображен всегда в несколько раз крупнее остальных фигур).

Изображения простых людей не были связаны канонами и поэтому их позы полны жизни и движения.

2 эпоха в истории культуры Древнего Египта – интенсивное храмовое строительство: • Особая роль - горе, возвышающейся над гробницей; • Теперь гробница и заупокойный храм – разделены;

Карнакский храм

Луксорский храм

2)***В храмах - статуи фараонов, предназначенные для всеобщего обозрения (характерные портретные черты, в том числе и возрастные изменения показывали.

А) Египетские портреты своеобразны: они с удивительной силой передают индивидуальные черты лица, но выражение лица остается отвлеченным.

Г) Древнеегипетских художников и скульпторов называли «санхи». «Санх» – «творящий жизнь» Творения, которые создавали «санхи» передавали характерные черты разных людей,… В Древнем Египте добывали много золота и использовали его в украшениях с элементами символики: а) дорогие, затканные…

Джаз и рок (возникновение, развитие, виды).

на английском языке. Однако, хотя, как правило, и с некоторым запозданием, национальная рок-музыка появилась практически во всех странах. Русскоязычная рок-музыка (т. н. русский рок) появилась в СССР уже в… Рок-музыка (англ. Rock music) — обобщающее название многих направлений музыки. Слово «rock» — качать — в данном случае…

Образ художественной культуры Древней Греции. Идеалы прекрасного и их отражение в ансамбле афинского Акрополя. Храм Парфенон – как образец древнегреческой архитектуры. ордера в архитектуре древних греков.

Искусство Древней Греции - один из высочайших взлетов в культурном развитии человечества.Ведущей отраслью - пластические искусства. Греки впервые осознали красоту нормально развитого человеческого тела.Прогресс пластических искусств в античной Греции был поистине огромен. Впервые в истории мировой художественной культуры сложилась развитая система реалистических принципов; наряду с культовыми развились многочисленные светские формы искусства; возросла его общественно-воспитательная роль. В архитектуре - выработаны ордерные принципы и заложены основы градостроительства; в скульптуре - осознана выразительность человеческого тела на основе великолепного знания его анатомической структуры; в живописи - первые станковые картины, зародились принципы светотени и перспективы; развилась совершенная по своим декоративным качествам вазопись.

Каждая последующая эпоха в той или иной мере использовала опыт древнегреческого искусства.

Искусство Античности является образцом для европейского искусства.

Искусство Античности является образцом на все века. Историю Древней Греции принято делить на 5 периодов: *Эгейским или критомекенский (III–II тыс.до н.э.),

· Гомеровский (XI-IXвв.до н.э.);

· Архаический (VIII-VIвв. До н.э.);

· Классический (V-IVвв. До н.э.);

· Эллинистический(вторая половина IV-середина Iвв. До н.э.).

1.Период Гомеровской Греции:

- поэзия(примерно вVIII-VII вв. до н.э. слепой певец-сказитель Гомер создал две великие поэмы : «Илиада» и «Одиссея».

- храмы богам (но до нас они не дошли).

- керамика (в «геометрическом стиле» - орнаментом из кругов, ромбов, треугольников и т.д.).

- в этот период складывается греческая мифология(боги в образе людей). Боги Олимпа стали источником сюжетов и образов художественного творчества.

2. Период Архаики.– искусство обращено к человеку, отражает радость жизни.

А) Храм – наиболее яркое отражение достижений архитекторов.

Единый архитектурный язык– ордерная система:определенное соотношение несомых и несущих частей сооружения и особенностей его украшения. Б) Существует три типа греческих ордеров: А) дорический (мужской)

Скульптура.

В) Большое место в искусстве архаики занимала скульптура, которая украшала не только храмы, но и была составной частью

религиозного культа.

Г) Новый идеал красоты – здоровое человеческое тело – воплощен в дошедших до нас статуях.

а) кора (девушек всегда в одеждах (драпировка).

б) курос (обнаженные юноши – атлетов).

Д) вазопись.

Чернофигурная * краснофигурная

3. Классический период. А)Величайшие произведения греческого искусства были созданы в это время.

Б) Начало этого периода ознаменовано победоносной борьбой свободолюбивых греков с персами.

В Идеалы, проникнутые пафосом героической борьбы с врагами, нашли выражение и в искусстве, и в литературе, и в архитектуре.

Г) Архитектура

Афинский Акрополь («вышгород»). Был средоточием всех высших святынь афинян.

В основе композиции Акрополя лежал принцип ассиметрии (что характерно для классики). Был украшен внутри статуей Афины, работы Фидия.

* храм богине победы Нике Аптерос

На постаменте стоял символ Вооруженного мира – бронзовая статуя Афины Воительницы (богиня мудрости и

* ***главное сооружение Акрополя – храм Парфенон, посвященный Афине Парфенос (деве) =(архитекторами Иктином и Калликратом) – из золотисто-розового мрамора. Представляет собой храм типа… Был украшен внутри статуей Афины, работы Фидия. Сейчас полуразрушен - в 1687 году при осаде Акрополя был взорван…

Вход в Акрополь с запада через центральный вход – Пропилеи, который открывали один раз в год. Афинский Акрополь - уникальный шедевр мирового искусства. Красота, гармония и грация этого здания сохраняются на всю жизнь в памяти каждого посетителя.

Д) САМЫЕ ИЗВЕСТНЫЕ АРХИТЕКТОРЫ АФИН И ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ

Иктин ( вторая половина V века до н.э.)

Калликрат ( середина V века до н.э.)

Мнесикл ( вторая половина V века до н.э.

 

Е) Скульптура

• Мирон - преодолел последние пережитки архаического искусства с его застылостью и неподвижностью форм. В середине V в. до н. э. он создал статую… • Поликлет обычно изображал спокойно стоящего человека. Особенной славой… • В конце V в. до н. э. - война Афин со Спартой ослабила Грецию. Изменяется мировоззрение греков, их отношение к…

Эпоха Эллинизма

Новый этап в истории Греции, наступивший после завоеваний Александра Македонского. В это время искусство призвано было прославлять победы царей - новых владык Греции и завоеванных Александром Македонским стран востока.

Ника Самофракийская

Агессандр Венера Милосская 150г. До н.э.

Лаокоон и его сыновья

Дать определение понятий: хор, вокальный ансамбль, трио, дуэт, соло

Хор отличается от вокального ансамбля (вокального трио, квартета, квинтета и т. д.) наличием как минимум двух (по П. Чеснокову, трёх) или более… Хором руководит дирижёр или хормейстер. Руководителя церковного хора называют… Чаще всего хор включает в себя четыре хоровые партии: сопрано, альты, тенора, басы. Но количество партий в принципе не…

И. С. Бах- жизненный и творческий путь (жанры, полифония, светское и церковное начала).

В музыке Баха есть что-то универсальное, всеобщее, всеобъемлющее. Как писал поэт Иосиф Бродский, "в каждой музыке - Бах, в каждом из нас -… Как и всякий пророк, в своем отечестве и в свое время Бах не был по-настоящему… После смерти Бах был почти сразу и почти полностью забыт. Изданное посмертно "Искусство фуги" - величайший…

История сочинения

В каждой части содержится по 24 прелюдии и фуги, упорядоченных по возрастанию тональностей: первые прелюдия и фуга написаны в тональности до мажор,… Некоторые из произведений в сборнике являются переработанными версиями уже… Существует легенда (источником которой является изданный в 1792 г. «Исторический биографический словарь музыкантов»…

Значение произведения

Эти преимущества заключались в возможности использования модуляций и хроматизмов без всякого ограничения, а также в равноправии всех тональностей.… Кроме использования всех тональностей, ХТК известен большим спектром… Позже другие композиторы, вдохновлённые примером Баха, писали свои сборники из 24 прелюдий и фуг. Например, в середине…

Образ художественной культуры средневековья. Отличительные черты романского стиля Средневековья и готики. Готический собор как образ мира (Собор Парижской Богоматери, Кёльнский собор). Дать характеристику скульптуры средневековой Западной Европы. Общая характеристика культуры средневековья

Некоторые считают началом эпохи средневековой культуры раздел Римской империи в 395 году на два государства - восточное и западное. Другие считают, что это 476 год - падения Римской империи.

Есть и искусствоведческий термин "средневековая культура" - от принятия христианства императором Рима Константином как официальной религии в 313 году и по XVII век.

1. Противоречие в мировоззрении средневековья: человек - венец природы, человек - раб божий.
2. Особое место в культуре занимают такие жанры искусства, как архитектура и живопись. Язык науки и церкви - латынь. Искусство "языка в камне"- удел простого народа.
3. Роль церкви и ее влияния на культуру средневековья очень велики. Церковь является основным заказчиком произведений искусства, служит религиозному культу. Сюжеты произведений носят религиозный характер: это образы потустороннего мира, язык символов и аллегорий. Отсутствует жанр портрета, так как считается, что простой человек недостоин изображения.
4. Основной жанр живописи - икона. Сюжеты - жития святых, изображение Богоматери, Иисуса Христа.
5. Сравнительная характеристика мировоззрения человека античности и средневековья:

Античность (Древняя Греция)	Средневековье (романский, готика)
1. Всеобщая гармония мира	1. Несовершенство мира
2. Особая роль космоса	2. Отрицание вечности, главная роль творца - изначального существа
3. Приветствуется человеческий разум и познание мира	3. Изначальная греховность человека. Искупление грехов человечества Иисусом Христом
4. Поиск справедливости	4. Вера и верность - основные качества человека
5. Возможность стать подобным богам	5. Страх перед Судом и божьей карой

“Особенности стилей средневекового искусства”

	РОМАНСКИЙ СТИЛЬ	ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛЬ
Церковная архитектура	Здания соборов тяжеловесны и приземисты, это были огромные сооружения – т.к. их главной задачей было вместить большое кол-во людей во время богослужений. Характерные черты: толстые стены, крупные опоры, гладкие поверхности.	Готический собор имеет легкую конструкцию, устремлен ввысь. Новшество архитектуры готического периода – система арок. Стены перестали выполнять несущую роль, а значит их не нужно было делать толстыми и массивными
Светская архитектура	В романский период изменилась светская архитектура. Замкистали каменными и превратились в неприступные крепости. За крепостной стеной замка находилось многочисленные хозяйственные постройки. Как правило, замок был окружен глубоким рвом. Мост, перекинутый через ров к главной башне, в случае опасности поднимали и закрывали входные ворота башни.	Центрами общественной жизни средневекового города стали ратуша (здание городского самоуправления) и собор (крупный христианский храм). Ратуша представляла собой большое здание с залом для собраний. Соборы должны были вмещать многочисленное городское население. Перед соборами выступали проповедники, проводили дискуссии профессора и студенты.
Живопись	Как правило, на сводах и стенках храма изображали библейские сюжеты,которые нужно было рассматривать, передвигаясь по храму. Росписи романского периода имели назидательный характер.	В готическом соборе стеная роспись уступила место витражу – изображению, составленному из скрепленных между собой стекол, которое помещали в проем окна.
Скульптура	В романский период в Западной Европе впервые появилась монументальная скульптура.Скульптурные изображения – рельефы – располагались на порталах церквей. Рельефы обычно раскрашивали - это придавало им большую выразительность и убедительность.	Внутри и снаружи собор украшало множество статуй и рельефов.Скульптурное и живописное убранство соборов, выполненное на религиозные и светские сюжеты, несло в себе систему взглядов и представлений, которыми должны руководствоваться в своей повседневной жизни люди Средневековья.

 

Романский	Готика
Художественному идеалу в Средние века суждено претерпеть глубокие изменения, пройти сложную эволюцию. Главной причиной этого являлось распространение христианской религии в Европе. Иными стали представления людей о картине мира, понимание человека и определение его места во Вселенной. Теперь в произведениях искусства подчеркивалась духовная сущность человека, его суровый, аскетический облик.
Романский стиль (от лат. romanus — «римский»)— художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII веках (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.	Наименование “готическое искусство” (от итал. gotico – “готский”, по названию германского племени готов) возникло в эпоху Возрождения. “Готическое” в те времена означало “варварское” в противовес “римскому”: готическим называли искусство, которое не следовало античным традициям, а значит, не представляло интереса для современников.
1)- возник на территории бывшей Римской империи,2) - именно романская архитектура считалась продолжательницей римских строительных традиций, возрождая облицовку стен тесаным камнем, полуциркулярные арки, цилиндрические и крестовые своды. Термин “романское искусство” появился в начале XIX столетия. Так обозначали европейское искусство X -XII веков.	Готы, растворившиеся как народ среди итальянцев, германцев, испанцев к названию отношения не имеют. Термин“готическое искусство” возник в эпоху Возрождения. Так обозначают стиль европейского искусства XII – XV веков.
Период, который охватывает романский стиль - X - XII века. Это первый большой стиль в искусстве.	Готический стиль - второй великий стиль средневековья. Зародился- во Франции.
Девиз стиля: «Мой дом – моя крепость». (эпоха феодальной раздробленности, назначение романской архитектуры — оборона.	Образ Богоматери становится культовым. Готическое искусство постоянно обращалось к образу Богоматери — заступницы и просительницы за людей перед Богом.
	Собор был и главным средоточием готического изобразительного искусства – скульптуры и живописи (преимущественно в виде витражей).Сохранилась вера в чудеса- в виде скульптур — химер или скульптур-водостоков — горгулей.
Главными и наиболее значимыми сооружениями - монастырь-крепость, храм – крепость, замок-крепость. Основным типом культового здания был собор. Романский храм, вытянутый в плане в виде латинского креста, олицетворял собой модель мира и отражал католическую идею “крестного пути” страдания и искупления грехов.	Церкви больше не похожи на крепости, легко возносятся к небу, будто они вовсе не из камня. Тип сооружения: кафедральный собор, городская ратуша. (Ратуша - здание городского самоуправления). В отличие от романской церкви с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен, неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален.
В романской архитектуре - башни: узкие, высокие с шатровыми вершинами сторожили храм с восточной и западной стороны. - Важным элементом романской архитектуры - колонна, ее капитель украшена скульптурным орнаментом. - Но ведущим началом романского зодчества была стена.	Трудно найти подходящие слова и сравнения, чтобы описать впечатление от готического собора. Кто знает об этих соборах понаслышке, считает главным признаком готики высотность. Действительно, соборы высоки и тянутся к небу бесчисленными стрелами башен и башенок, заостренных арок. Готические соборы не только высоки, но и очень протяженны. Например, Шартрский собор имеет длину 130 метров. Чтобы его обойти, нужно преодолеть путь в полкилометра.
Стены романских храмов были украшены фресками и мозаиками.	Главным строительным материалом оставался камень, даже архитекторов и строителей в ту пору называли каменщиками.
Главным элементом композиции монастыря или замка - башня— донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.	Готические соборы значительно отличались от церквей романского периода: романская церковь тяжеловесна и приземиста,готический собор легок и устремлен ввысь.Это связано с тем, что в готической архитектуре стали использовать новую конструкцию сводов. Если в романской церкви массивные своды покоятся на толстых стенах, то в готическом соборе свод опирается на арки, а те в свою очередь – на столбы.Такая конструкция дала возможность уменьшить толщину стен, увеличить внутреннее пространство здания. Стены стали служить опорой свода, что позволило проделать в них множество окон и арок.
- В романский период впервые появилась монументальная скульптура. Скульптурные изображения – рельефы – располагались, как правило, на порталах(архитектурно оформленных входах). Наблюдается статичность и замкнутость романских статуй.	Стрельчатые арки, устремленность вверх, окна- витражи и «роза» или «розетка» над главным входом, много скульптур, ажурность стен, главный вход – портал.
Если храм представлялся крепостью бога, то замок – крепостью рыцаря. Романские каменные замки с мощными оборонительными стенами были неприступными крепостями. Возводились замки у реки на холме, окруженном рвом с водой, через ров перекидывался подъемный мост.	В это время возродилась скульптура, украсившая порталы культовых сооружений, капители колонн. В готической скульптуре статичность и замкнутость романских статуй сменились «подвижностью фигур». Сохранилась вера в чудеса- в виде скульптур - химер или скульптур - водостоков- горгулей.Скульптура служила в первую очередь украшению церковной архитектуры и сама по себе не существовала. Основным видом такой скульптуры была статуя и рельеф. Основная задача -изобразить религиозную историю человечества Скульптура сосредотачивалась в порталах. Статуи апостолов и пророков, святых как бы вместе с верующими входили в собор. В статуях особую роль играли складки одежды, игра света и тени. На лицах изображались сильные переживания: радость и тревога, страстная взволнованность, раздумья. Святые как бы беседовали между собой. Появился интерес к индивидуальному проявлению чувства, к случайному жесту. В 12-13 веке происходит расцвет религиозной скульптуры во Франции. Появляются профильные изображения голов, трехчетвертной поворот фигуры (завоевание греков). Основными персонажами такой скульптуры были Христос, Мария, святые Георгий, Мартин, Елизавета, церковь представала в виде фигуры торжества. Наряду с этими образами в скульптуру проникали и чисто народные традиции: фигуры гротесково толстых монахов, мясники, аптекари, косари, торговцы, виноградари, среди грешников при изображении Страшного суда - фигуры королей, богачей, монахов.
Основными конструктивными элементами романской архитектуры стали арка и свод, которые дали возможность перекрывать большие пространства.	Монументальная живопись захватывает не только стены, но и своды, купола и окна, где появляется разноцветные витражи. Внутреннее пространство собора: многочисленные архитектурные и скульптурные украшения, свет, льющийся сквозь цветное стекло витражей – создает образ небесного мира. Этот образ дополнялся звучанием песнопений.
Круглые арки	Готическую церковь (собор) сразу можно узнать по стрельчатым аркам (заостренным кверху), аркам окон, дверных проемов.
Вход защищали подъемные металлические решетки – герасы.	Живопись существовала в первую очередь как витражная в соборах, иллюстрации к Священным текстам. Витражи набирались из кусочков стекла очень насыщенного цвета: гранатовый, густо¬алый, красный, желтый, зеленый, ультрамарин, голубой, темно-синий. Окна выложены цветными стеклами - витражами и занимают столько места, что почти не остается стен. Своды поддерживают покрытые полуколоннами столбы, напоминающие связки стеблей.
В готическом соборе исчезла ровная поверхность стены, поэтому стенная роспись уступила место витражу – изображению, составленному из скрепленных между собой цветных стекол, которое помещали в проем окна. Громадные окна – то узкие и высокие, то круглые (так называемые готические розы) с цветными стеклами и сложнейшими переплетением рам. Внутри и снаружи собор украшало множество статуй и рельефов.
Позже на крепостных стенах появились башни с бойницами и машикули– выступающие над стенами башни галереи с люками в полу.
Архитектура романского стиля отличалась оборонительным, крепостным характером– имела массивные стены, узкие окна, высокие башни. Такая особенность была вызвана частыми войнами, суровыми условиями жизни и желанием отгородится от внешнего мира. Постройки этого периода отличались суровой простотой, ясностью объемов, внушительностью, тяжеловесностью, монолитностью, замкнутостью, отсутствием украшений. Созданные преимущественно для сельского ландшафта они прекрасно гармонировали с природным окружением.
Главные черты строительства замков: - замок - порождение феодальной эпохи, периода раздробленности, войн, набегов. В целях самозащиты замок строился как крепость. - тяжелое мрачное величие - зубчатый верх - трехэтажные башни - ров - огромные ворота на цепях - мост - Донжоны - высокие прямоугольные башни, под которыми находились подземные кладовые, помещения для слуг и охраны. Выбор места постройки: холм или возвышенное место, откос реки.	Особое место в ту пору заняла живопись в книге. В монастырях монахи переписывали Библию и другие книги священного содержания. Картинки в книгах получили название миниатюр из-за использования красной краски "миниум" и маленького размера. Нотр-Дам де Пари. 1163 г. – XIV в. Париж. Франция. Собор в Шатре, в Реймсе, в Кёльне.
К выдающимся произведениям архитектуры Центральной Италии - знаменитый комплекс в Пизе (собор и башня). Самой известной частью комплекса является знаменитая Пизанская “падающая” башня. Некоторые исследователи полагают, что башня наклонилась в результате оседания фундамента в самом начале работ, и тогда было решено сделать ее наклонной. ПИЗАНСКАЯ БАШНЯ. ИТОГ: Именно в романской архитектуре впервые появились огромные здания, целиком выстроенные из камня. Своды, массивные толстые стены, крупные опоры, обилие гладких поверхностей, скульптурный орнамент – характерные черты романской церкви.	Характерные черты ранней готики воплотились в главном соборе столицы Франции – Нотр-Дам де Пари (собор Парижской Богоматери) (1163 г. и его строительство продолжалось в течение нескольких столетий – до XIV века. В храм ведут три входа – портала, обрамленных уходящими в глубину арками; над ними находятся ниши со статуями – так называемая “королевская галерея”, изображения библейских царей и французских королей. ИТОГ: Готический собор – это бесконечно сложная, изменчивая игра ажурных форм. Арки, галереи, башни, громадные окна – то узкие и высокие, то круглые (так называемые готические розы) с цветными стеклами и сложнейшим переплетом рам. Собор внутри и снаружи населен массой скульптур (например, в Шартрском соборе около 9 тысяч одних только статуй). Словом готический собор – это целый мир.
Базилика - вытянутое в плане здание, интерьер которого разделен рядами колонн на продольные залы (нефы).	Особенности готических сооружений Неф– прямоугольное в плане вытянутое помещение, покрытое сводом. В эпоху Средневековья храм был похож на корабль-ковчег, именно на тот корабль- ковчег, на котором Бог спас Ноя, и церковь казалась именно тем кораблем, на котором спасется каждый в нее приходящий. По-гречески корабль – неф. Символизируя Землю и Небо, готический собор вмещал в себя и всю человеческую жизнь от рождения до смерти. Готический собор называют каменной энциклопедией средневековой жизни, отражавшей в архитектуре, скульптуре, витражах реальную жизнь и идеалы людей. Готический храм воплощает образ мира, где все создано по велению Божьему, гармонично соединяется и взаимодействует друг с другом.
Характеристика базилики готики. В основе готического собора - базилика, но главное ее отличие от романской - каркасная система свода.Свод стал стрельчатым и держался на стрельчатых арках, которые поддерживали каждый определенный участок свода собора. Главный неф делился на ряд прямоугольных в плане отрезков, каждый отрезок перекрывался пучком стрельчатых арок. Свод поднимался на головокружительную высоту. Но чем выше свод, тем сильнее давление на стены собора. Поэтому мастера стали выносить те части собора, на которые на самом деле падало мощное давление, за пределы собора. Для этого была разработана система контрфорсов и аркбутанов. Тяжесть свода распределялась невидимо для присутствующего в соборе человека, и ему казалось, что он находится в удивительно легком, почти невесомом помещении, возносясь душой к Богу. Каркасная система позволила прорезать стены огромными окнами, в них вставлялись витражи, храм наполнялся загадочным светом, который зажигал цветное стекло витражей. Ниши, галереи, порталы, стрельчатые окна - все создавало ощущение неземного великолепия. Интерьер собора обозревается сразу при входе и наполнен светом. Звуки органа, пение хора - все это создавало мистическое настроение, особенно в праздничные дни. Внешне собор перестал производить суровое впечатление. Камень потерял свою материальность, превратился в кружево. «Симфонией света и тени» назвал готические соборы великий французский скульптор Роден.

Характер всего средневекового искусства крайне противоречив. С одной стороны, это пропаганда религиозных идей, с другой — отражение огромного богатства внутренней жизни человека, его душевного состояния, красоты труда. И именно эта вторая сторона средневековой культуры подготовила ее необыкновенный взлет в эпоху Возрождения.
Эстетический идеал красоты
Под глубоким влиянием религии, пронизывавшей все сферы жизни, в период средневековья появляется новый эстетический идеал человека — аскета, отрекшегося от радостей земной жизни. На фресках соборов изображаются непропорциональные бесплотные фигуры с выражением неистовых страданий на лице. Образ мадонны, богоматери, получивший широкое распространение в искусстве, определяет идеал красоты женщины.
Однако религиозное воздействие было не единственным в формировании эстетических представлений средневековья. Не менее важными были идеалы рыцарства и идеалы народа. Сила, храбрость, воинская доблесть рыцаря, защитника своей страны, своего короля, определили мужественность его внешнего облика. Это сильный, ловкий, физически выносливый воин с подчеркнуто широкими плечами, сильными стройными ногами, волевым решительным лицом. Впервые в эстетических взглядах европейского общества мужественность как основная черта мужской красоты начинает противопоставляться женственности, воплощающей идеал женской красоты.

Романский стиль.
Первым самостоятельным, специфически европейским художественным стилем средневековой Европы был романский, которым характеризуют искусство и архитектуру Западной Европы примерно с 1000 года до возникновения готики. Он появился в итоге синтеза остатков художественной культуры Рима и варварских племен. Романовский стиль смешивались с византийскими, с ближневосточными, в особенности сирийскими, также пришедшими в Сирию из Византии; с германскими, с кельтскими, с чертами стилей северных племен. Различные композиции этих влияний создали в Западной Европе множество локальных стилей, которые получили общее имя романского, в значении «в манере римлян».
Скульптура
большая часть романских скульптур было интегрировано в церковную архитектуру и служило как структурным, конструктивным, так и эстетическим целям. Поэтому тяжело говорить о романской скульптуре, не касаясь церковной архитектуры. Малоразмерная скульптура романской эры из кости, бронзы, золота изготавливалась под влияние византийских моделей. Остальные элементы бессчетных местных стилей были позаимствованы из ремесел государств близкого Востока. Были важны также мотивы, происходившие из искусств мигрировавших народов, такие, как гротескные фигуры, виды чудовищ, переплетающиеся геометрические узоры, в особенности в районах севернее Альп. Крупномасштабные каменные скульптурные декорации стали обыденными в Европе только в XII веке. Во французских романских соборах Прованса, Бургундии, Аквитании множество фигур располагалось на фасадах, а статуи на колоннах подчеркивали вертикальные поддерживающие элементы.
Живопись
Имеющиеся эталоны романской живописи включают в себя декорации архитектурных памятников, такие как колонны с абстрактными орнаментами, а также декорации стенок с изображениями висящих тканей. Живописные композиции, в частности повествовательные сцены по библейским сюжетам и из жизни святых, также изображались на широких поверхностях стенок. В этих композициях, которые в большей степени следуют византийской живописи и мозаике, фигуры стилизованы и плоски, так что они воспринимаются быстрее как знаки, чем как реалистические изображения. Мозаика, точно так же как и живопись, была в основном византийским приемом и обширно использовалась в архитектурном оформлении итальянских романских церквей, в особенности в соборе Св. Марка (Венеция) и в сицилианских церквях в Цефалу и Монреале.

 

Каждая культурная эпоха имеет свое, присущее только ей мировоззрение, представление о природе и обществе, времени и пространстве, порядке мироздания, отношениях людей в обществе и т. д. Все перечисленные представления средневековой эпохи были сформированы

христианским вероучением и христианской церковью. Огромным было воздействие христианства и религиозного мировоззрения на средневековое искусство. Само оживление культурной жизни первоначально выразилось в том, что, начиная с Х века, в западноевропейской

художественной культуре утверждаются новые эстетические нормы и взгляды. Первой формой собственно средневековой эстетики становится романский тип художественного мировосприятия, который отражал время феодальной раздробленности. В Х веке художественная культура Средневековья смогла создать единый общеевропейский стиль, который получил название романского. Стиль «в манере римлян» подразумевал использование в средневековой архитектуре некоторых черт архитектуры и строительных приемов римлян.

Нестабильная историческая ситуация, постоянные распри рыцарей при почти непрекращающихся войнах обусловили превращение архитектуры в основной вид искусства романского стиля. Каменные здания в период междоусобиц становились крепостями и обеспечивали защиту людей. Эти сооружения имели массивные стены и узкие окна. Главными типами сооружений в романскую эпоху были феодальный замок, монастырский ансамбль и храм.

Романскую замковую архитектуру пронизывал дух воинственности и постоянной потребности самозащиты. Поэтому расположенный обычно на вершине скалистого холма замок служил защитой во время осады и своеобразным организационным центром при подготовке к набегам.

Средневековая Европа поэтому была покрыта замками. Один из самых величественных и мощных замков – замок Пьер-фон к северу от Парижа (Франция).Храмовая архитектура Средневековья также отражала особенности своего времени. Романский храм призван был приблизить человека к Богу, погрузить его в божественный мир. Поэтому в убранстве интерьера значительное место отводилось фрескам и витражам, заполнявшим оконные проемы. Многочисленные росписи покрывали пестрым ковром поверхности стен и сводов. Нередко художники использовали экспрессивный, динамичный рисунок, чтобы передать драматизм библейских сцен. Главной задачей художника было воплощение библейского начала, а из всех человеческих чувств, предпочтение отдавалось страданию, ибо, по учению церкви, - это очищающий душу огонь. С необычайной яркостью средневековые художники изображали картины страданий и бедствий. Архитектурные памятники романского стиля разбросаны по всей Европе, но наиболее совершенными образцами этого стиля являются три храма на Рейне: соборы в Вормсе, Шпейере и Майнце.

Романский стиль нашел свое выражение не только в архитектуре, но также в живописи и скульптуре. Сюжетами для живописных и скульптурных изображений, конечно же, были темы величия и могущества Бога. Стилевая особенность этих изображений состояла в том, что фигура Христа значительно превосходила по размерам другие фигуры. Вообще реальные пропорции были не важны русским художникам: в изображениях головы зачастую увеличены, тела схематичны, иногда вытянуты. В начале XII века романский стиль, еще сохранявший в себе средневековую суровость и замкнутость архитектурных форм, экспрессивность и экстатическую деформацию человеческих фигур в скульптуре и живописи, сменяется новым стилем, получившим название готического.

Формирование готического стиля было обусловлено быстрым развитием бюргерской культуры, которая начала играть определяющую роль в жизни средневекового общества. Религия при этом постепенно утрачивает свои господствующие позиции. Этот стиль сформировался во Франции в XII веке, затем перешел в Англию, в XIII веке был принят в Германии и распространился по всей Европе. Переход от романского стиля к готическому был отмечен рядом технологических новшеств и новых стилистических элементов.

Грандиозность и легкость готических соборов создавала иллюзию оторванности от земли, что достигалось через особое строение готического свода.Изменился по сравнению с романской эпохой наружный вид храма. Это уже не крепость, отгороженная от мира непробиваемыми стенами.

Снаружи готический собор обильно украшен скульптурой, где центром композиции становится скульптурное распятие.Вся конструкция готического храма, устремленная вверх, как бы выражала стремление человеческой души ввысь - к небу, к Богу. Но готический храм в то же время является своеобразным воплощением учения, согласно которому весь мир есть система противодействующих сил и конечный результат их борьбы – Вознесение. Отличительной особенностью готических архитектурных конструкций было то, что они прямо преображались в декорацию. И наиболее наглядным примером этого являются статуи-колонны, выполняющие одновременно и конструктивную, и декоративную функции. Самыми выдающимися произведениями готического стиля стали соборы в Шартре, Реймсе, Париже, Амьене, Брюгге, Кельне.

Во всех произведениях готического искусства главное внимание уделяется созданию впечатления: для этого используются захватывающие дух театральные эффекты, усиливающие эмоциональное воздействие. Торжественно-театральный ход богослужения, сопровождаемый органной музыкой, эффектно сочетался с архитектурным обликом храма. Вкупе они достигали своей основной цели – привести верующего в

состояние религиозного экстаза.

Как полагает большинство исследователей Средневековья, одним из самых высоких достижений культуры стал расцвет рыцарской культуры.

В период развитого Средневековья понятие «рыцарь» стало символом знатности и благородства и противопоставлялось прежде всего низшим сословиям – крестьянам и горожанам. Рыцарская система ценностей, возникшая на основе реальной политической, бытовой, духовной жизни этого сословия, была уже вполне светской. Сложились образ идеального рыцаря и кодекс рыцарской чести. В кодексе рыцарской чести этика воинственности, силы и мужества переплетались с нравственными ценностями христианства и средневековым идеалом красоты. Разумеется, образ идеального рыцаря чаще всего расходился с реальной действительностью, но все же он сыграл огромную роль в западноевропейской художественной культуре.

Особым явлением рыцарской культуры стала рыцарская литература, которая нашла свое проявление в виде двух литературных жанров – рыцарского романа и рыцарской поэзии.Первые рыцарские романы появились в Англии после завоевания ее норманнскими феодалами в 1066 г. Основой романов стал любовно-

приключенческий сюжет о подвигах короля Артура и рыцарей круглого стола, заимствованный из кельтских преданий и легенд. Главный герой романов король бриттов Артур и его рыцари Ланселот, Персеваль, Пальмерин и Амадис – были воплощением рыцарских добродетелей.

Наиболее известным и популярным произведением в жанре рыцарского романа стала «Повесть о Тристане и Изольде», в основу которой легли ирландские сказания о трагической любви юноши Тристана и королевы Изольды. Популярность этого романа объяснялась как раз тем, что центральное место в нем отводилось земной чувственной любви с ее переживаниями.

Родиной рыцарской поэзии стала французская провинция Прованс, где сложился очаг светской культуры в феодальной Западной Европе. В провансальском городке Лангедоке получила широкое распространение лирическая поэзия трубадуров (сочинителей), которая возникла при дворах знатных сеньоров. В этом виде куртуазной поэзии центральное место занимал культ прекрасной дамы.

Поэзия трубадуров имела много разнообразных жанров: любовные песни, лирические песни, политические песни, песни, выражавшие скорбь по поводу смерти сеньора или близкого человека, плясовые песни и т.д. Из Прованса поэзия трубадуров распространилась в другие страны Европы. На севере Франции процветала поэзия труверов, в Германии – миннезингеров (певцов любви), в Италии – гист-рионов (певцов нового сладостного стиля), в Англии – менестрелей. Рыцарская поэзия способствовала повсеместному распространению куртуазных форм культуры в Западной Европе.

Появление рыцарской поэзии было ответом на запросы свободной и независимой от церкви феодальной аристократии. Рыцарская поэзия сумела впитать в себя гармонию телесного и духовного.

В XII – XIII вв. в городах Западной Европы стала развиваться латинская поэзия бродячих студентов – вагантов (от лат. бродить). Поэзия вагантов, студентов, кочующих по всей Европе в поисках лучших учителей и лучшей жизни, была очень дерзкой, бичующей, осуждающей пороки церкви и духовенства, воспевающей радости земной вольной жизни. Остроумные стихи и песни вагантов распевала в то время вся

Европа. Расцвет поэзии вагантов связан с интенсивным развитием школьного и университетского образования, поэтому ее создателями и носителями стали студенты.

Фольклор, одно из слагаемых средневековой художественной культуры, породивший и народную поэзию, и сказки, стал основой героического эпоса. На рубеже XI – XII вв. в средневековой культуре получила развитие письменная литература. Тогда впервые были сделаны записи средневекового эпоса, героических песен и сказаний. В них воспевались подвиги героев, важнейшие реальные события, повлиявшие на судьбу того или иного народа. Во Франции величайшим литературным памятником той эпохи является «Песнь о Роланде». В Германии к этому жанру относится знаменитая эпопея «Песнь о нибе-лунгах», которая явилась результатом переработки материала германских героических песен и сказаний о гибели бургундского королевства и смерти короля гуннов Аттилы. В поэме подробно обрисованы придворный досуг и рыцарские турниры, пиры, сцены охоты, путешествия в дальние страны и другие стороны пышной придворной жизни. Битвы и поединки героев также даны во всех деталях. Необычайно красочно описаны богатое оружие героев, щедрые подарки правителей, драгоценные одеяния, сочетающие красочные, золотые, белые цвета и живо напоминающие средневековую книжную миниатюру.Средневековая Европа оставила великие памятники художественной культуры. В мировой культурный фонд вошли великолепные образцы средневековой иконописи, скульптуры, книжной миниатюры, витражного искусства. Величайшую художественную ценность представляют произведения средневековой литературы – рыцарские романы, поэзия трубадуров, лирика вагантов и героический эпос. Таким образом, несмотря на то, что культура Средневековья была неоднозначной, противоречивой и многоликой, она безусловно является важной ступенью развития мировой культуры.Собор Парижской Богоматери (Нотр-Дам-де-Пари; фр. Notre Dame de Paris) — географическое и духовное «сердце» Парижа, расположен в восточной части острова Сите, на месте первой христианской церкви Парижа — базилики Святого Стефана, построенной, в свою очередь, на месте галло-римского храма Юпитера.

В архитектуре собора проявляется двойственность стилистических влияний: с одной стороны, присутствуют отголоски романского стиля Нормандии со свойственным ему мощным и плотным единством, а с другой, — использованы новаторские архитектурные достижения готического стиля, которые придают зданию легкость и создают впечатление простоты вертикальной конструкции. Высота собора — 35 м, длина — 130 м, ширина — 48 м, высота колоколен — 69 м, вес колокола Эммануэль в восточной башне — 13 тонн, его языка — 500 кг.

История

Главными создателями Нотр-Дам считаются два архитектора — Жан де Шель, работавший с 1250 по 1265 год и Пьер де Монтрей (создатель Святой Капеллы. Он… В строительстве собора принимало участие много разных архитекторов, о чём… Мощный и величественный фасад разделён по вертикали на три части пилястрами, а по горизонтали — на три яруса…

Эстетика Высокого Возрождения в итальянском изобразительном искусстве (Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти).

Искусство этой эпохи, при всем разнообразии частных форм, обладает важнейшей общей чертой – стремление к правдивому отражению реальности. * Термин "Возрождение" (Ренессанс) появился в XVI веке.* Эстетика… Идея достоинства человеческой личности, разработанная мыслителями Возрождения, прочно вошла в философское и…

Леонардо да Винчи

Легендарная слава Леонардо прошла столетия и до сих пор не только не померкла, но разгорается все ярче: открытия современной науки снова и снова… У него было много учеников, которые старательно ему подражали,— видимо, сила… Сам Леонардо учился у известного флорентийского скульптора, ювелира и живо­писца Андреа Вероккьо. Ве-роккьо был…

Рафаэль Санти

Он был на тридцать лет моложе Леонардо да Винчи, а умер почти одновременно с ним, прожив всего тридцать семь лет. Недолгая, но плодотворная и… И в жизни Рафаэля, видимо, не было жестоких кризисов и изломов. Он развивался… Нашим зрителям хорошо известны самое раннее и самое позднее произведение этого цикла — маленькая «Мадонна Конестабиле»…

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело был ваятель, архитектор, живописец и поэт. Но более всего и во всем—ваятель; его фигуры, написанные на плафоне Сикстинской капеллы,… Два главных скульптурных замысла проходят почти через всю творческую биографию…

Роспись Сикстинской капеллы

 

В. А Моцарт- жизненный и творческий путь.

Раннее детство Вольфганг провел в Зальцбурге, где он вслушивался в народные песни, был свидетелем представлений народных театров, странствовавших по… Семья Моцарта.Родился Моцарт в семье крупного музыканта. Отец его, Леопольд… Одаренность Моцарта.Феноменальная, ни с чем несравнимая природная музыкальная одаренность Вольфганга стала предметом…

Идеалы в скульптуре Древней Греции. Мирон «Дискобол», Фидий «Афина-дева в Парфеноне», Александр «Афродита Милосская», «Ника Самофранкийская».

Поликлет (около 480 г. – конец Vвека до н.э.) - младший современник Мирона (в Афинах). Также создавал статуи атлетов-победителей на состязаниях (в…

Итак, греки пришли от условных (однообразных по чертам и выражению лиц) куросов и кор в период архаики через классическую красоту идеальных бесстрастных героев в классический период (Фидий, Мирон, Поликлет) к интересу к передаче внутреннего мира человека в поздней классике (Скопас, Лисипп).

Многочисленные скульпторы работали в Греции в V в. до н. э. Среди них выделяются три наиболее значительные: Мирон, Поликлет и Фидий.

• - Мирон в своем творчестве окончательно преодолел последние пережитки архаического искусства с его застылостью и неподвижностью форм. В середине V в. до н. э. он создал статую Дискобола — юноши, бросающего диск. Сложную позу напрягшегося для броска атлета он передал живо и убедительно. И в других своих произведениях Мирон стремился раскрыть все богатство и разнообразие движений человека.

• Поликлет обычно изображал спокойно стоящего человека. Особенной славой пользовалась его статуяДорифора (копьеносца), атлета-воина, воплощающего идеал прекрасного и доблестного гражданина свободного полиса (ок. 440 до н. э). Поза юноши, слегка согнувшего одну ногу и опирающегося на другую, проста и естественна, мускулатура его сильного тела передана живо и убедительно. Поликлет строил свои скульптуры по разработанной им системе математически точного соотношения частей человеческого тела. Древние греки называли статую Дорифора каноном, т. е. правилом; многие поколения скульпторов следовали ее пропорциям в своих произведениях.

В конце V в. до н. э. начинается период кризиса рабовладельческих полисов Греции. Война Афин со Спартой ослабила Грецию. Изменяется мировоззрение греков, их отношение к искусству. Величаво-возвышенное искусство V в., прославляющее героя-гражданина, уступает место произведениям, отражающим индивидуальные чувства, личные переживания. Скульптор первой половины IV в до н. э.

• Скопас изображает раненых воинов с лицами, искаженными страданием. Славилась его статуя Менады, спутницы бога вина Диониса, несущейся в неистовой, хмельной пляске (уменьшенная мраморная копия находится в Дрездене, в Альбертинуме).

• По-новому стали изображать и богов. В статуях прославленного скульптора IV в. до н. э.Праксителя боги, утратив величие и мощь, приобретали черты земной, человеческой красоты. Бога Гермеса он изобразил отдыхающим после долгого пути (Музей, Олимпия). На руках у бога младенец Дионис, которого он забавляет виноградной кистью.

• Скульптор второй половины IV в. до н. э. Лисипп создал новый образ юноши-атлета. В его статуеАпоксиомена (юноши, очищающего тело от песка) подчеркнута не гордость победителя, а его усталость и взволнованность после состязаний (Музей Ватикана, Рим).

В) расцвет театрального искусства (комедия и трагедия).

Помимо храмов к высшим достижениям греческой архитектуры относятся театры. Эти открытые сооружения с поднимающимися ступенями — сиденьями для зрителей — отличались прекрасной акустикой. Знаменит был театр в Эпидавре, построенный архитектором Поликлетом Младшим в IV в. до н. э.

 

 

	Архаика (VII-VIвв. до н.э.)
	Куросы – обнаженные статуи юношей. Коры – задрапированные статуи девушек.	Неподвижность поз, скованность движений, «архаическая улыбка» на лицах, связь с египетской скульптурой.
	Классический период (V-IV вв. до н.э.)
Мирон	«Дискобол»	Первый греческий скульптор, сумевший передать фигуру человека в момент быстрого движения. Идеализация. Лицо бесстрастно, статично, лишено индивидуализации.
	Классический период (V-VIвв. до н.э.)
Поликлет	«Дорифор» (Копьеносец)	Определил законы пропорций идеальной человеческой фигуры. Человеческая фигура дана в медленном шаге с упором на одну ногу (хиазм). Идеализация, бесстрастность. Отсутствие психологизации и индивидуализации.
	Поздняя классика (рубеж IVв. до н.э.)
Скопас	«Менада» (Вакханка), «Голова раненого воина», фрагмент фриза мавзолея в Галикарнассе «Битва греков с амазонками»	Разрушил благородный, бесстрастный идеал Фидия. Интерес к внутреннему состоянию человека. Выражение сильных, страстных чувств. Драматизм. Экспрессия. Изображение энергичного движения.
Лисипп	«Апоксиомен», «Голова Александра Македонского»	Разработал новый пластический канон, заменивший канон Поликлета. Появляется индивидуализация и психологизация образов.

Кора

курос

Дискобол. Мирон

Поликлет. Дорифор.

Скопас.Менада.

Ника Самофракийская. Неизвестный скульптор.

Агесандр. Венера Милосская.

Фидий.Афродита.Парфенон.

Лисипп. Отдыхающий Гермес.

Лисипп. Геракл со львом.

Синтетические искусства и изображение. Виды синтетических искусств.

  Жизнь людей, природа, мир вещей, окружающая действительность отображается… Что входит в понятие “Вид искусства”?

Иллюстрация к сказке «Лиса и журавль».

Причины объединения различных видов искусств в единое целое различны.

В средневековье синтез искусств был вызван необходимостью обслуживания христианского богослужения. (5)

В эпоху классицизма главной целью становиться создание жилой среды. (6)

 

Интерьер собора святой Софии. Киев. 6. Версальский дворец. Зеркальная галерея.

Подлинный синтез достигается тогда, когда элементы различных искусств гармонично согласованы идейным замыслом. - Какие особенности присущи синтетическим видам искусств: театру, кино? Спектакль, кинофильм – это продукты художественного творчества коллективов. Лидерская роль в них принадлежит…

Театр и экран - две грани изобразительной образности. Театры Республики Татарстан.

искусства, представляющий собой синтез различных искусств — литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других и…   оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого…

Сценография или театрально-декорационное искусство.

Компоненты театрального искусства – вера и фантазия зрителя.

Коллективное творчество актера- режиссера – художника.

История кино

История кино начинается в 19 веке. Изобретателями кинематографа стали французы, братья Луи и Огюст Люмьеры.До 1927 г. практически все фильмы были… Жорж Мельес (директор одного из парижских театров) первым оценил возможности… Он стал одним из главных основоположников кино как самостоятельного вида искусства.

Театры Республики Татарстан

Атнинский государственный драматический театр Адрес: Республика Татарстан, Атнинский район, село Большая Атня, ул.Советская, 2А Директор: Фазлиева… Бугульминский государственный русский драматический театр имени А.В.Баталова… Буинский государственный драматический театр Адрес:, Республика Татарстан, г.Буинск, ул.К.Маркса, 68 Художественный…

Изобразительные искусства актерского перевоплощения.

Зародившись в ритуальных действах, искусство актера с самого начала носило синтетический характер: в ритуалах участвовали музыка, песня, танец,… Искусство актера обладает рядом важных особенностей. Каждое искусство имеет… В актерском искусстве невозможно отделить творческий процесс от результата. Премьера — это не просто результат, это…

От оперы к оперетте.

Литературная основа оперы — либретто. Слово «ореrа» в переводе с итальянского буквально означает труд, сочинение. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и… и костюмы.

Джакопо Пери

опять вернулись к названию «музыкальная драма». Первый оперный театр для публичных представлений был открыт в 1637 году в Венеции; ранее опера… в мусульманском мире считается опера «Лейли и Меджнун» созданная в 1907 году… Однако следует отметить, что в 1890 году Чухаджяном была написана (на сюжет арабской сказки и на турецком языке) и…

Балладная опера

Драма (жанр)драма, вокальные мизансцены, говек и симфонические произведения. Одним из приверженцев semi-оперы считается английский композитор Генри… В комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами… Оперы для детского исполнения (например, оперы Бенджамина Бриттена — «Маленький трубочист», «Ноев ковчег», оперы Льва…

В 50-х годах 19 века в Париже в репертуаре театров появляются сокращенные варианты комической оперы, получившей название «оперетта». От итальянского – маленькая опера, один из видов музыкального театра, сочетающий вокальную и инструментальную музыку, танец, балет с элементами эстрадного искусства. В основе обычно лежат куплетная песня и танец.

Хотя в оперетте используются типичные для оперы жанры и виды вокальной музыки – ария, дуэт, ансамбль, хор, они обычно более просты и выдержаны в песенно-танцевальном характере. Хореографические номера служат в оперетте для развития действия.

Истоки оперетты восходят к традициям музыкально-комедийных спектаклей, ее исторические предшественники – комическая опера, французский водевиль, австрийский и немецкий зингшпиль.

Как самостоятельный жанр оперетта возникла во Франции в 50-е годы 19 в.,в 60-е появляется австрийская, в 70-е – английская, в 90-е – американская оперетты.

Пародийный тип оперетты, создателем которой является Жак Оффенбах.Его оперетты представляют собой едкую сатиру на быт и нравы Второй империи Луи Бонапарта – период бесконечных разорительных войн, широчайшего размаха биржевой спекуляции, продажности государственного аппарата.

Другая важная грань его дарования – тонкий и нежный лиризм. Им создано около 100 оперетт.

Завоевали признание и представители французской оперетты - Шарль Лекок и Робер Планкетт.

Представитель венской оперетты – Иоганн Штраус, Франц фон Зуппе, Карл Целлер.

15 октября 1844 года на улицах Вены появились красочные афиши, известившие о том, что состоится танцевальный вечер, на котором впервые выступит со своим оркестром 19-летний Иоганн Штраус. Это было началом исполнительской и творческой деятельности композитора.

В сфере музыкального театра подлинными шедеврами признаны его оперетта «Летучая мышь» и «Цыганский барон», занимающие по сей день одно из самых почетных мест в репертуаре опереточных театров. Он вошел в историю музыкального театра как создатель вальсовой оперетты. Он принес с собой мелодическое богатство, которое до этого жанр не знал, и знамя которого было подхвачено Ференцем Легаром и Имре Кальманом. Наконец, именно Штраусу принадлежит заслуга создания первой многоактивной венской оперетты, так что «по отношению к австрийской оперетте творчество Штрауса сыграло такую же роль, как творчество Оффенбаха для жанра в целом».

Имре Кальман создал замечательную оперетту «Сильва». История красивой любви, взаимопонимания между двумя горячими сердцами. Настоящая Любовь преодолевает все преграды.

Посмотрим и послушаем фрагмент из оперетты «Сильва»

Герои воплощают в себе прежде всего оперное начало оперетты. А потому их партии довольно сложны в вокальном отношении и обычно представлены выходными ариями, несколькими лирическими, чаще всего вальсовыми дуэтами и финалами актов.

Русский дореволюционный опереточный театр (первый спектакль в 1868 году) по существу не имел национального репертуара. Начало отечественной оперетте положено в середине 20-х годов композиторами И. О. Дунаевским и Н.М. Стрельниковым. Позднее в этом жанре работали композиторы Б.А. Александров, В.П. Соловьев-Седой, О. Б. Фельцман, Т.Н. Хренников и другие. Они упрочили связь оперетты с массовой советской песней. Для работ этих композиторов характерны лирико-романтиченская направленность, стремление к актуальной современной тематике, развитие героических, патриотических сюжетов.

Итак, подведем итог и дадим определение оперетты:

Оперетта - музыкально-театральное представление легкого жанра, характерными особенностями которого являются развлекательность и присутствие разговорной речи.

Эволюция изобразительных искусств и выразительных средств. Объемно – пространственная, фронтальная, глубинно – пространственная композиции.

Слово «композиция» в переводе с латинского означает сочинение, составление, соединение, связь, построение, структура. Различают триосновных вида…

Фронтальная композиция

Второе важное условие − ритмическое построение композиции. Специфичным здесь является использование в качестве композиционного средства… Из них и складывается простая или сложная фронтально- пространственная композиция.

Объемная композиция

поверхность и воспринимаемую со всех сторон. Объемная композиция8 всегда взаимодействует с окружающей средой. Среда может увеличивать или уменьшать выразительность одной и той же композиции.

Глубинно-пространственная композиция

пространства, а так же интервалов между ними. Данный вид композиции в архитектуре используется повсеместно: от решения интерьеров помещений до разработки улиц, площадей, микрорайонов и т. п.

Художник и художественные технологии: от карандаша к компьютеру. Эстафета искусств. Кино, телевидение, видео, компьютер, анимация.

Российская анимация в это время все еще находилась в перестроечном кризисе. Первый полнометражный мультик в 3D у нас сделали лишь в 2006 году… Сокращение сложившегося за 10 лет технологического отставания потребовало бы… По иронии судьбы один из первых в мире опытов компьютерной анимации состоялся как раз у нас: в 1968 году в СССР сняли…

Эпилог. Будущее мультипликации.

 

Фотография – расширение изобразительных возможностей искусства. Фотоаппарат, фотография, изображение. Выбор места, объекта и ракурса съемки.

Свет и тень. Виды света – искусственное и естественное освещение. Светотональный и светотеневой рисунок изображения: светотональное (освещение… Каждый снимок состоит из светлых и темных участков изображения разной…  

Правильная композиция

Чтобы снимать красивые, яркие, запоминающиеся фотографии, надо знать законы композиции, которые пришли из живописи и проверены веками. Кроме этих… СОВЕТ Законы композиции надо соблюдать, но без фанатизма: иногда их можно и… Общий смысл правильно выстроенной композиции кадра в том, что мы легко и непринужденно рассматриваем фотографию. При…

Выбор фона, перспектива

Для туристических фотографий старайтесь выбрать фоном не слишком пестрые или яркие предметы, обратите внимание, как освещен задний план. Если ваш… Если вы снимаете пейзаж и ваш главный объект — природного свойства, то важно… Череда деревьев, темная вблизи и светлая вдали, придают плоскому пространству глубину. Также помогает передать…

Театр кукол. Театральная кукла, верховые, напольные перчаточные, пальчиковые куклы и т.д. Анализировать театральное произведение, исходя из принципов художественности.

Самый любимый театр у детей во всем мире - кукольный театр.

Потому что актеры там - куклы, и куклы необыкновенные: они умеют ходить, летать, разговаривать, плакать, смеяться.

Театральная кукла - своеобразная маска актера, помогающая выражать задуманный образ. Сказку, басню можно сыграть при помощи кукол.

Искусство театра - искусство коллективное. В создании спектакля участвуют драматург, композитор, режиссер, художник, актеры, постановочные работники, даже гардеробщики и билетеры. Сценическое действие актера в театре кукол двунаправлено: он одновременно должен иметь в виду и содержание спектакля, и зрителей, которым он показывает спектакль, актеру все время следует ориентироваться на восприятие им событий, происходящих на сцене. То есть, актер кукольного театра держит в поле зрения не только то, что он показывает, но и то, как его действия воспринимаются зрителями.

Первые представления зафиксированы и сохранились в памяти людей как игровые рассказы человека о жизни, любви и страдании богов, показанные в XXI в. до н. э. на территории Египта. Потом, уже в Древней Греции и Древнем Риме, люди, работавшие с куклами, - кукольники - играли не только инсценировки легенд на божественные темы, но и светские истории, веселя и потешая зрителей. А наши современники и вовсе забыли "божественное" происхождение этого искусства.

Первые исследования о происхождении театральной куклы были предприняты в 19 в. французским писателем Ш.Нодье.

Существуют несколько видов театральных кукол.

По способу управления куклы делятся на два основных вида - верховые и напольные. К верховым относятся те, которыми актёр-кукловод управляет снизу из-за ширмы, и зритель его не видит.

Напольные, в отличие от верховых, находятся ниже актёра, прямо на полу. Актёр находится рядом и приводит куклу в движение на глазах у зрителей. К верховым куклам относятся перчаточные и тростевые, к напольным - марионетки, планшетные и так называемые большие куклы или куклы-великаны.

Перчаточная кукла надевается на руку кукловода и управляется пальцами и кистью. Техника управления обусловливает размер перчаточной куклы - чуть больше кисти кукловода.

Классический образец перчаточной куклы - русский Петрушка. "ПЕТРУШКА - кличка куклы балаганной, русского шута, потешника, остряка в красном кафтане и в красном колпаке; зовут Петрушкой также весь шутовской, кукольный вертеп" (В.Даль).

Первое упоминание о кукольном театре в России относится к 1609 году. И одной из первых кукол был Петрушка. Петрушка изображался глуповатым персонажем, но за этой глупостью таилась житейская хитрость. Он - насмешник, иногда грубиян, он драчлив и задирист. Он бывает сам бит и даже попадает в тюрьму, но никогда и нигде не пропадает.

В лице Петрушки народ высмеивал своё начальство и господ - их лицемерие, надменность, страсть к вину и лакомствам, пренебрежение к простому народу. Т.е. Петрушке позволялось то, что было запрещено людям. Многовековая безнаказанность Петрушки объяснялась именно древним отношением к куклам как к существам, живущим собственной, отдельной от людей жизнью.

Разновидностью перчаточной куклы являются куклы пальчиковые. Эти куклы соответственно меньшего размера и используются преимущественно в камерных спектаклях.

К верховым куклам относится и тростевая кукла, получившая свое название от тростей, с помощью которых актер управляет ее движениями. Руки такой куклы сгибаются во всех сочленениях и прикрепляются к плечам ремешком. Трости могут находиться как вне корпуса куклы (открыто или замаскировано), так и внутри него. Голова полая, управляется либо так же, как и перчаточная кукла (пальцами кукловода), либо при помощи специальной трости, т.н. гапита, пропущенного внутри головы. Тростевые куклы бывают самых разных размеров, от небольших до гигантских. В этом случае ею управляет не один, а несколько кукловодов. Однако тростевые куклы не всегда работают только на ширме. В том случае, если кукла большого размера и тяжелая (например, знаменитые сицилийские или японские тростевые куклы более метра ростом), актеры водят их по полу сцены, управляя ими сверху.

Тростевые куклы используются и в теневом театре, возникшем у народов Азии и Ближнего Востока и позже получившем распространение во всем мире. Теневые куклы, как правило, плоские (бумажные, пластмассовые, кожаные и т.д.); кукловод управляет ими, плотно прижимая к полупрозрачному экрану, расположенному между зрителями и источником света. Теневой театр бывает как черно-белым, так и цветным: ярко окрашенные фигурки отбрасывают на экран цветные тени. Известен и теневой театр объемных кукол (например, традиционный индонезийский театр "ваянг-голек").

Принципиально иначе устроена кукла-марионетка (от франц. Marion, Marionette - название маленьких фигурок, изображавших деву Марию в средневековых кукольных мистериях). Марионетка управляется актером-кукловодом сверху, с помощью нитей или металлического прута. Самая простая марионетка - на пруте. Голова и туловище такой куклы обычно изготавливаются цельными и жестко закрепляются; руки, и ноги свободно раскачиваются. К голове прикреплен металлический прут с рукоятью, при помощи которого кукловод приводит марионетку в движение. Пластические возможности такой куклы ограничены. Более сложную конструкцию представляет собой марионетка на нитях. К подвижным сочленениям в плечах, бедрах, коленях, шее, локтях, кистях рук, ступнях прикрепляются нити, концы которых уходят к специальному деревянному приспособлению-крестовине - т.е. ваге, или коромыслу. Левой рукой кукловод держит и раскачивает вагу, управляя основными передвижениями марионетки, правой - перебирает остальные нити, заставляя куклу совершать более сложные движения.

Планшетная или паркетная кукла - это театральная кукла, которая "умеет ходить" по полу, по паркету, по настилу сцены, который называется "планшет". Отсюда их название.

Куклы-великаны, фактически представляющие собой костюм с маской или кукольной бутафорской головой. Такая кукла делается размером в человеческий рост или выше; актер находится внутри куклы и пластически оживляет ее. Прообразом этих кукол можно считать персонажей античного театра, роли которых исполняли актеры на котурнах и в масках. Сегодня подобные куклы широко распространены в уличных представлениях, в аттракционах (Дисней-Лэнд), а также часто используются в рекламных акциях.

Куклы-автоматы - механические куклы, "оживление" которых происходит с помощью системы рычагов, пружин, пара и т.д. Применения кукол-автоматов на театре довольно ограничены, так как в их работе роль актера сведена к минимуму.

Самым известным кукольным театром в нашей стране является театр имени Образцова С.В., созданный в 1931 году, где Образцов 60 лет был художественным руководителем. Им было поставлено более 70 спектаклей для детей и взрослых. Руководимый им театр давал спектакли более чем в 350 городах СССР и 90 городах зарубежных стран.

Художники кукольного театра

В России на народных гуляниях, на ярмарках у странствующих артистов можно было встретить любимого героя Петрушку — куклу с забавной наружностью.… Природе куклы близки фантастические, сказочные образы, шарж и гротеск. Этим… В современном театре играют куклы разных видов: куклы, надеваемые на руку — петрушки, куклы на нитках— марионетки,…

Сценография или театрально-декорационное искусство - особый вид художественного творчества.

Основа художественного оформления спектакля — декорация, изображающая место и время действия. Конкретная форма декорации (композиция,… Образ, воплощаемый на сцене, первоначально создается художником в эскизе или… А. М. Васнецов. Эскиз декорации к опере Н. А. Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии».…

Художники кукольного театра

В России на народных гуляниях, на ярмарках у странствующих артистов можно было встретить любимого героя Петрушку — куклу с забавной наружностью.… Природе куклы близки фантастические, сказочные образы, шарж и гротеск. Этим… В современном театре играют куклы разных видов: куклы, надеваемые на руку — петрушки, куклы на нитках— марионетки,…

Художники К. Малевич, В. Кандинский как представители абстрактного искусства. Отказ от изображения реальных предметов, стремление к созданию с помощью отвлечённых элементов художественной формы.

 

 

Дж. Галли-Биббиена. Декорация оперного спектакля. Придворный театр в Мюнхене. 1722.

 

А. Я. Головин. Эскиз декорации к опере А. С. Даргомыжского "Каменный гость". Мариинский театр. Петроград. 1917.

 

Ф. Леже. Эскиз декорации к балету Д. Мийо "Сотворение мира". "Шведские балеты" р. Де Маре. 1923.

Литература: М. Н. Пожарская, Русское театрально-декорационное искусство конца XIX - начала XX в., М., 1970; Ф. Я. Сыркина, Е. М. Костина, Русское театрально-декорационное искусство, М., 1978; Советские художники театра и кино. 1975-1979, (кн. 1-4), М., 1977-81; Zucker P., Die Theaterdekoration des Klassizismus, В., 1925; его же, Die Theaterdekoration des Barock, В., 1925; Hainaux P. Y.-B., Le dйcor de thйвtre dans le monde depuis 1935, Brux.-P., 1956: его же, Le dйcor de thйвtre dans le monde depuis 1950, Brux.-P., 1964; Le lieu thйвtral a la Renaissance, P., 1965; Le dйcor de thйвtre dans le monde depuis 1960, Brux.-P., 1973; Bьhnenformen - Bьhnenrдume - Bьhnendekorationen, (В., 1974); Bablet D., Les revolutions scйniques du XX siиcle, P., 1975.

(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)

театра́льно-декорацио́нное иску́сство

(сценография), искусство создания зрительного образа спектакля с помощью декораций, костюмов, освещения, постановочной техники.
Театрально-декорационное искусство уходит корнями в глубокую древность, когда во время исполнения священных обрядов и ритуальных игр использовались костюмы и маски духов, божеств и т. д. В древнегреческом театре в 5 в. до н. э. возникли объёмные декорации, которые в эпоху эллинизма и позднее, в Древнем Риме, стали совмещать с живописными. Фоном для средневековых мистерий служили реальные церковные интерьеры, для спектаклей площадного театра – открытые пространства площадей, где устанавливались передвижные подмостки и иногда объёмные декорации («Рай» в виде беседки, «Ад» в виде пасти дракона и т. п.). В Италии в эпоху Возрождения, когда была изобретена прямая перспектива, стали впервые применять перспективные декорации, написанные на холстах, натянутых на рамы, и изображавшие уходящие вдаль улицы (Ф.Брунеллески, А. Мантенья, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Д. Браманте, Б. Перуцци и др.). В сер. 16 в. С. Серлио разработал три типа сценического оформления – для трагедии, комедии и пасторали. С 17 в. широко использовались театральные механизмы, позволявшие менять декорации на глазах у публики. Начали создаваться сцены-коробки с кулисами (плоскими частями театральной декорации, расположенными по бокам сцены параллельно или под углом к рампе и предназначенными для того, чтобы закрывать от зрителя закулисное пространство). Эта сценическая конструкция применяется по сей день.

А. Я. Головин. Эскиз занавеса к драме «Маскарад» М. Ю. Лермонтова. 1917 г.

 

В. М. Васнецов. Эскиз костюма Весны к «Снегурочке» А. Н. Островского. 1886 г.

 

А. Я. Головин. «Портрет Ф. И. Шаляпина в роли Бориса Годунова в одноимённой опере М. П. Мусоргского». 1912 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

В России кулисные «рамы перспективного письма» были применены впервые в 1672 г. В 18 в. спектакли оформляли в основном иностранные мастера (Дж. Валериани, А. Перезинотти и др.), работавшие в пышном стиле барокко. Во второй пол. 18 в. появились первые профессиональные русские декораторы (братья И. И. и А. И. Бельские, И. Я. Вишняков и др.). В нач. 19 в. итальянец П. ди Г. Гонзага возводил на сцене театра князя Н. Б. Юсупова в Архангельском огромные монументальные декорации в стиле классицизм, похожие на диковинные архитектурные сооружения. В эпоху классицизма, когда господствовал принцип единства места и времени действия, использовались несменяемые декорации (дворцовый зал в трагедии, городская площадь или комната – в комедии).
Эпоха расцвета театрально-декорационного искусства в России пришлась на кон. 19 – нач. 20 в. Большой вклад в утверждение новых принципов оформления спектаклей внесли живописцы, входившие в Абрамцевский художественный кружок и сотрудничавшие в Частной опере С. И. Мамонтова (В. М. и А. М. Васнецовы, В. Д. Поленов, К. А. Коровин, М. А. Врубель и др.). Художник-оформитель становился соавтором спектакля наряду с режиссёром, создавая декорациями, костюмами и т. д. поэтическую атмосферу, созвучную музыкальному и драматургическому строю пьесы. Тонкими стилизациями в духе прошлых эпох, погружавшими в сказочный мир, отличались театральные работы мастеров объединения «Мир искусства» (А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Н. К. Рерих и др.), оформлявших оперные и балетные спектакли Русских сезонов за границей, организованных С. П. Дягилевым. Бакст, Бенуа и др. мастера, оказавшиеся после Октябрьской революции в эмиграции, значительно обогатили своими работами мировое театрально-декорационное искусство.
Значительное влияние на русское и западноевропейское театрально-декорационное искусство оказала также реформа Московского художественного академического театра, проведённая К. С. Станиславским, в соответствии с которой в оформлении спектаклей обращалось особое внимание на реалистическую достоверность обстановки, на её психологическую связь с игрой актёра (В. А. Симов и др.). В 1920-е гг. в спектаклях нашёл воплощение конструктивизм (А. А. Экстер, Л. С. Попова,А. А. Веснин, А. М. Родченко, братья В. А. и Г. А. Стенберг, В. Ф. Степанова и др.). В «Великодушном рогоносце» режиссёра В. Э. Мейерхольда Л. С. Попова возвела на сцене декорацию в виде сложной действующей конструкции, элементы которой (перекладины, столбы, двери и т. д.) использовались актёрами в процессе игры. Первым опытом авангардного спектакля стала опера «Победа над Солнцем» (А. Е. Кручёных, 1913), оформленная К. С. Малевичем. Открытая им линия «театра художника» была продолжена Эль Лисицким, В. Е. Татлиным. Другие художники переосмысливали древние фольклорные традиции итальянской комедии дель арте (И. И. Нивинский, Г. Б. Якулов), русского лубка и выступлений скоморохов (Б. М. Кустодиев,В. В. Дмитриев и др.), а также цирковых представлений (Ю. П. Анненков, В. М. Ходасевич, Г. М. Козинцев). В 1930-е гг. эта линия была продолжена А. Г. Тышлером.
Во второй пол. 20 – нач. 21 в. художники театра обращаются ко всему предшествующему наследию от тонких стилизаций в духе мирискусников (С. Б. Вирсаладзе, А. П. Васильев, В. Я. Левенталь, Б. А. Мессерер и др.) до психологически насыщенных (Н. П. Акимов, Н. И. Альтман, В. В. Дмитриев, В. Ф. Рындин, А. Г. Тышлер) или, напротив, нейтральных, помогающих зрителю сосредоточиться на игре актёра. Широко используются фото– и кинопроекции, музыкальные и шумовые эффекты, сложная световая режиссура и др. технические новшества, обогащающие возможности режиссёра и актёров.

Художники К. Малевич, В. Кандинский как представители абстрактного искусства. Отказ от изображения реальных предметов, стремление к созданию с помощью отвлечённых элементов художественной формы.

Художники Малевич, Кандинский как представители абстрактного искусства.

1) Конец 19 - начало 20 века – время художественных поисков и экспериментов.

Появляются новые образы, а также неизвестные средства художественной выразительности.

Всё чаще встречаются синтез искусств, смешение стилей, жанров, видов искусства, эксперименты с формой, цветом, композицией.

Как понять эти произведения? Что хотел сказать нам художник? 5) Абстракционизм (от лат. – отвлечение) – широкое направление в искусстве 20 века, в… • Отказ от норм классического изображения • Деформация формы

Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современног мира и имел успех потому, что призывал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».

9) Основоположником абстракционизма считается русский художник Кандинский В.В.

Кандинский Василий Васильевич 1866-1944 – российский живописец и график, один из основоположников и теоретиков абстрактного искусства, автор экспрессивных, динамичных композиций, построенных на сочетании красивых пятен и ломаных линий. 10) Произведения В.В. Кандинского:«Композиция №6», «Композиция №7», «Композиция №8», «Композиция №9», «Импровизация №7», «Озеро», «Контрастные звуки», «Чёрное и фиолетовое», «Жёлто-красно-голубое», «На белом». 11) Важной задачей Кандинский считал поиск новых способов выражения духовного начала, освобождённых от материальных оков – решающий шаг в новое измерение.

«Озеро»Композиция №7 Желто-красно-голубое

12) Основные теоретические труды (написал книги):

· «О духовном в искусстве» (1910г.)

· «Точка и линия на плоскости» (1926г.)

13) В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и “диких”.

14) Основоположниками абстракционизма принято считать кроме В. Кандинского еще П. Мондриана и К. Малевича Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами.

15) Третий основоположник – Казимир Малевич – соединяет в своем “супрематизме” оба пути. Произведение художника, пусть изначально и имевшее своей основой что-нибудь реальное, становится абстрактным с того момента, как в нем не остается ничего из того, что указывает на этот исходный пункт, когда произведение передает уже только чистые элементы композиции и цвета.

А) Казимир Малевич -русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма, русский художник-авангардист, один из основателей супрематизма — направления в абстрактном искусстве. Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем.

Б) Путь Малевича — это путь от фовизма и Сезанна к кубизму и футуризму и от них — к абстрактному искусству. Он все больше отходил от изображения действительности, сосредоточиваясь на чисто пластических, формальных исканиях, все более стремился постигнуть «чистую, абсолютную» душу живописи. ****Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. В) Но излюбленной его темой - изображение квадрата — черного, красного и даже белого и на белом фоне. Последняя его работа этого цикла — «Черный супрематический квадрат» (1929). «Чёрный квадрат» входит в цикл супрематических работ Казимира Малевича, в которых художник исследовал базовые возможности цвета и композиции.Художественный критик, основатель объединения «Мир Искусства» Александр Бенуа написал в газете " Речь" от 9 января 1916 г. : " Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы предлагают взамен мадонн и бесстыжих венер, это и и есть то "господство над формами натуры", к которому ведёт.. вся наша новая культура.. с её машинностью, с её " американизмом", с её царством .. пришедшего Хама."^[

Летящий аэроплан Девушки в поле Черный квадра 16) В заключение можно сказать, что абстрактное искусство – не есть что-то чуждое, непонятное, оно несёт в себе смысловое значение, это искусство касается высокой сферы духовности человека.

 

 

 

К.Малевич. Девушки в поле.

 

 

К.Малевич. Черный квадрат.

 

 

 

 

К.Малевич. Снежная буря.

Супрематизм в контуре спортсменов. Б. г. Масло

 

К.Малевич. Летящий аэроплан.

 

 

К.Малевич. Супрематизм (1916-1917)

 

Искусство Северного возрождения. Творчество П. Брейгеля-старшего («Слепые», «Охотники на снегу», «Падение Икара»), И. Босха («Воз сена», «Корабль дураков», «Сад наслаждений»), Ян Ван Эйка («Семейство Арнольфини», «Мадонна канцлера Роллена»).

Творчество Брейгеля-старшего («Слепые», «Охотники на снегу», «Падение Икара»), А.Дюрера («Меланхолия», «Автопортрет»), И.Босха («Воз сена», «Корабль дураков», «Сад наслаждений»), Ян Ван Эйка («Семейство Арнольфини», «Мадонна канцлера Роллена»).

Возрожде́ние, или Ренесса́нс -(фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. = XIV —XVI века. Богачи по-новому оценивали мир, в котором жили, спеша получить как можно больше радостей в земной, а не загробной жизни. Они соперничали друг с другом в великолепии дворцов, домашней обстановки, одежды. Ренессанс – расцвет художественной культуры Европы.

1. Художники вспомнили о культуре античности (Др.Греции…),

2. Опирались на примеры вечной красоты античности;

3. Воспеваются идеи гуманизма (человечности).

4. Человек- вершина творчества природы.

5. Красота человека – это соблюдение пропорций и симметрии

ГУМАНИЗМ – ОСНОВА МИРОВОЗЗРЕНИЯ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

ГУМАНИЗМ - мировоззрение, в центре которого находится идея человека как высшей ценности.

Человек - мера всех вещей» Протагор

Принципиальным отличием ренессансного искусства от средневекового явилось воплощения не божественной, а человеческой сущности бытия.

Отсюда возникает главный философский принцип эпохи Возрождения - человек есть центр и высшая цель мироздания.

Северное Возрождение. Период Ренессанса на территориях Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

12. В основе их лежало изживание средневекового, феодального миросозерцания и зарождение новой буржуазной культуры. Особенно бурно и впечатляюще процесс этот проходил в Нидерландах – стране, как и Италия, раннего и быстро развивающегося капитализма.

13. Художники Северного Возрождения: Ганс Бальдунг Иероним Босх Питер Брейгель Альбрехт Дюрер Лукас Кранах Ханс Хольбейн Ян ван Эйк

14. Братья ванн Эйки – основоположники нидерландской школы живописи (лессировкой заканчивалосьисполнение картин 16-19 веков).

15. Иеро́ним Босх (около 1450—1516) — нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, самый загадочный живописец в истории западного искусства, один из основоположников жанровой и пейзажной живописи в Европе, мастер аллегории и мистических образов, своим «Возом сена», «Садами земных наслаждений» и «Кораблем дураков» впервые показавший изнанку видимого мироздания. ****«Воз сена» - сюжет взят из поговорки «Мир – стог сена, и каждый хватает сколько сможет»(суетливая и грешная людская толпа противопоставлена гармоничному лику мира с Христом в небесах, который изображен на заднем плане).

16. «Разница между работами этого человека и работами других художников заключается в том, что другие стараются изобразить людей такими,как они выглядят снаружи, ему же хватает мужества изобразить их такими, как они есть изнутри». ****«Корабль дураков» - Корабль - символизировал Церковь, ведущую души верующих к небесной пристани. У Босха на корабле вместе с крестьянами беспутствуют монах и две монахини — явный намёк на упадок нравов как в Церкви, так и среди мирян, а из гущи листвы выглядывает сова. Монахиня играет на лютне и оба поют, а может быть пытаются схватить ртом блин висящий на шнуре, который приводит в движение человек с поднятой вверх рукой. Игра на лютне обозначает разврат. «Сад земных наслаждений» - посвящён греху сладострастия. Сад земных наслаждений — это изображение Рая, где упразднён естественный порядок вещей и полновластно царят хаос и сладострастие, уводя людей от пути спасения.

17. Для современников Босха его картины имели гораздо больший смысл, чем для современного зрителя. Необходимые пояснения к сюжетам средневековый человек получал из разнообразных символов, которыми изобилуют картины Босха.

18.Босх использует и общепринятую в средневековье символику бестиария — «нечистых» животных: на его картинах встречаются верблюд, заяц, свинья, лошадь, аист и множество других. Основные тенденции его творчества: * внимание к мелким деталям, зачастую фантастичеким, харктерное для искусства средних веков); * интерес к реальной действительности, свойственной мастерам Возрождения.

19. «Корабль дураков». Лувр, Париж. Босх. «Сад неземных наслаждений».

20. «Воз сена».

21. Поразительные по изобретательности формы и фигуры, отклоняющиеся от нормы, чудовищные и парадоксальные, рождены свободным, исключительно богатым воображением, отражающим фантазию современных Босху североевропейских народных рассказов.

Пи́тер Бре́йгель^[1]-старший, («Мужицкий») (нидерланд.) - мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Более тридцати приблизительно из сорока пяти картин кисти Брейгеля посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ: на своих рисунках он зачастую вообще скрывает лица. Никто из художников ранее не осмеливался создавать произведения на подобные темы. Но многие поздние работы свидетельствуют о растущем интересе художника к индивидуальным фигурам. Художник начинает писать крупные фигуры людей, по отношению к которым окружение играет уже подчинённую роль. К таким картинам относятся «Притча о слепых», «Калеки»… Любой человек у Брейгеля выглядит пылинкой. Насмешник над человеческой глупостью. Человеческое несовершенство показывал.

«Слепые». «Охотники на снегу. «СЛЕПЫЕ»= служит иллюстрацией к известной библейской притче о слепцах: «Оставьте их, они - слепые вожди слепых; а если слепой ведет слепого, то оба упадут в яму». Вместе с тем, эта картина имеет и еще один содержательный уровень - условно говоря, гуманистический.
Художник пишет не только символы, но и действительно несчастных людей, которым нельзя не сочувствовать. Один современный медик заметил, что нынешний врач без труда поставит диагноз каждому из брейгелевских слепцов. Один из них страдает лейкомой, другой - атрофией глазного яблока. Заметим, наконец, что в умении «живописать» человеческие увечья с Брейгелем мало кто сравнится во всей истории мировой живописи. «ПАДЕНИЕ ИКАРА» – знаменитая «картина-загадка». Глядя на картину, думаем: «А где же Икар?». Согласно античной легенде, искусный мастер Дедал соорудил себе и сыну Икару крылья , и Икар, не послушав отца, взлетел к солнцу, крылья растопило, и он упал в море. Но на картине Брейгеля ничего этого нет. Есть пейзаж с морем, по которому плывут корабли, над морем – высокий берег,– и троих людей, в современных Брейгелю одеждах, каждый из которых занят своим делом: пахарь пашет землю, пастух сторожит стадо, рыболов удит рыбу. И только случайно замечаешь какой-то белесый предмет, торчащий из воды… - это человеческая нога, нога тонущего Икара! Его еще можно спасти – ведь корабль совсем рядом, неподалеку и рыболов… Но Икара никто не спасет. Никто его не замечает. Вот и решение загадки: человеческое отчуждение, характерное для нашего «перевернутого» мира, в котором исчезли милосердие и сострадание к ближнему, а все ушли в свои частные, сугубо материальные интересы … А.Дюрер – немецкий художник- гравер = достоин бессмертия. Дюрер все может выразить в одном цвете, то есть черными штрихами.

22. Автопортрет. «Меланхолия»

***Философскими размышлениями проникнуты и многие его произведения. Одна из них – «Меланхолия» – полна сложной символики. Могучая фигура крылатой женщины олицетворяет собой Меланхолию. В эпоху Возрождения меланхолический темперамент связывали с представлением о гениальности. Меланхолия окружена символами созидания и науки. Все в ее позе и атрибутах подчеркивает, чтоона полна мыслей о деятельности, но действовать не может – не в состоянии преодолеть какие-то сковывающие ее силы. Безусловно, Дюрер воплощает в этом образе неутолимую жажду человеческих знаний. Он писал за несколько лет до создания этой гравюры: «Желание многое знать и через это постигнуть истинную сущность всех вещей заложено в нас от природы». Высказывания художника как нельзя лучше поясняют философское содержание этого листа и все его творчество. Не случайно многие исследователи видят в «Меланхолии» духовный автопортрет мастера. ***Дюрер написал большое количество автопортретов. Однако этот самый известный. Почему? На этом портрете Дюрер изобразил себя анфас без каких-либо сопутствующих предметов интерьера. Портрет построен по геометрическим канонам. Нос и кисть руки образуют ось симметрии, грудная клетка и предплечья — трапецию, а голова и распущенные до плеч волосы — треугольник. С точки зрения художественного мастерства эта картина удивительной красоты и качества. Глаза на портрете с одной стороны глубоко вопрошающие, с другой — необычайной гипнотической силы. Уже начиная с XVI в. этот портрет рассматривался как изображение Христа. В своих литературных работах Дюрер призывал жить «по Христу». Художник неоднократно повторял, что изображение жизни и страданий Христа является одной из основных целей живописи. Ян Ван Эйк- фламандский художник (впервые открыл секрет масляных красок.)

Портрет четы Арнольфини.На нём изображены Джованни ди Николао Арнольфини и его жена, предположительно в их доме в Брюгге. Портрет является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения(в картине много символов).

«Мадонна канцлера Роллена» - возобладал принцип воздушной перспективы, согласно которому все отдалённые объекты приобретают небесные оттенки. Город на дальнем плане представлен очень достоверно, с большим вниманием к мельчайшим деталям. Ван Эйк использовал в своих работах образы реальных людей, явив миру первые образцы портретного искусства. Именно эти художники выработали стиль, новизна которого заключалась в "открытии" пространства за счёт снижения линии горизонта и сужения цветовой гаммы. Пейзажный жанр Голландии XVII столетия - это не природа вообще, как некая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, который можно узнать и в современной Голландии.

Босх. Сад земных наслаждений.

Босх. Корабль дураков.

Босх. Воз сена.

 

Брейгель. Охотники на снегу.

Брейгель. Слепые.

Брейгель. Падение Икара.

А.Дюрер. Меланхолия.

А.Дюрер. Автопортрет.

ЯН ВАН ЭЙК.Портрет четы Арнольфини.

ЯН ВАН ЭЙК.Мадонна канцлера Ролена

Раннее Возрождение в Италии. Творчество Мазаччо («Чудо со статером», «Изгнание из рая»), Джотто («Бегство в Египет», «Взятие Христа под стражу»), Сандро Боттичелли («Весна», «Рождение Венеры»).

1))) Возрождение (Ренессанс-фр. «открытие», «возрождение»)-
-период, который знаменует конец средневековья и начало современности.
2)))Ренессанс возник вИталии в 14в.,распространился в западных странах и достиг наибольшего расцвета в середине 16в.

Отличительная черта эпохи Возрождения —

4))) =Термин Возрождение- был введён в обиход в XIX веке. 5))) В художественной культуре эпохи Возрождения - периоды: Предвозрождение(Проторенессанс) = 13 - 14в Раннее Возрождение =15в. Высокое Возрождение =конец 15в. - начало 16в.Позднее Возрождение =середина 16в.

Живопись Раннего Возрождения.

***Сандро Боттичелли(1445— 1510) итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы — один из самых ярких художников итальянского ренессанса (прозвище «Боттичелло» — «бочоночек» — унаследовал от старшего брата Джованни.

 

Он создал пленительные по своей возвышенности образы-аллегории и подарил миру идеал женской красоты.

Рождение Венеры, 1482 Весна, 1477-1478Галерея Уффици, ФлоренцияГалерея Уффици, Флоренция • композиции перегружены фигурами

Мазаччо - (1401-1428) -итальянский живописец - один из основоположников реалистического искусства Возрождения. Воплощал в религиозных сценах гуманистические представления о совершенной человеческой личности.

 

Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира.

• пластическая телесность • трехмерность фигур • монументализация и обобщение форм

Архитектура раннего средневековья

• Вместо напряженности готических ломаных линий - строгие, в большинстве случаев прямоугольные, формы. • Основные геометрические фигуры и тела в ренессансной архитектуре — квадрат,… • Как и все искусство Раннего Возрождения, архитектура этого времени носила переходный характер, когда стиль еще…

С.Боттичелли. Весна.

С.Боттичелли. Рождение Венеры.

Джото. Бегство в Египет.

Джото. Взятие Христа под стражу или поцелуй Иуды.

Джото. Взятие Христа под стражу или поцелуй Иуды.

Мазаччо. Изгнание из рая.

Мазаччо. Чудо со статиром.

Мазаччо. Чудо со статиром.

 

Композиция. Основные законы композиции.

1 Закон - ЦЕЛЬНОСТЬ. Это главный закон художественного отражения вообще. Невозможно ни рисовать, ни… 1) Первая черта закона цельности – неделимость композиции. Серьезно, «прочно» нарисовать что-либо можно, только…

Русские художники – пейзажисты.

4) В 60-70е годы XIX в. возникает и утверждается русский национальный пейзаж, опирающийся на завоевание художников предшествующих эпох. 5)…

В 60-х годах девятнадцатого века в России начался период формирования реалистической пейзажной живописи. Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании искусства. Побуждаемые высокими патриотическими чувствами, они стремились показать могучую и плодородную русскую природу как источник возможного богатства и счастья. В это время отдельные произведения пейзажистов уже смело могли встать в ряд с картинами жанровой живописи, являвшейся в то время самым передовым искусством. Серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Федор Васильев, Архип Куинджи, Василий Поленов, Исаак Левитан.

Одной из самых прославленных в истории русского пейзажа по праву считается скромная по размеру и незамысловатая по мотиву картина А.К.Саврасова “Грачи прилетели” 1872 г. А) Незатейливый пейзаж обычного русского села. Старая церковь с колокольней, длинный дощатый забор, крыши деревянных домов, несколько тонких, неказистых, искривленных берез на первом плане, на которых прилетевшие грачи вьют свои гнезда – все на полотне кажется необыкновенно простым и знакомым. И как в тоже время все это чудесно! По-весеннему чист и прозрачен воздух, он как будто бы напоен влагой. Снег стал уже рыхлым, появляются проталины. В одной из них (справа) отражаются голубое небо, белые облака, кусты, тонкие деревья. Пейзаж написан нежнейшими перламутровыми сочетаниями красок, светлых, легких, прозрачных. (возможно написание эпитетов на доске). А если долго внимательно смотреть на картину, она покажется звучащей: можно услышать негромкий перезвон колоколов, весенний гомон суетливых птиц. Б) Художник И.Н.Крамской назвал пейзаж “лучшим и действительно прекрасным”, так как в нем есть “душа” русской природы, ее лиричность и задушевность. (Возможно использование плаката с написанными словами Крамского И.Н.) В) Пейзаж небольшого селения превратился в образ Родины, в образ всей России.

***В 1871 году молодым художником Федором Александровичем Васильевым после поездки по Волге была написана картина “Оттепель” . Чувство, вызываемое пейзажем, неоднозначно, сложно. Это пронизывающая душу тоска, одиночество: открытая ветрам равнина, жутким выглядит лес на фоне низкой свинцовой тучи; заброшенной, сиротливой кажется заснеженная крестьянская изба, стоящая в стороне от дороги; грустным представляется положение путника с ребенком среди безмолвной равнины, на талой дороге, по которой ни пройти, ни проехать. ***Но к чувству бесприютности присоединяется и надежда на скорое весеннее пробуждение жизни. Все же потеплело, оттаяло в природе, мороз сдался – “оттепель”. И эти, казалось бы, противоположные чувства объединяются ощущением красоты и гармонии изображенного.

Красота и гармония достигаются композицией пейзажа, в которой выдержана внутренняя соразмерность, уравновешенность всех ее частей, где центром является группа высоких деревьев, и его живописью (теплые коричневые и холодные серые тона, составляющие

10) Художник-пейзажист И.И.Шишкин – непревзойденны1 мастер в написании соснового леса. А) На картине “Сосны, освещенные солнцем”- солнце золотит прямые стволы сосен, развертывается лесная жизнь со всеми ее приметами и подробностями. Срезая рамой верхушки стволов, этот прием мы заметили и в других его работах, художник усиливает впечатление огромных деревьев, которым, кажется, не хватает места на полотне. Мощные вековые сосны даны во всей своей красоте. Каждая сосна красива по-своему, но в целом, это единый мир природы, полный жизненных сил. Чудится терпкий запах сосен, кажется, что хрустнет под ногами сосновая шишка. Очень много солнца и света исходит от этой картины. Б) Среди всех произведений художника наиболее популярна картина «Утро в сосновом лесу». Её сюжет, возможно, был подсказан Шишкину К. А. Савицким. Есть другая версия, что толчком к появлению этого полотна послужил пейзаж «Туман в сосновом лесу» (1888), написанный, по всей вероятности, как и «Бурелом», под впечатлением от поездки в вологодские леса. «Туман в сосновом лесу», имевший успех на передвижной выставке в Москве мог вызвать у Шишкина и Савицкого желание написать полотно, повторяющее мотив прославленной картины, но с включением жанровой сцены (медведей). В) «Рожь».Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью. Шишкина называют “певцом русского леса”; большинство его полотен посвящено изображению лесных чащ, бора, полян. Г) Картины И.Шишкина воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет. Не задушевную тонкость, легкость и хрупкость, – то, что близко было в пейзажах средней полосы России Саврасову и Васильеву, – а ее мощь, размах, величие ценил выше всего Шишкин. Д) Именно в этих качествах русской природы он видел красоту, чувствовал ее активное положительное воздействие на человека, способное вдохновить на большие дела, на творческое созидание ради будущего родины.

11) А.И.Куинджи - великий русский художник-пейзажист, преподаватель, - было очень много общего с Шишкиным. А) Ему тоже было свойственно эпическое восприятие природы, изображение широты и спокойной мощи ее бескрайних просторов, высокого неба, плавного течения рек, его картины также несли положительный заряд оптимизма, они наполнены мажорным звучанием, здоровой силой, Б) но в то же время пейзажи Куинджи разительно отличаются от шишкинских, да и от произведений других живописцев. В) Куинджи увлекали эффекты освещения, цветовые контрасты, контрасты света и глубоких теней, и именно эта особенность, прежде всего, определяет своеобразие его творчества. Г) Особенно ярко его колористические искания проявились в ночных пейзажах: “Украинская ночь”, 1876 г. и “Лунная ночь на Днепре”,1880 г. Они-то и принесли громкую славу художнику, которого стали называть певцом лунной ночи. Д) Наибольший успех на выставке имела картина “Березовая роща”. Работая над этой картиной, Куинджи искал, прежде всего, наиболее выразительную композицию. Передний план погружен в тень — так подчеркивается насыщенность солнцем зеленой поляны. Солнечный день запечатлен в картине чистыми, звучными красками, блеск которых достигнут контрастом, сопоставлением цветов, очищенных до белизны. Необычайную гармонию цвету придает зеленый цвет, проникающий в голубой цвет неба, в белизну березовых стволов, в синеву ручья на ровной поляне. Эффект светоцветового контраста, при котором цвет не обеззвучен, а форсирован, создает впечатление ясности мира. Природа кажется недвижимой, она словно зачарована неведомой силой. Пейзаж устранен от бытовизма, что и сообщает ему некую чистоту. Е)Природа в “Березовой роще” Куинджи реальна и условна. “Березовая роща” не укладывалась полностью в пластику развитого реализма: мешали элементы декоративности. Вместе с тем картина слабо предвещала и романтические преобразования. Архип Куинджи выработал особую, только ему присущую манеру письма, построенную на контрастах света и тени.

12) Особым даром не только понимать, но и слышать русскую задушевную природу, обладал И.Левитан – русский художник-передвижник, мастер пейзажной живописи. А) Художник очень остро ощущал любовь к скромной русской природе. Б) Всмотритесь в картину “Март”. Радость весны, начала пробуждения, воскрешения природы от зимнего снега и холода. ***Художник замечательно написал высокое синее небо, играющее на пожухлом снегу сугробов, голубые, сиреневые и лиловые тени, помолодевшую сочную хвою елей и зеленовато-темные стволы осин, тянущихся к мартовским небесам и солнцу своими ветвями. От желтизны тесаных досок, которыми обиты стены домика, веет солнечной теплотой. И хотя о присутствии в нем человека говорит лишь открытая дверь и стоящая у крыльца каурая лошадка, запряженная в легкие дровни, вся картина наполнена той особой человеческой радостью, которая приходит весной. В) “С природой одною он жизнью дышал”, - эту строчку из стихотворения Баратынского Левитан привел в одном из писем, объясняя, что в слиянии человека и природы он видел смысл работы пейзажиста.****Торжественна, празднична красота “пышного природы увяданья” (Пушкин А.С.) на полотне “Золотая осень”. Это пейзаж – настроение, в нем передано самое обычное состояние теплого осеннего дня, так знакомого всем. Еще не облетели листья на деревьях, но они уже пожелтели, порыжели, усыпают зеленую траву золотым ковром. Г) И.И.Левитан написал один из самых проникновенных пейзажей “Вечерний звон”, воплощающий мечту художника о счастье, о мире, где нет зла и торжествуют благие начала. Красиво вечернее освещение, которое румянит и золотит легкие облака и белые стены монастырских зданий. Течение реки уводит взгляд вдаль. В центре композиции окруженный осенним лесом монастырь и высокое предзакатное небо. Кажется, что на картине отдыхает и природа, и солнце, и люди под красивый звон колоколов. Д) Так, вглядываясь в картину «Владимирка» И. Левитана невольно перед глазами всплывают образы каторжников, сосланных в Сибирь. Недаром этот пейзаж был назван «историческим». Как знамение века, он несет потомкам живую боль современника, поднявшего голос в защиту угнетенных, в защиту справедливости. С жизненной правдивостью подлинного реализма в ней переданы и воздушная среда, и пространство, и свет. Серебристо-серые холодные тона необыкновенно красочны и богаты. Каждый цвет обладает множеством дополнительных оттенков и от этого становится удивительно насыщенным и звучным. Роль композиции в картине Левитана также почти незаметна. Ощущение непосредственности, естественности композиции усиливает реалистическую жизненность произведения и обостряет выразительность той главной мысли, которая с такой искренностью вылилась из души художника. Его глубокое сочувствие угнетенных, живая боль и сострадание к судьбам народа воплотились в общем настроении природы. Е) «У омута»- одна из трех больших картин Левитана, написанных в первой половине 1890-х годов, и входящих в так называемую "мрачную трилогию" (наряду с Владимиркой и Вечным покоем). Картина была слишком личной для художника, а потому встретила непонимание у многих. В частности, Репин сказал о ней: "Надо же, какая большая картина, и все для какого-то пейзажа!". Михаил Нестеров же, близкий друг художника, верно заметил, что Омут отражает некий глубокий личный метафизический опыт художника, которому приходилось немало бродить над пропастями нашей жизни. И.Левитан, как истинный мастер лирического пейзажа, любил писать натуру в переходный период, когда одно состояние природы сменяет другое. Вывод-обобщение. Пейзажи, созданные творцами русской художественной культуры, живут в нашем сознании как задушевные картины русской природы и в то же время погружают в мир прекрасных чувств, глубоких мыслей, вечных духовных ценностей. Каждый из художников-пейзажистов был самобытным живописцем, создавшим свой уникальный образ русской природы. Таким образом, пейзажная живопись, вступив в свой реалистический этап, вышла из разряда второстепенных жанров и заняла одно из почетных мест рядом с такими жанрами, как портрет и бытовая живопись. В условиях русской общественной жизни этого периода лучшие художники-демократы не могли ограничиваться показом только темных сторон действительности и обращались к изображению положительных, прогрессивных явлений. И это в большой мере способствовало расцвету русской пейзажной живописи конца 19-начала 20 века. В России жанр пейзажа возник гораздо позже, чем в Европе, но, несмотря на это, его развитие было стремительным. Понадобилось лишь столетие, чтобы к началу XIX века он стал самым популярным, а во второй половине XIX в. достиг своего расцвета.

И.Левитан

И.Шишкин

 

 

А.Куинджи

 

 

 

И.Левитан. У омута.

 

 

И. Левитан. Владимирка.

 

 

 

И.Левитан. Март.

 

 

И.Левитан. Золотая осень.

 

 

 

И.Шишкин. Рожь.

 

И.Шишкин. Утро в сосновом лесу.

 

И.Шишкин. Сосны, освещенные солнцем.

 

 

И.Шишкин. Сосны, освещенные солнцем.

 

 

 

А.Куинджи. Березовая роща.

 

 

 

А.Куинджи. Лунная ночь на Днепре.

 

А.Куинджи. Украинская ночь.

 

 

Пейза?ж— жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа.

В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный), индустриальный пейзаж, по временам года.

Особую область составляет изображение морской стихии — марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический и эпический характер.

 

В пейзаж входят некоторые основные элементы:

Земная поверхность

Растительность

Перспектива вида

Картина также может включать:

водоёмы (озера, моря, реки)

фауну

людей

свет

метеорологические образования (облака, дождь).

 

Пейзажи по пространственному принципу подразделяются на открытые, полуоткрытые, полузакрытые и закрытые.

Элементы пейзажа встречаются в искусстве глубокой древности: в изображениях сцен охоты, рыбной ловли, битв. Однако вплоть до эпохи Возрождения пейзажные мотивы неотъемлемы от изображения человека, они лишь указывают на место действия, часто довольно условно (как, например, в русских иконах). Художники Ренессанса обращаются к непосредственному изучению натуры, разрабатывают принципы перспективного построения пейзажного пространства. Исключительно важное место занимает пейзаж как самостоятельный жанр в искусстве средневекового Китая, где вечно обновляющаяся природа считалась наиболее наглядным воплощением жизни. В эпоху классицизма повышается содержательность пейзажа; наряду с топографическим видовым появляются эмоционально насыщенные героический и идиллический варианты пейзажа. Ведущим жанром становится пейзаж в творчестве французских импрессионистов, работавших на рубеже XIX и XX вв.; важнейшим компонентом их произведений стала вибрирующая световоздушная среда, словно оживляющая изображенные на полотнах уголки природы.

В России пейзаж как самостоятельный жанр складывается в начале XVIII в., поначалу это чисто видовой пейзаж, преобладавший в основном в графике.

Позднее в нем находят отражение мотивы и настроения, характерные для того или иного художественного направления - классицизма, романтизма и др. Значительный вклад в развитие пейзажного жанра внесли художники-передвижники (И. И. Шишкин, А. К. Саврасов, Ф. А. Васильев, А. И. Куинджи, И. И. Левитан и др.), в их полотнах реалистическое изображение природы сочетается с драматическими или лирическими настроениями, с возвышенно-философским толкованием пейзажа.

В первой половине XIX в. в живописи романтизма пробуждается интерес к передаче различных состояний природы, своеобразию национального пейзажа, проблемам пленэра. Романтические традиции играют важную роль в русском пейзаже середины XIX в.

У художников-романтиков пейзаж становится важным средст­вом восприятия чувства любви к родине и формирования демокра­тических умонастроений. Эта роль пейзажа характерна и для русской живописи. Наиболее ясно она выступает в искусстве И. И. Шишкина, А. Куинджи, И. И. Левитана и других. В их произ­ведениях пейзаж становится средством для выражения очень глу­бокого гражданского содержания.

В искусстве XX в. признанными мастерами пейзажа стали художники прогрессивных направлений, опирающиеся на реалистическую традицию мирового искусства. В XX столетии получают развитие такие разновидности пейзажа, как городской и индустриальный.

Для советского пейзажа, проникнутого духом социалистического реализма, свойственны жизнеутверждающие образы, воспевающие красоту родной природы и красоту преобразованной трудом советских людей земли. Уже в 1920-е гг. зародился советский индустриальный пейзаж (Б. Н. Яковлев «Транспорт налаживается».,

 

Известные российские пейзажисты

Васильев, Фёдор Александрович

Куинджи, Архип Иванович

Левитан,

Исаак Ильич

Поленов, Василий Дмитриевич

Рерих, Николай Константинович

Саврасов, Алексей Кондратьевич

Шишкин,

Иван Иванович

Юон, Константин Фёдорович

 

Понятие о музыкальных жанрах.

Понятие музыкального жанра может рассматриваться в более широком и более узком аспекте. В более широком говорят об оперном, симфоническом, камерном… Ряд исследователей (в частности В.Цукерман) различают первичные и вторичные… Е. Назайкинский выделяет три исторических формы функционирования жанров — синкретическую, эстетическую и виртуальную.…

Первичные и вторичные музыкальные жанры

О.В.Соколовым предложен принцип жанровой классификации, объединяющий деление жанров на художественные и прикладные и их разграничение на собственно… - «чистая» музыка - инструментальные художественные жанры, - художественные жанры взаимодействующей музыки («музыка + »),

Классификация жанров

Далее жанры подразделяются по количественному признаку: если исполнение поручено одному или нескольким (но немногим) исполнителям, то жанры называются камерными - камерно-инструментальными, камерно-вокальными (лат. camera - комната), а если в исполнении заняты большие коллективы музыкантов, то прежде всего встает вопрос о соответственном помещении - концертном зале или театре, а оно, как мы уже знаем, определяет и соответственный круг жанров: концертных (симфоническая картина или поэма, увертюра-фантазия и инструментальный концерт, сюита и симфония, оратория и кантата) и театральных (опера и оперетта, балет и мюзикл).

Важно помнить, что жанровые границы очень подвижны. Музыка балета И.Ф.Стравинского «Петрушка» (театральный жанр), исполненная в концерте, воспринимается как программная сюита (концертный жанр, произошла жанровая транспозиция). Часть фортепианной сонаты Ф. Шопена (камерно-инструментальный жанр), оркестрованная и исполненная на похоронах, звучит как музыка прикладная (жанровая трансформация).

Первичные жанры отличаются сравнительной стабильностью - песни, танцы и марши существуют столетиями, не меняя своих коренных свойств. Вторичные жанры гораздо более изменчивы. Некоторые из них живут долго (хотя и меньше, чем первичные), другие возникают лишь на короткий срок. Произведения в жанре сформировавшейся в начале XVII века оратории появляются и в наше время, а жанры канта, концерта, зародившиеся столетием позже оратории, давно уже вышли из употребления.

Развитие жанров идет разными путями. Наиболее наглядна их историческая трансформация. Примером может послужить жанр клавирной, а затем фортепианной сонаты, к которому обращались А.Скарлатти, Л.Бетховен, Ф.Лист, А.Н.Скрябин, С.С.Прокофьев, Р. К. Щедрин, А. Г. Шнитке. В других случаях мы наблюдаем расслоение, расщепление жанра. Так, появившийся в Австрии и Южной Германии во второй половине XVIII века вальс стал родоначальником бального вальса, вальса-бостона, джаз-вальса.

Эволюция жанров

Еще один путь жанрового развития - взаимодействие, синтез уже сложившихся самостоятельных жанров. Л. Бетховен, Г. Малер, Д.Д.Шостакович вводили в… Эволюция жанров продолжается и в наши дни, порождая новые типы, виды и… Самый распространенный и самый простой жанр инструментальной музыки - пьеса, сравнительно небольшое, но…

Основные жанры европейской профессиональной музыки

Жанровых разновидностей пьесы достаточно много: это ноктюрн и рапсодия, рондо и вариации, поэма и фантазия. Одни из них обладают характерными… Существует четко выраженная тенденция объединять отдельные небольшие пьесы в…