Художники Возрождения в Италии 2 половины 15 века

Формирование искусства Высокого Возрождения началось в конце 15 века. Колыбелью его была Флоренция, откуда вышли крупнейшие мастера — Леонардо да Винчи и Микеланджело. Традиции флорентинской школы и, в особенности, раннего кваттроченто были основой, на которой выросло искусство Высокого Возрождения.
Леонардо да Винчи. Первым художником Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452—1519), наиболее ярко воплотивший в себе порожденный эпохой Возрождения тип художника-ученого. Величайший живописец своего времени, пробовавший силы и в области скульптуры и архитектуры, Леонардо был также великим естествоиспытателем, математиком, механиком и инженером-изобретателем. Его опыты оставили неизгладимый след в истории европейской науки и техники. Во всех своих начинаниях Леонардо был исследователем и новатором, и это сильнейшим образом сказалось и на его искусстве. Он оставил немного работ, отчасти из-за того, что научные интересы поглощали у него много времени и сил, отчасти из-за отсутствия возможностей для воплощения своих замыслов. 1466 году в мастерскую известного скульптора и живописца Андреа дель Вероккио. В 1472 году он закончил обучение и вступил в гильдию живописцев. Самой ранней работой Леонардо считается фигура ангела, дописанная им в картине его учителя «Крещение Христа» (ок. 1472, Флоренция, Уффици). «Мадонна Бенуа» (1478). «Поклонение волхвов» (1481—1482, Флоренция, Уффици).
Миланский период — самый плодотворный в творчестве Леонардо да Винчи, здесь он создал ряд лучших своих произведений. Вскоре по приезде он начал работать над большим скульптурным произведением — статуей отца Лодовико Моро Франческо Сфорца.

«Мадонна в гроте» (1483—1494, Париж, Лувр). между 1494 и 1498 годами Леонардо написал и самое прославленное свое произведение — фреску в трапезной монастыря Сайта Мария делла Грацие близ Милана «Тайная вечеря». В 1499 году он покинул Милан и направился во Флоренцию, где пробыл с перерывами около 7 лет (до 1506 г.). В эти годы он работал над большим заказом флорентийской синьории — фреской для зала Совета пятисот «Битва при Ангиари». В эти же годы (1503—1506) Леонардо написал знаменитый портрет Моны Лизы Джоконды (Париж, Лувр), явившийся новым словом в портретном искусстве. Несмотря на отрывочный характер записей «Книга о живописи» представляет огромный интерес. Леонардо выступает в ней как теоретик реалистического искусства, за которым он признает также большое познавательное значение.
Живопись для него одновременно «и наука и законная дочь природы». В заметках Леонардо содержится много сведений по анатомии, перспективе, встречаются наброски пропорций человеческого тела. Во многих отношениях он опередил своих современников. Так, он впервые высказал мысль об относительности понятия прекрасного, настаивал на необходимости изучения и использования не только линейной, но также и воздушной перспективы, знал о рефлексах и взаимодействии цветов.

Рафаэль. Из всех итальянских художников первой половины 16 века наиболее полно воплотил идеалы Высокого Возрождения Рафаэль (1483—1520). В отличие от Леонардо да Винчи он не был новатором. Значение его искусства не в открытии новых путей, но в том, что он синтезировал достижения своих предшественников. Верный традициям гуманизма, Рафаэль создал в своих произведениях образ совершенного человека, поместив его в окружение величественной архитектуры и пейзажа. В произведениях Рафаэля нашел наиболее яркое выражение гуманистический идеал совершенной гармонии человека и его окружения, идеал, который вскоре был опрокинут в Италии ходом исторических событий. Ясному, безмятежному духу его творений еще совершенно чуждо то тяжелое. разочарование, которое спустя всего лишь несколько лет после его смерти начинает сказываться в произведениях лучших художников Италии. По-видимому, он учился сначала у отца, а после его смерти у местного мастера Тимоттео Витти. В 1500 году он поехал в Перуджию и провел 4 года в мастерской известного живописца Пьетро Вануччи, прозванного Перуджино. «Мадонна Конес-табиле» (ок. 1502). «Обручение Марии» (1504, Милан, Брера) После краткого пребывания в Урбино он направился во Флоренцию, где в тот момент работали два величайших мастера современности — Леонардо да Винчи и Микеланджело. Некоторые работы, выполненные Рафаэлем во Флоренции, выдают явное влияние этих мастеров. Так, например, в портрете Маддалены Дони (Флоренция, галерея Питти) Рафаэль повторил позу и композицию «Джоконды», «Положении во гроб» (1507, Рим, галерея Боргезе)
Однако изучая произведения Леонардо и Микеланджело и подчас даже подражая им, Рафаэль не был подавлен их величием и сумел быстро найти собственный путь. Именно во время пребывания во Флоренции (1504—1507) он написал ряд мадонн, создавших ему широкую известность и выдвинувших его в первый ряд итальянских художников. Если в «Мадонне Грандунка» (Флоренция, галерея Питти, ок. 1505) он еще скован в передаче движения и пространства и стремится главным образом к достижению пластического эффекта, то в таких картинах, как «Мадонна со щегленком» (1505, Флоренция, Уффици), «Прекрасная садовница» (1507, Париж, Лувр) или «Мадонна среди зелени» (1505—1507, Вена, Художественно-исторический музей), он добивается единства пространства и фигур, свободы движения и расположения групп. В этих картинах он создает новый образ мадонны — земной и реальный, но вместе с тем опоэтизированный, лишенный черт повседневной обыденности. Последняя большая картина Рафаэля, написанная во время пребывания во Флоренции, — «Мадонна под балдахином» (1507, Флоренция, галерея Питти), своей композицией предваряет уже величественные алтарные картины римского периода.
С 1499 года здесь работал архитектор Донато Бра-манте, в 1505 году Юлий II привлек к себе Микеланджело, а в 1508 году в Рим " прибыл Рафаэль.
Сразу же по приезде Рафаэль получил от папы большой заказ — роспись личных папских покоев (станц) в Ватикане. В 1509 году он приступил к работе в так называемой «Станце печати» (1509—1511). Выдающийся успех первых фресок побудил папу поручить ему роспись следующих комнат, над которыми он работал вплоть до 1517 года. В этих фресках во всем блеске развернулась сильнейшая сторона дарования Рафаэля — талант декоратора и поразительное мастерство композиции.
Выбор сюжетов ватиканских росписей несомненно предопределен был папой. Все они подобраны с таким расчетом, что, хотя в них повествуется о давних временах, они могли восприниматься в то время как идеальное воплощение современных событий. В этих фресках в иносказательной форме нашли отражение и надежды на освобождение Италии от вторгшихся в нее иноземцев, и стремление папства подчеркнуть свое значение в борьбе за освобождение и объединение страны и одновременно восстановить пошатнувшийся авторитет католического престола.
Сюжет первой из фресок, называемой обычно «Диспутом», — спор отцов церкви о причастии. Эта фреска посвящена изображению деятелей религии, однако наряду с представителями небесной и земной церкви здесь присутствуют и художники, и поэты Италии: Данте, Фра Беато Анджелико, Браманте.
В парной росписи, именуемой «Афинская школа», представлено собрание философов и ученых античности. Совершенно иначе строятся росписи, расположенные на боковых стенах, прорезанных окном и дверью. Это «Парнас», представляющий собрание величайших поэтов классической древности и итальянского Возрождения, и «Юриспруденция», где изображены основоположники светского и церковного законодательства — император Юстиниан и папа Григорий IV. В 1511—1514 годах Рафаэль расписал так называемую «Станцу Илиодора». В самой прославленной фреске этой станцы — «Изгнании Илиодора» изображена легенда о сирийском военачальнике, который пытался похитить сокровища храма, но был изгнан и наказан небесным всадником и ангелами. В «Мессе в Больсене» изображено чудесное изобличение священника, не верившего в истинность таинства причастия. Присутствующему при этом папе Рафаэль снова придал черты Юлия II, благодаря чему и это произведение приобрело современное звучание. Помимо изображения Юлия, здесь имеется еще ряд превосходных портретов. Две других фрески — «Освобождение апостола Петра» и «Папа Лев I, останавливающий вторжение Аттилы в Рим» — выполнены уже после смерти Юлия II при его преемнике Льве X. В них в иносказательной форме повествуется о чудесном спасении Италии от врагов. Особенно удалось Рафаэлю «Освобождение апостола Петра», отличающееся оригинальностью композиционного построения и смелостью световых эффектов.
Росписи в станцах печати и Илиодора представляют одну из вершин искусства Высокого Возрождения. Выразив лучшие надежды своих современников, Рафаэль одновременно воплотил в них гуманистический идеал прекрасного и совершенного человека, живущего в атмосфере гармонии с окружающими его людьми и средой или торжествующего справедливую победу. В «Афинской школе», «Диспуте», «Изгнании Илиодора» он создал многофигурные композиции со сложным развитием действия и вместе с тем предельно простые и ясные по своей архитектонике, подчиненные строжайшим законам логики. К сожалению, Рафаэлю не удалось собственноручно довести до конца росписи ватиканских станц. Заваленный заказами, он вынужден был поручить окончание работы своим ученикам, которым и принадлежит большая часть росписей в следующей станце — «Пожар»— и фреска в зале Константина, выполненная уже после смерти художника. Росписи учеников Рафаэля, хотя и сделаны по его рисункам, лишены гармонии и ясности, в высокой мере присущих всегда его собственным работам.
Наряду с фресками ватиканских станц Рафаэль выполнил еще целый ряд монументально-декоративных работ. Среди них выделяются 10 картонов для ковров, вытканных в Брюсселе и украсивших стены Сикстинской капеллы в Ватикане. Сюжетами их послужили эпизоды из истории апостола Петра: «Чудесный улов», «Передача ключей апостолу Петру», «Наказание Аннании», «Исцеление хромого» и другие. В 1516—1517 годах Рафаэль расписал виллу Агос-тино Киджи (ныне вилла Фарнезина), использовав сюжеты, почерпнутые из античной литературы — историю Амура и Психеи и легенду о нимфе Галатее. Современники особенно высоко ценили фреску «Триумф Галатеи», в которой художнику удалось передать стремительность движения нимфы, стоящей на влекомой тритонами по волнам раковине, и, вместе с тем, создать впечатление безупречного равновесия и гармонии. В эти же годы под руководством Рафаэля и по его замыслу были расписаны знаменитые лоджии в Ватикане, в которых широко использованы античные декоративные мотивы.
В годы пребывания в Риме Рафаэль написал большое количество станковых картин. Среди них много портретов, в том числе портреты папы Юлия II (1511— 1512), друга Рафаэля известного писателя Бальтасаре Кастильоне (ок. 1515, Париж, Лувр), дамы с вуалью (1517—1518, Флоренция, галерея Питти), кардинала (ок. 1518, Мадрид, Прадо). В эти годы он написал также несколько новых изображений «Мадонны». В некоторых из них он варьирует созданный им во Флоренции тип изображения Марии с младенцами Христом и Иоанном Крестителем. Таковы «Мадонна Альба» (ок. 1508, США), «Мадонна в кресле» (1516, Флоренция, галерея Питти) — две круглые картины, в которых Рафаэль достигает поразительной свободы группировки фигур, вместе с тем, подчиняя свою композицию ритму круглого обрамления. В ряде других «Мадонн», написанных в Риме, Рафаэль создал тип большой и величественной алтарной картины.
Среди последних особенно славится «Сикстинская мадонна» (ок. 1513, Дрезден, Картинная галерея) — одно из самых вдохновенных произведений художника.

Помимо живописи, он занимался также архитектурой, в которой проявил себя как один из крупнейших мастеров своего времени. После смерти Браманте с 1514 года он был руководителем постройки собора св. Петра.
Школа Рафаэля. Рафаэль оставил много учеников, среди которых следует упомянуть Джулио Романо (1492—1546), Джованни да Удинэ (1487—1546), Перино дель Вага (ок. 1500—1547). Однако творчество наиболее значительных из учеников Рафаэля выходит за пределы искусства Высокого Возрождения и развивается в рамках иного художественного направления — маньеризма.
Микеланджело. Если в произведениях Леонардо да Винчи и Рафаэля ничто еще не предвещает близящегося кризиса гуманизма, то творчество третьего великого мастера — Микеланджело (1475—1564) уже отразило глубокие противоречия его времени. Подобно Леонардо и Рафаэлю, Микеланджело до конца оставался верен реалистической традиции Ренессанса и гуманистисческим идеалам, однако намного пережив этих мастеров, он своими глазами видел унижение Италии, крушение ее культуры. Воспевая могучего и прекрасного, сильного телом и духом человека, Микеланджело не мог в то же время не видеть и его трагической судьбы, и искусство его, мятущееся и страстное, воплотило тревогу и предчувствие грядущих катастроф.
учился сначала в латинской школе, а затем в мастерской флорентийского живописца Доменико Гирландайо. стал обучаться скульптуре у одного из поздних учеников Донателло Бертольдо да Джованни, который был в то время хранителем так называемых «садов Медичи» — ценной коллекции древней и новой скульптуры. Почти сразу же Микеланджело обратил на себя внимание Лоренцо Великолепного и был принят в среде группировавшихся вокруг него поэтов, художников и ученых. К этому времени относятся первые работы Микеланджело — мраморные рельефы «Мадонна у лестницы» (1490—1492, Флоренция, музей Буонарроти) и «Битва кентавров» (1492, Флоренция, музей Буонарроти). сделал несколько фигур для церкви св. Петрония, среди которых наиболее известен коленопреклоненный ангел со светильником. Возвратившись ненадолго во Флоренцию (1495), он уже в 1496 году снова покинул ее и направился в Рим, где оставался до 1500 года.
В Риме Микеланджело выполнил две работы, которые принесли ему славу — статую «Вакха» (1496—1497, Флоренция, Национальный музей) и группу «Пьета» (1498—1499, Рим, собор св. Петра). в 1501 году Микеланджело взялся изваять из лежавшей без употребления испорченной в 15 веке глыбы мрамора огромную статую «Давида». Статуя эта была закончена в 1504 году. В отличие от мастеров 15 века, много раз обращавшихся к этой теме, Микеланджело изобразил Давида не торжествующим победу, но с грозно нахмуренным лицом, в момент, когда он готовится к схватке. Необычайная мощь фигуры не оставляет сомнения в исходе битвы. Современники высоко оценили статую, в которой они видели не только изображение библейского героя, но, прежде всего, воплощение гражданской доблести и верности долгу. Когда статуя была готова, специальная комиссия с участием виднейших художников приняла решение установить ее перед городской ратушей.
К этому времени относятся и первые живописные работы Микеланджело — тондо (круглая картина) «Святое семейство» (ок. 1504, Флоренция, Уффици) и подготовительный картон для фрески в зале Совета пятисот во дворце Синьории «Битва при Кашине. 1506—1508 годы Микеланджело провел в Болонье, работая над погибшей впоследствии бронзовой статуей Юлия II для фасада церкви св. Петрония. Когда в 1508 году он закончил эту работу и вновь прибыл в Рим, папа поручил ему расписать фресками плафон Сикстинской капеллы в Ватикане.
Микеланджело работал над росписью четыре года. В девяти полях центральной части плафона он изобразил ветхозаветные сюжеты — от «Отделения света от тьмы» до «Опьянения Ноя». По сторонам, на склонах свода он поместил на тронах двенадцать огромных фигур пророков и сивилл. Углы плафона заняты изображением четырех драматических библейских легенд — «Битвы Давида с Голиафом», «Истории Юдифи», «Падения Амана» и «Медного Змия», целом эта огромная роспись (48 м длины и 13 м ширины), заключающая 343 фигуры, Микеланджело закончил плафон осенью 1512 года. Вскоре после этого умер папа Юлий II, и наследники его, согласно завещанию, заказали Микеланджело надгробие папы. Новый проект, сделанный им, был уже гораздо беднее первого. Но и этот проект не был осуществлен. Преемники Юлия II, беспрестанно отвлекая художника своими заказами, вынуждали его откладывать работу над надгробием Юлия, которое было завершено лишь в 1545 году.
В 1513—1516 годы Микеланджело сделал для этого надгробия несколько статуй, большая часть которых не вошла в окончательный вариант. Таковы две фигуры рабов — «Восставший раб» и «Умирающий раб» (Париж, Лувр), которые должны были украсить нижний ярус надгробия. Микеланджело изобразил здесь могучих, прекрасных юношей, связанных путами, которые они бессильны разорвать.

В 1516 году преемник Юлия II папа Лев X из рода Медичи поручил Микеланджело украсить фасад фамильной церкви Медичи во Флоренции Сан Лоренцо. Четыре года потратил Микеланджело на составление проекта фасада, который, по его словам, должен был стать «зерцалом всей Италии», и на добычу мрамора. Однако к работе он так и не приступил. Когда все уже было подготовлено, выяснилось, что папа раздумал, и в 1520 году договор был расторгнут.
Одним из крупнейших произведений Микепанджело является пристроенная им к церкви Сан Лоренцо и украшенная скульптурными надгробиями капелла Медичи. Гробницы герцогов Джулиано Немурского и Лоренцо Урбинского в капелле Медичи. на покатых крышках саркофага фигуры «Утра», «Вечера», «Дня» и «Ночи». Изображая герцогов, Микеланджело не стремился передать портретное сходство.

Между 1535—1541 годами он написал по поручению папы Павла III огромную фреску на алтарной стене Сикстинской капеллы — «Страшный суд». Скульптурные работы, выполненные Микеланджело в Риме, немногочисленны. бюсте «Брута» (1537—1538, Флоренция, Барджелло) . в 1545 году Микеланджело смог завершить в сильно урезанном виде надгробие Юлия II, украшенное только тремя его собственноручными статуями. С 1546 года, после смерти Антонио да Сангалло, он был назначен строителем собора св. Петра. Последние скульптурные работы его — две «Пьеты»(1548—1555, Флоренция, Сайта Мария дель Фиоре; 1546, Рим, Палаццо Сан Северино) остались незавершенными. Творчество Микеланджело имело исключительный резонанс. В течение десятилетий он был властителем дум молодых художников, однако никто из подражателей не сумел достигнуть его глубины, страстности, силы.

Одновременно с ними во Флоренции и некоторых других городах Италии работали художники, в творчестве которых нашли выражение принципы искусства Высокого Возрождения. Среди них следует назвать флорентийского живописца Фра Бартоломмео (1472—1517), яркого и одаренного мастера, работами которого вдохновлялся в юности Рафаэль, и, в особенности, Андреа дель Сарто.
Андреи дель Сарто. Ученик Пьеро ди Козимо, Андреа дель Сарто (1486—1531) в юности испытал воздействие Леонардо да Винчи и Фра Бартоломмео, а в более зрелую пору — Микеланджело. Он знал и ценил также графику Дюрера и неоднократно заимствовал из нее отдельные мотивы. Андреа дель Сарто — тонкий колорист, картины его отличаются теплой, золотистой красочной гаммой и легкостью светотени. Наряду с классическими чертами его произведениям, в особенности поздним, присущи беспокойная взволнованность и некоторая изнеженность и хрупкость образов. Деятельность Андреа дель Сарто протекала почти исключительно во Флоренции, которую он покидал, по-видимому, лишь в 1518—1519 годах, когда по приглашению французского короля ездил во Францию. Андреа дель Сарто оставил большое количество фресковых росписей и станковых картин. Среди них следует упомянуть «Рождение Марии» (фреска дворика церкви св. Аннунциаты во Флоренции, 1514), «Благовещенье» (1515, Флоренция, галерея Питти), «Мадонна с гарпией» (1517, Флоренция, Уффици), цикл фресок гризайлью в монастыре «босоногих братьев» во Флоренции из истории Иоанна Крестителя (1511—1526).
Корреджо. Несколько особняком стоит в искусстве первой половины 16 века пармский художник Антонио Аллегри, прозванный по месту рождения Корреджо (1494—1534). Возвышенное величие и героический пафос искусства Высокого Возрождения уступают в его произведениях место изяществу, грации, игривости. Многие черты, свойственные работам Корреджо, — склонность к динамическому построению композиции, подвижность фигур, необычные ракурсы, контрасты света и тени, иллюзорность — впоследствии нашли продолжение в искусстве итальянского барокко.
Мы мало знаем о юности Корреджо. Имя его учителя неизвестно. В ранних его произведениях, как, например, в «Мадонне со св. Франциском» (1515, Дрезденская галерея), сказалось некоторое влияние Мантеньи и феррарской живописи, из чего заключают, что он посетил Мантую и, может быть, Феррару. Уже в этом произведении проявились характерные для Корреджо черты — изящество и светская галантность, а также стремление как бы вовлечь зрителя в действие (Б этом отношении показателен жест Иоанна Крестителя, обращающегося к зрителю).
Расцвет творчества Корреджо начинается с приезда его в Парму около 1520 года. Возможно, что незадолго до того он посетил Рим. Первой большой его работой была роспись купола церкви Сан Джованни Эванджелиста «Вознесение Христа». От большинства декоративных росписей того времени она отличается смелостью ракурсов и стремлением и иллюзорному изображению как бы парящих над головами зрителя фигур. К этому же времени относится и ряд станковых картин — «Мадонна со св. Себастианом» (1525, Дрезденская галерея) и другие.
В 1526 году Корреджо написал в куполе пармского собора «Вознесение Марии». В этом произведении получили дальнейшее развитие те новые принципы композиции, которые мы отмечали уже в росписи церкви Сан Джованни Эванджелиста. Корреджо исходит здесь из стремления вызвать у зрителя иллюзию раскрытого плафона, через который виднеется небо с парящими в нем бесчисленными фигурами. В этой массе колеблющихся и мелькающих тел лишь с трудом можно выделить фигуру возносящейся Марии. С большим мастерством написал Корреджо видимые в самых неожиданных ракурсах фигуры, для изображения которых он пользовался небольшими восковыми моделями.
К числу наиболее прославленных поздних произведений Корреджо относятся «Мадонна со св. Иеронимом» (1528, Парма, музей), «Рождество Христово», «Ночь» (1530, Дрезденская галерея), «Мадонна со св. Георгием» (1532, Дрезденская галерея) и ряд картин на мифологические сюжеты («Леда», «Ганимед» и др.). Среди этих картин особенно широкой известностью издавна пользуется «Ночь», вызвавшая в 17 веке большое количество подражаний. Наряду со смелым асимметричным построением в этой картине особенно обращает на себя внимание необычный эффект ночного освещения.