рефераты конспекты курсовые дипломные лекции шпоры

Реферат Курсовая Конспект

Периодизация искусства эпохи Возрождения.

Периодизация искусства эпохи Возрождения. - раздел Экономика, В.Н. КОЛЕСНИК. КООПЕРАЦИИ ЭКОНОМИКИ И ПРАВ Периодизация Возрождения Определяется Верховной Ролью Изобразительного Искусс...

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изобразительного искусства в его культуре. Этапы истории искусства Италии — родины Ренессанса — долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют:

- вводный период, Проторенессанс («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320 гг.), частично совпадающий с периодом дученто (XIII в.), а также треченто (XIV в.);

- кватроченто (XV в.);

- чинквеченто (XVI в.).

Хронологические рамки столетия, конечно, не вполне совпадают с определенными периодами культурного развития: так, Проторенессанс датируется концом XIII в., Ранний Ренессанс кончается в 90-х гг. XV в., а Высокий Ренессанс изживает себя уже к 30-м гг. XVI в. Он продолжается до конца XVI в. лишь в Венеции; к этому периоду чаще применяют термин «поздний Ренессанс». Эпоха дученто, т.е. ХIII век явилась началом ренессансной культуры Италии – Проторенессеансом. Более общими периодами являются:

- Раннее Возрождение, когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, творчески преобразуя ее;

- Среднее (или Высокое) Возрождение;

- Позднее Возрождение, особой фазой которых стал маньеризм.

Новая культура стран, расположенных к северу и западу от Альп (Франция, Нидерланды, германоязычные земли), совокупно именуется Северным Возрождением; здесь роль поздней готики (в том числе такого важнейшего ее, «средневеково-ренессансного» этапа как «интернациональная готика» или «мягкий стиль» конца XIV-XV вв.) была особенно значительна. Характерные черты Ренессанса ярко проявились также в странах Восточной Европы (Чехия, Венгрия, Польша и др.), сказались в Скандинавии. Самобытная ренессансная культура сложилась в Испании, Португалии и Англии.

Итак, объединяя предложенные деления искусства Ренессанса, можно выделить следующие этапы:

- Проторенессанс (предвозрождение), треченто — вторая половина XIII века - XIV век;

- Раннее Возрождение, кватроченто - XV в., соответствует времени зарождения капиталистического производства в отдельных городах Италии, Германии, Нидерландах;

- Высокого Возрождение, чинквеченто - 90-е гг. XV в. - первая треть XVI в.;

- Позднее Возрождение и маньеризм - вторая половина XVI в. — первая треть XVII века.

В разных странах оно проявило себя по-разному. Так, в Нидерландах не было этапа Высокого Возрождения, а в Германии - позднего. Классической страной Возрождения была Италия, где ясно выделяются периоды так называемого проторенессанса (предвестия Возрождения), раннего, Высокого и позднего Возрождения, причем в рамках позднего Возрождения наряду с гуманистическим искусством распространение получает упадочное маньеристическое направление.

3. «Отцы» Возрождения. Художественные открытия в итальянском искусстве в эпоху раннего Возрождения.

В XIV е. завершается эпоха Средневековья и закладываются основы для развития гуманистической культуры. Литературу эпохи воодушевляют величайшие творения Данте, Петрарки и Боккаччо, тогда как в изобра­зительном искусстве наступает оживление, связанное с живописными новациями Джотто и мастеров сиенской школы: в первой половине XIV в. Флоренция и Сиена выступают главными действующими лицами на художественной сцене. Лишь эпидемия чумы 1348 г. на время прерывает богатые творческие начинания той эпохи. Конец треченто отме­чен расцветом так называемой интернациональной готики, и Италия выделяется многими видными представителями этого стиля.

Европейский феномен, но с четко обозначенными флорентийскими корнями. Возрождение заявляет о себе возвратом к идеальным формам классического искусства и изменением представлений о смысле и назначении деятельности художника, понимаемой теперь не только в своем практическом приме­нении, но как важный инструмент познания и исследования реальности. Главными проводниками этой новой установки являются Брунеллески, Донателло, Мазаччо.

Флорентиец Филиппе Брунеллески (1377–1446) создал строго рациональную архитектуру и впервые сформулировал законы перспективы, нового метода измерения пространства и его воспроизведения на плоскости.

Уже первое архитектурное произведение Брунеллески - величественный восьмигранный купол Флорентийского собора (1420-1436), является первым крупным памятником архитектуры Возрождения и воплощением его инженерной мысли, так как был возведен с помощью специально изобретенных для этого механизмов. После 1420 года Брунеллески стал самым известным архитектором Флоренции.

Одновременно с сооружением купола, в 1419—1444 годах Брунеллески руководил постройкой приюта для сирот — Воспитательного дома (Оспедале ди Санта Мария дельи Инноченти), который по праву считается первым памятником стиля Ренессанс в архитектуре. Италия еще не знала здания, которое было бы так близко к античности по своему строю, естественности облика и простоте форм. К тому же это был не храм или дворец, а муниципальный дом – приют для сирот. Графическая легкость, дающая ощущение свободного, ничем не стесненного пространства, стала отличительной особенностью этого здания, и впоследствии составляла неотъемлемую черту архитектурных шедевров Филиппо Брунеллески.

Он открыл основные законы линейной перспективы, возродил античный ордер, поднял значение пропорций и сделал их основой новой архитектуры, не отказываясь в то же время от средневекового наследия. Изысканная простота и вместе с тем гармония архитектурных элементов, объединенных соотношениями «божественной пропорции» – золотого сечения, стали атрибутами его творчества. Это проявлялось даже в его скульптурах и барельефах.

Фактически Брунеллески стал одним из «отцов» Раннего Возрождения, наряду с живописцем Мазаччо и скульптором Донателло – три флорентийских гения открыли новую эпоху в архитектуре и изобразительном искусстве...

Донателло (ок. 1386-1466), флорентийский скульптор; его полное имя - Донато ди Никколо ди Бетто Барди (Donato di Niccol di Betto Bardi). Вместе с архитектором Брунеллески и живописцем Мазаччо Донателло считается одним из основоположников итальянского Ренессанса.

Первый период. До 1433, который можно считать концом первого периода творчества Донателло, он работал в основном над украшением собора и церкви Орсанмикеле во Флоренции. Вероятно, ок. 1406-1408 он выполнил две фигуры молодых пророков, помещенные над северным порталом собора; впоследствии этот портал был украшен также мраморным рельефом Нанни ди Банко, одного из наиболее талантливых скульпторов, работавших с Донателло на раннем этапе его творчества. Вскоре после создания фигур пророков Донателло сделал мраморную статую Давид с головой Голиафа, которая должна была стоять на одном из контрфорсов собора. В этом произведении начинающего мастера уже чувствуется характерное для зрелого периода его творчества стремление к соединению элементов классического и готического искусства. Затем последовали статуи сидящих евангелистов: Иоанна (ок. 1412-1415; ранее находилась сбоку от главного портала, ныне - в левом нефе собора) и Марка на фасаде Орсанмикеле (1411-1413). Около 1417 также для Орсанмикеле скульптор создал одну из своих самых знаменитых статуй - Св. Георгий, позднее перенесенную в Барджелло. Она представляет собой образ юного рыцаря и является первой портретной статуей Донателло. За ней последовали еще более индивидуализированные статуи пророков, предназначенные для украшения кампанилы, среди которых Иоанн Креститель, т.н. Цукконе (Лысый пророк) и Иеремия - образы, наиболее сильные по своей внутренней напряженности и глубине. Из произведений раннего периода следует отметить также бронзовую статую Св. Людовика, находящуюся сейчас в музее Санта Кроче. Ранее она стояла в нише на фасаде Орсанмикеле, оформленной Донателло и Микелоццо в классическом стиле. Ныне эту нишу занимает скульптурная группа Уверение Фомы работы Верроккьо. В тот же период Донателло создал три "живописных" рельефа: Св. Георгий и дракон на пьедестале мраморной статуи Св. Георгий, барельеф Вознесение Богоматери, посланный в Неаполь для надгробия кардинала Бранкаччи, и бронзовый рельеф Пир Ирода для купели сиенского баптистерия.

Второй период. Около 1434, после создания табернакля для старого собора св. Петра и выполнения ряда других заказов, Донателло вернулся из Рима во Флоренцию, где осуществил несколько художественных проектов, в которых преобладали классические тенденции. К 1440 скульптор закончил работу над певческой трибуной Флорентийского собора и кафедрой собора в Прато. К 1430-м годам относятся также классически сдержанный рельеф Благовещение для церкви Санта Кроче (т.н. алтарь Кавальканти), Амур из Барджелло. Знаменитая бронзовая статуя Давида, созданная для палаццо Медичи и находящаяся сейчас в Барджелло, обычно приписывается этому наиболее классическому периоду творчества мастера. Эта статуя - первое со времен античности изображение свободно стоящей обнаженной фигуры. Еще одно крупное произведение второго периода творчества Донателло - бронзовые двери старой сакристии церкви Сан Лоренцо во Флоренции (1434-1443).

Третий период. В 1443 скульптор был приглашен в Падую, где пробыл десять лет. Вскоре по приезде он начал работу над конной статуей кондотьера и дипломата Эразмо де Нарни по прозвищу Гаттамелата. Статуя Гаттамелаты (1447-1453) стала первым свободно стоящим конным монументом, созданным в Европе со времен античности. Однако главным произведением, выполненным Донателло в Падуе, был высокий скульптурный алтарь для церкви Сан Антонио (1446-1450). Первоначально бронзовые статуи Мадонны и святых стояли под балдахином, который поддерживали колонны, поставленные на высокий постамент, украшенный рельефами. Форма этого алтаря оказала значительное влияние на облик живописных алтарных образов Мантеньи, Кривелли и Джованни Беллини. В состав его композиции входили статуи Мадонны с Младенцем, Св. Франциска, Распятие, помещенное теперь высоко над алтарем, и ряд других фигур, первоначальная расстановка которых была впоследствии изменена. При работе над этим ансамблем Донателло активно прибегал к помощи своих многочисленных учеников. Многофигурные бронзовые рельефы со сценами чудес св. Антония построены с учетом законов перспективы; в невысоком рельефе мастеру удалось создать иллюзию глубины пространства.

Четвертый период. В произведениях, созданных мастером после возвращения во Флоренцию (ок. 1454), он оставлял поверхность материала шероховатой и как будто не до конца обработанной. Можно вспомнить о подобных приемах в позднем творчестве Тициана и Рембрандта. Действительно, статуи Св. Магдалины из Флорентийского баптистерия и Иоанна Крестителя из Сиенского собора представляют собой произведения искусства, выходящие за границы привычной нормы и достигающие высочайшего уровня драматизма. В бронзовой скульптурной группе Юдифь и Олоферн (1456-1457, первоначально входила в состав композиции фонтана в саду палаццо Медичи, ныне на площади Синьории) невозмутимость Юдифи, образ которой напоминает по стилю позднеготические статуи Мадонны, и расслабленность ее жертвы глубоко поражают зрителя, несмотря на то, что изображенное здесь действие не кажется убедительным. Прекрасные образцы позднего стиля Донателло - бронзовые рельефы двух кафедр для церкви Сан Лоренцо (1460-е годы), законченные после смерти мастера его учениками. Неистовые бурные сцены Страстей Христовых принадлежат к числу самых глубоких и драматичных образов во всем христианском искусстве. Среди нескольких рельефов с изображением Мадонны, приписываемых Донателло и его школе, лучшим и, вероятнее всего, подлинным является рельеф Мадонна Пацци (Берлин).

Строгая перспективно-пространственная система появляется в живописи Томмазо ди сер Джованни Кассаи, прозванном Мазаччо (Сан-Джованни Вальдарно, 1401 – Рим, 1428). Его образы исполнены глубокого человеческого содержания и нравственной силы, напряженный драматизм подкрепляется продуманным использование светотени и цвета.

Мазаччо - итальянский живописец флорентийской школы. Вместе с архитектором Брунеллески и скульпторами Донателло и Гиберти считается одним из основоположников Ренессанса. Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира. Значение живописи Мазаччо было вновь оценено в 1988, когда его главное творение - фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции - были восстановлены в первоначальном виде. Мазаччо родился в провинциальном тосканском городке Кастель-Сан-Джованни 21 декабря 1401. Его полное имя - Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи. О детстве и юности художника почти ничего не известно. В 1422 Мазаччо вступил во флорентийскую гильдию врачей и аптекарей (к которой причислялись и художники), но неизвестно, у кого он учился и когда приехал во Флоренцию. К раннему периоду его творчества относят самые разные произведения, в том числе алтарный образ "Мадонна с Младенцем и святыми" из маленькой церкви Сан Джовенале в Каша ди Реджелло. Вероятно, в 1422-1424 Мазаччо и его земляк Мазолино да Паникале вместе работали над другой алтарной композиций - "Мадонна с Младенцем и св. Анной" (Флоренция, галерея Уффици). Разрыв художника с предшествующей художественной традицией в полной мере проявился при работе над фреской "Троица" (Флоренция, церковь Санта Мария Новелла), созданной, по-видимому, ок. 1427. Сюжет композиции традиционен: на ней изображены Бог Отец, распятый Христос и Святой Дух в виде голубя. Однако трактовка этой темы у Мазаччо необычна. Вместо образа, показанного на золотом фоне, в котором подчеркивается вневременной аспект, он поместил изображение Троицы в маленькой сводчатой капелле; при этом взгляд зрителя оказывается обращенным снизу вверх. Созданное здесь иллюзионистическое изображение архитектуры стало первым примером удачного и последовательного применения в живописи недавно открытого принципа линейной перспективы с единой точкой схода. Эта фреска интерпретировалась исследователями по-разному, однако ее главная тема - победа веры над смертью. В нижней части композиции изображен скелет, лежащий на саркофаге под надписью: "Я был некогда тем, чем вы являетесь, а тем, чем я являюсь, вы еще станете". Это напоминание о бренности жизни, но в сознании верующего оно должно соседствовать с мыслью о том, что Христос тоже умер, даровав человеку спасение. В 1426 Мазаччо создал полиптих для церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе. Его центральная часть, "Мадонна с Младенцем и ангелами", находится в Национальной галерее в Лондоне. Многие части этого алтаря утрачены, но сохранившиеся с достаточной ясностью показывают, что художника занимали проблемы применения законов перспективы, достижения единства композиции с помощью света и изображения человеческой фигуры. Самое значительное по своим масштабам произведение Мазаччо - фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, созданные им вместе с Мазолино. Вероятно, фрески были заказаны Мазолино в 1423, и он успел расписать своды (эти росписи не сохранились); в середине 1420-х годов Мазолино уехал в Венгрию и возобновил работу в капелле только в 1427, уже вместе с Мазаччо. Однако роспись так и осталась незаконченной, поскольку в следующем году сначала Мазолино, а затем и Мазаччо уехали в Рим. Лишь около 1484 Филиппино Липпи завершил фресковую декорацию всей капеллы. Мазаччо приписываются композиции "Изгнание из рая", "Чудо со статиром", "Крещение Петром неофитов", "Апостол Петр, исцеляющий больных своей тенью", "Апостол Петр, распределяющий имущество общины между бедными", "Воскрешение сына антиохийского царя" и фрагменты фресок "Исцеление калеки" и "Воскрешение Теофила". В росписях капеллы Бранкаччи представлены история грехопадения и эпизоды из жизни св. Петра, в основном совершенные им чудесные исцеления и дела милосердия. Персонажи фресок Мазаччо наделены героическим духом, в отличие от характерных для позднеготической живописи хрупких и изящных образов. Сюжет одной из самых знаменитых композиций - "Чудо со статиром" - взят из Евангелия от Матфея (17:24-27). Величественные фигуры Христа и апостолов изображены на фоне сурового гористого пейзажа. Их движения естественны, а тела имеют реальные пропорции. Знание анатомии человеческого тела Мазаччо приобрел, работая с натурой и изучая произведения классической скульптуры; особенно важно, что, как и Донателло десятилетием раньше, он отказался в своем творчестве от декоративности и условности, присущих готическому искусству. Торжественные массивные фигуры персонажей помещены у Мазаччо в реальное окружение. Свет падает из правого верхнего угла. Художник принял во внимание, что реальный источник света расположен именно в правой части капеллы (окно в стене). Фигуры, трехмерность которых передана посредством мощной светотеневой моделировки, соотнесены по масштабу с окружающим их пейзажем, написанным с учетом световоздушной перспективы. Концепцию художника выражает высказывание одного из его современников: фреска или картина является окном, через которое мы видим мир. Это утверждение и его практическое осуществление оставались главной целью западноевропейской живописи в течение более чем четырех столетий. Умер Мазаччо в Риме в 1428.

4. Отличительные особенности изобразительного искусства Высокого Возрождения.

В XVI — начале XVII в. идеи гуманизма широко распространились в Европе. Ренессансное искусство и стиль жизни стали общеевропейским явлением. Этот период отмечен небывалым расцветом литературы, живописи и архитектуры, поэтому его принято называть эпохой Высокого Возрождения.

Успехи культуры были неразрывно связаны с прогрессом знаний, науки. Новые идеи прокладывали себе дорогу в борьбе с официальным церковным учением, подготавливая переворот в мировоззрении людей.

Эпоха раскрепощения мысли и творческих сил человека породила удивительные по силе духа и глубине личности — многогранные, сочетавшие в себе бесчисленное множество талантов. Потомки уподобили их титанам, осмелившимся соперничать с самими богами.

Мечта итальянских гуманистов об универсальной личности — гармонически развитой, прекрасной душой и телом, о человеке-творце, казалось, воплотилась в Леонардо да Винчи (1452—1519) — одном из величайших мастеров итальянского Возрождения.

Леонардо был не только гениальным художником, его интересы поистине безграничны. Математик и физик, инженер-строитель, фортификатор, механик, он оставил множество изобретений, далеко опередивших свое время.

Среди них — проекты подводной лодки, летательного аппарата, напоминающего аэроплан, парашюта, самодвижущейся бронированной колесницы, разводных мостов, шлюзов, буровых вышек, автоматической самопрялки, многозарядной пушки, скорострельного револьвера-арбалета и многих других удивительных новинок. В его архиве сохранились чертежи церквей, прекрасных дворцов и памятников, хотя во время Итальянских войн Леонардо доводилось строить больше крепостные укрепления.

Леонардо-естествоиспытатель великолепно изучил анатомию, поэтому человек на его картинах изображен безукоризненно точно, а его движения выглядят естественными. Художник был внимательным наблюдателем природы, знатоком ботаники. Его удивительная одаренность проявилась и в литературном творчестве: в прекрасных стихах и изящных загадках — популярном развлечении в эпоху Ренессанса.

Все в этом красивом, уравновешенном, мудром человеке, обладавшем широчайшими познаниями, вызывало восхищение и гордость за человеческий род. Джорджо Вазари, писатель и биограф многих выдающихся художников Возрождения, оставил потомкам воспоминания о Леонардо: «Блистательный своей наружностью, являвшей высшую красоту, он возвращал ясность каждой опечаленной душе, а словами своими он мог заставить любое упрямство сказать «да» или «нет». Своей силой он смирял любую неистовую ярость и правой рукой гнул стенное железное кольцо или подкову, как будто они были сделаны из свинца».

Король Франции Франциск I, пригласивший Леонардо к себе на службу и проводивший немало времени в беседах с художником, заметил: «Не думаю, что на свете был когда-нибудь человек, знавший столько, сколько Леонардо. И не только в области скульптуры, живописи и архитектуры. Он был еще величайшим философом».

Поразительно, что своими знаниями Леонардо обязан только себе самому — он никогда не посещал университета, и главным его учителем был опыт, по его словам, «наставник из наставников». В то же время он придавал огромное значение теоретическим наукам, особенно физике и математике.

Леонардо восхищался человеком — самым прекрасным созданием и «величайшим орудием природы». В его глазах человек не только часть мироздания, но и творец, который, используя законы природы, может создавать новое, уподобляясь самому Богу. Леонардо с гордостью провозглашал: «В отношении искусства мы можем называться внуками Бога».

Художник из небольшого городка, Винчи работал во всех крупнейших центрах искусства — в Милане, Риме, во Флоренции и Франции. Его кисти принадлежат великолепные портреты современников, наиболее известные из которых — портреты Моны Лизы («Джоконда»), Чичилии Галерани («Дама с горностаем»), Джиневры деи Бенчи. Современников восхищали его владение светотенью, умение передать блеск глаз, теплоту кожи, фактуру тканей. Многие художники Возрождения копировали работы Леонардо, чтобы постичь секреты его мастерства.

Любимой темой мастера в религиозной живописи был образ Мадонны - Матери Иисуса Христа. Мадонны Леонардо светлы, исполнены доброты и внутренней гармонии.

Одно из лучших творений живописца — фреска «Тайная вечеря». Она посвящена драматическому моменту в библейской истории: Христос прощается со своими учениками-апостолами, зная о предательстве Иуды и предстоящих муках. Судьба этого шедевра Леонардо оказалась трагичной: выступившая на камнях влага сильно повредила фреску.

Другая монументальная работа мастера, выполненная им по заказу городского совета Флоренции, - «Битва при Ангиари», изображала сражение между флорентийцами и миланцами. К сожалению, фреска утрачена, но сохранились многочисленные наброски к ней: головы всадников и сцена схватки, поражающие виртуозностью техники исполнения. Вопреки ожиданиям городского совета, Леонардо не стал прославлять сражающихся воинов: их пугающие оскалы и ненависть, сквозившая в глазах, вызывали у зрителя ужас перед жестокостью войны и смерти.

Колоссальной фигурой Высокого Возрождения был скульптор, художник, архитектор и поэт Микеланджело Буонарроти (1475—1564).

Он вырос в медической Флоренции, славной многими выдающимися художниками, и учился у известного мастера Доменико Гирландайо. О выдающихся способностях юноши стало известно Лоренцо Великолепному. Он допустил Микеланджело в свои знаменитые сады с прекрасной античной скульптурой, чтобы тот мог копировать лучшие образцы. Молодой скульптор вошел в интеллектуальный кружок Лоренцо, где подружился со многими известными гуманистами. По совету одного из них он изваял свою первую работу — рельеф «Битва кентавров», полную молодой энергии и любования физической красотой.

Талант Микеланджело окреп очень быстро. К 25 годам он уже был автором двух шедевров - «Пьеты» и «Давида», - в которых проявились не только его мастерство скульптора, точность глаза и резца, но и духовная зрелость.

В те годы вместе со всей Флоренцией Микеланджело переживал великие надежды и горькие разочарования. Он с восхищением и ужасом слушал проповеди Савонаролы, радовался восстановлению флорентийской республики и ее древних свобод. Но вскоре во Флоренцию вступили иностранные войска, а Савонарола взошел на костер. В это время Микеланджело закончил скульптурную группу «Пьета» — оплакивание Христа Марией, полную невыразимой скорби, страдания и достоинства. А через два года по заказу городских властей Флоренции он создал гигантскую статую библейского Давида, олицетворявшего свободу, гражданственность и мужество. Давид — юный пастух, победивший в схватке гиганта Голиафа, а затем ставший царем. Джорджо Вазари, описывая замысел автора, подчеркивал, что для скульптуры был выбран Давид «в знак того, что он защитил свой народ и справедливо им правил, так и правители города должны мужественно его защищать и справедливо им управлять».

Будучи прекрасным рисовальщиком, Микеланджело тем не менее считал себя прежде всего скульптором. Когда папа римский предложил ему грандиозный заказ — расписать огромный свод Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце, многочисленные знатоки предсказывали Микеланджело провал — ведь он никогда не писал фресок, тем более таких огромных. Вопреки всему, Микеланджело согласился: эта титаническая задача была под стать его гению. То, что совершил мастер, - поистине подвиг человека и художника. За четыре года, не имея даже подмастерьев для растирания красок, он расписал плафон площадью 600 квадратных метров сценами из Ветхого Завета, которые включали 343 фигуры.

Роспись Микеланджело — один из величайших шедевров мирового искусства. На фресках изображены: сотворение мира из хаоса, создание воды, тверди и светил, рождение человека, сцены из жизни первых людей, пророков и сивилл — предсказательниц, обладавших даром предвидения. Все фигуры плафона капеллы исполнены невиданной мощи и драматизма. Особенно поражает Создатель — в представлении Микеланджело, первый из художников, творец всего прекрасного, высшим выражением которого стал человек.

Микеланджело работает в Сикстинской капелле. Через несколько лет художнику предложили в той же капелле написать на большой алтарной стене сцену Страшного суда. Микеланджело преклонялся перед великим флорентийским поэтом Данте. Грандиозные образы дантовских Ада и Рая в «Божественной комедии» произвели на него огромное впечатление. Творения самого Микеланджело: могучие фигуры его Христа — грозного судии, ангелов, героев-мучеников и грешников были сродни дантовским видениям и пророчествам Савонаролы о грядущей мировой катастрофе и конце света. Мертвые встают из могил и взывают о возмездии, мученики протягивают к Господу орудия пыток, которыми их истязали. Неумолимый Судия низвергает грешников в огненную геенну. Дьяволы увлекают за собой тех, кто творил зло и беззаконие в мире, даже папу римского; в глазах обреченных — бесконечный ужас.

В росписях Сикстинской капеллы Микеланджело вышел за рамки художественных идеалов Ренессанса. Его привлекали не спокойная и уравновешенная красота, а метания духа, страсти и проявления человеческих характеров в борьбе с неотвратимым роком.

Джорджо Вазари о работе Микеланджело над «Страшным судом». Вершиной творчества Микеланджело-скульптора стали две монументальные гробницы — папы Юлия в Риме и Медичи во Флоренции. Последним великим начинанием мастера была работа над куполом собора святого Петра в Риме.

Перестройка собора по проекту выдающегося зодчего Браманте велась много лет, но после смерти архитектора его замысел был изменен. Микеланджело уже в преклонном возрасте пришлось взяться за исправление допущенных ошибок. Он снова занялся делом, в котором прежде не имел опыта, и снова блестяще справился с ним.

Семнадцать лет Микеланджело руководил сооружением величественного купола, отбиваясь от нападок завистников и принципиально отказываясь от платы за эту работу. Когда 85-летний мастер понял, что силы его на исходе и ему не суждено увидеть завершения строительства, он создал точную модель купола, чтобы после его смерти проект не смогли исказить. Собор святого Петра - одно из величайших творений мировой архитектуры - стал достойным памятником Микеланджело Буонарроти.

Младший современник Леонардо и Микеланджело — Рафаэль Санти (1483—1520) из города Урбино, быть может, самый «ренессансный» из ренессансных художников. Его произведения пронизаны ясной, одухотворенной красотой, уравновешенностью, гармонией. Не случайно, как и у Леонардо, его излюбленным образом была мадонна — символ материнской любви, нежности и самопожертвования.

Папа римский пригласил Рафаэля расписать фресками парадные залы (так называемые станцы) Ватиканского дворца. Одна из самых выдающихся фресок этого цикла — «Афинская школа», на которой Рафаэль представил идеальное сообщество великих античных философов и ученых — Платона, Аристотеля, Сократа, Пифагора. Многим он придал черты знаменитых современников: в образе Платона изобразил Леонардо да Винчи, в образе Сократа — Микеланджело, а в толпе молодых учеников поместил и себя. «Афинская школа» прославляла интеллект и высоту человеческого духа, отражая преклонение ренессансного человека перед могуществом разума и научной мысли.

В творчество зрелого Рафаэля все чаще вторгаются трагические ноты. Уравновешенность и гармония уступают место драматическим переживаниям. Это отразилось в его шедевре — «Сикстинской Мадонне». На лице Мадонны не умиление, а скорбь матери, предчувствующей трагическую судьбу ее ребенка. То же суровое знание — в недетских глазах младенца-Христа на ее руках.

Блистательные венецианцы.Богатая «златокипящая» Венеция была еще одним центром искусства эпохи Возрождения в Италии. Здесь сложилась своеобразная художественная школа. Ее виднейшие мастера - Джорджоне (1476/77—1510) и Тициан (1476/77 или 1489/90—1576) в своих портретах, полотнах на мифологические и исторические темы воплотили тему героизма, человеческой красоты, гармонии человека и природы. Художников венецианской школы привлекали яркие насыщенные тона, праздничные краски — торжество золота и пурпура. Они достигли совершенства в передаче тяжести парчи, мягкости бархата, блеска шелка. Особое значение колориту придавал Тициан.

Его художественными наследниками были Паоло Веронезе (1528—1588) и Якопо Тинторетто (1518—1594). Они писали монументальные полотна на исторические или библейские сюжеты с массовыми сценами, в которых нетрудно было узнать Венецию и венецианцев XVI в., с присущей им любовью к роскоши, богатым пирам и светским удовольствиям.

Ренессансный стиль в архитектуре.В эпоху Высокого Возрождения окончательно сложился новый стиль в архитектуре, который распространился сначала в Италии, а затем и во всей Европе, вытесняя средневековую готику.

В основе нового стиля лежали принципы античного строительства, главный из которых — соразмерность пропорций и использование элементов античных ордеров (колонн, полуколонн, пилястров). Выдающимися архитекторами этой поры были Д. Браманте, Д. Романо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, А. Палладио.

– Конец работы –

Эта тема принадлежит разделу:

В.Н. КОЛЕСНИК. КООПЕРАЦИИ ЭКОНОМИКИ И ПРАВ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ... БЕЛГОРОДСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ... КООПЕРАЦИИ ЭКОНОМИКИ И ПРАВА...

Если Вам нужно дополнительный материал на эту тему, или Вы не нашли то, что искали, рекомендуем воспользоваться поиском по нашей базе работ: Периодизация искусства эпохи Возрождения.

Что будем делать с полученным материалом:

Если этот материал оказался полезным ля Вас, Вы можете сохранить его на свою страничку в социальных сетях:

Все темы данного раздела:

В.Н. КОЛЕСНИК
    ИСКУССТВО (МХК)   Учебное пособие   РЕКОМЕНДОВАНО НАУЧНО-МЕТОДИЧЕСКИМ СОВЕТОМ УНИВЕРСИТЕТА &n

Место дисциплины в учебном процессе
Дисциплина «Искусство (МХК)» является одним из важнейших теоретических предметов, формирующих мировоззрение студентов, играет важную роль в духовном, профессиональном и эстетическом воспитании. Уче

Первобытного мира
План лекции: 1. Характеристика понятия «первобытный синкретизм». 2. Миф – основа ранних представлений о мире. 3. Связь первобытного искусства с трудовой

Тема лекции 2.1. Художественная культура Месопотамии.
1. Особенности древнейшей культуры Месопотамии. 2. Монументализм и красочность культовых сооружений. 3. Скульптура Месопотамии. 4. Реализм образов живой природы – специфи

План лекции
1. Периодизация искусства Древнего Египта. 2. Воплощение идеи Вечной жизни в архитектуре и живописном декоре некрополей. 3. Своеобразие египетского рельефа и круглой скульптуры.

Древней Америки
1. Характерные особенности древнего искусства Америки. 2. Культовая архитектура, рельефы и живопись в искусстве народов Древней Америки.   1. Характерные особенности

Тема лекции 2.4. Крито-микенская культура
1. Крито-микенское искусство – ранний этап античности. 2. Ансамбль Кносского дворца - лабиринт царя Миноса на Крите. 3. Микенское искусство.   Крито-м

Тема лекции 3.1. Древняя Индия
1. Культура Индии — одна из древнейших культур человечества. 2. Культовые сооружения буддизма как символ космоса и божественного присутствия. 3. Особенности буддийскогорельефа.

Тема лекции 3.2. Древний Китай
1. Основные религиозно-философские системы Древнего Китая. 2. Искусство Древнего Китая.   1. Основные религиозно-философские системы Древнего Китая. Жители

Тема лекции 4.1. Художественная культура Древней Греции
Эстетика равновесия сил – основа греческой античности. Греческий храм - архитектурный образ союза людей и богов. Три типа ордера. Формирование типа храма-периптера. Статуи: развитие типов обнаженно

План лекции
1. Содержание понятия «античность». 2. Период греческой архаики. Греческий храм – архитектурный образ союза людей и богов. 3. Период классики. Парфенон – образец высокой классики

Темы докладов и рефератов
  1. Прекрасный и добрый – эстетический идеал Древней Эллады. 2. Отличительные особенности античного искусства (характеристика понятий «агонистика», «пайдейя», «катарсис», «к

План лекции
1. Краткие сведения по истории Древнего Рима. 2. Этрусское искусство, особенности художественного творчества. 3. Искусство Республики. 4. Искусство Империи. &nbs

Темы докладов и рефератов
1. Особенности художественного творчества этрусков. 2. Архитектура Древнего Рима как зеркало величия государства. 3. Сходство и различие римского и греческого искусства.

План лекции
1. Античный мир и христианство. Искусство Византии. 2. Храм Святой Софии в Константинополе. 3. Появление иконописи.   1. Античный мир и христианство. Искусс

План лекции
1. Основные черты русской средневековой культуры и изобразительного искусства (IX – начало XVIIв.). 2. Характеристика славянского язычества. Влияние языческого мировоззрения на изобразител

Темы для докладов и рефератов
1. Отражение пантеона славянских языческих богов в изобразительном искусстве. 2. Влияние византийских канонов на оформление интерьера и экстерьера храмов Древней Руси. 3. Творчест

План лекции
1. Романское искусство. 2. Готическое искусство. 1. Романский стиль. Термин «романский» служит определением европейского искусст

Темы докладов и рефератов
1. Шедевры готического искусства. 2. Храм–крепость и замок–крепость – наиболее характерные типы романских сооружений. 3. Искусство витража в готическом соборе. 4. Скульпт

Возрождение – одна из величайших эпох мирового изобразительного искусства.
Возрождение, Ренессанс (фр. Renaissance – возрождение) – одна из переломных эпох, переломный этап в развитии мирового искусства между Средними веками и Новым временем. Эпоха Возрождения охватывает

Темы для докладов и рефератов
1. Гуманизм – основа культуры Возрождения. 2. Раннее Возрождение во Флоренции. 3. Новое пространственно-временное восприятие мира. 4. Светский характер изобразительного и

План лекции
1. Барокко – стиль эпохи утверждения абсолютизма и церкви в Европе. 2. Лоренцо Бернини – как основоположник стиля зрелого барокко. 3. Специфика русского барокко.  

План лекции
1. Классицизм – ведущий творческий метод идеологии Просвещения. 2. Классицизм в изобразительном искусстве Франции.   1. Классицизм – ведущий творческий метод идеолог

Темы докладов и рефератов
1. «Большой королевский стиль» Людовика ХIV – сплав классицизма в архитектуре дворца и регулярного парка Версаля с барокко в оформлении интерьеров. 2. Классицизм во французском искусстве Н

План лекции
1. Характеристика термина «рококо». 2. Развитие и распространение стиля рококо. 3. Стиль рококо в различных отраслях художественно-промышленного производства.  

Дополнительная
1. Александров В.Н. История русского искусства [Text] / Александров В.Н. - Мн. : ХАРВЕСТ, 2007. – 736 с. 2. Колесник В. Н. История изобразительного искусства [Текст] : метод.

ИНФОРМАЦИОННЫХ ТЕХНОЛОГИЙ
По дисциплине «История изобразительного искусства» рекомендуется использовать Internet: www.artrussia.ru, www.arthistory.ru, http://master.parnas.ru , www.museum-online.ru, www.jivopis.ru

СЛОВАРЬ ВАЖНЕЙШИХ ТЕРМИНОВ И ПОНЯТИЙ
Абстракционизм – направление в искусстве XX века, отказавшееся от изображения реальных предметов и явлений. Абсурдизм (лат. «нелепый») – течение в европейской литературе, гла

Хотите получать на электронную почту самые свежие новости?
Education Insider Sample
Подпишитесь на Нашу рассылку
Наша политика приватности обеспечивает 100% безопасность и анонимность Ваших E-Mail
Реклама
Соответствующий теме материал
  • Похожее
  • Популярное
  • Облако тегов
  • Здесь
  • Временно
  • Пусто
Теги