Титаны Ренессанса

Титаны Ренессанса. В эпоху итальянского Возрождения невозможно не заметить другой, противоположной тенденции - ощущения человеком трагичности своего существования.

Эта тенденция присутствует на протяжении всего этого периода в творчестве художников и мыслителей. Отдельные тенденции искусства Высокого Возрождения предвосхищались в творчестве выдающихся художников 15в. И выражались в стремлении к величавости, монументализации и обобщённости образа.

Освобожденное мышление требовало героических образов и величественных масштабов. В архитектуре ведущими становились светские сооружения - дворцы, городские дома, общественные здания. Возрождение было очень плодотворным для изобразительного искусства. Художники осваивали изображение объема, пространства, света, человеческого тела, в том числе обнаженного. Человеческая телесность в искусстве Возрождения стала наиболее емким образом для выражения идеи культуры. Четыре гения сияют в тогдашней Италии.

Четыре гения, каждый из которых - целый мир, законченный, совершенный, впитавший в себя все знания, все достижения предыдущего века и вознесший их на ступени, человеку до тех пор недоступные Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан. Они были во всем несходны между собой, хотя судьбы их имели много общего все трое сформировались в лоне флорентийской школы, а потом работали при дворах меценатов, главным образом пап, терпя и милости и капризы высокопоставленных заказчиков.

Их пути часто перекрещивались, они выступали как соперники, относились друг к другу неприязненно, почти враждебно. У них были слишком разные художественные и человеческие индивидуальности. Но в сознании потомков эти три вершины образуют единую горную цепь, олицетворяя главные ценности итальянского Возрождения - Интеллект, Гармонию и Мощь. ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ Леонардо да Винчи. Автопортрет около 1510-1513 . Леонардо да Винчи родился в 1452 г. в селении Анкиано, около городка Винчи, у подножия Альбанских гор, на полпути между Флоренцией и Пизой. Исключительная одаренность будущего великого мастера проявилась очень рано. По словам Вазари, он уже в детстве настолько преуспел в арифметике, что своими вопросами ставил в затруднительное положение преподавателей.

Одновременно Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и божественно пел импровизации. Однако рисование и лепка больше всего волновали его воображение. Отец отнес его рисунки своему давнишнему другу Андреа Верроккьо.

Тот изумился и сказал, что юный Леонардо должен всецело посвятить себя живописи. В 1466 г. Леонардо поступил в качестве ученика во флорентийскую мастерскую Верроккьо. Уже в ранних работах Леонардо обнаруживаются черты, каких не было в искусстве кватроченто. Вот маленькая картина - Мадонна Бенуа, но как много она в себе несет! Мария с младенцем-Иисусом на руках до Леонардо изображались многократно, и тема прошла долгий путь гуманизации Мария у художников XV в. уже не восседает на троне, с ее головы исчезает корона, нимбы лишь угадываются - богоматерь и богочеловек утратили большую часть божественности, превратились в человеческую мать с ребенком.

Однако почти всегда сохранялась репрезентативность Мария показывает божьего сына людям, да и сама позирует перед ними. Леонардо да Винчи. Мадонна Бенуа. Ни мать, ни младенец не развернуты к зрителю, на него они не смотрят. Они заняты своим делом. Запечатлен конкретный момент мать, сама ещё ласковая и живая девочка, протягивает, улыбаясь, своему ребёнку цветок и наблюдает, как серьезный малыш внимательно рассматривает незнакомый предмет.

Цветок связывает обе фигуры между собой. Игра полностью захватила обоих. Мать весело улыбается, даже смеется, восхищаясь своим малышом в первой радости этой игры раскрывается ее бесхитростная душа, ее внутренняя свобода, ее юная материнская любовь. Священный смысл фактически полностью устранен. Священный смысл фактически полностью устранен. Никогда еще художник до такой степени не сосредоточивал внимания на самой трудной для изображения стороне натуры - на внутренней жизни человека, на его душевных движениях. И это - одно из важнейших новшеств, какие принесло в ренессансное искусство Высокое Возрождение.

Задача художника писал Леонардо изобразить то, что граничит почти с недостижимым показать внутренний, духовный мир человека. Вот важнейшее программное требование к качественно новому состоянию гуманистического искусства, одна из определяющих черт Высокого Возрождения.

Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим силам ни как ученый- инженер, ни как живописец изысканная утонченность культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми. Около 1482 г Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротех нических работ и только потом как живописца и скульптора Однако первый миланский период творчества Леонардо 1482-1499 гг оказался наиболее плодотворным Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине.

Не все грандиозные замыслы, в том числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, продолжалось с перерывами более десяти лет, но она так и не была отлита в бронзе. Это единственное крупное скульптурное произведение Леонардо да Винчи. Первоначально статуя изображала всадника в стремительном движении, на вздыбленном коне, но ее отливка оказалась технически невозможной, позднее мастер нашел более спокойное решение Памятник Сфорца должен был более чем в полтора раза превысить конные монументы, выполненные Донателло и Верроккьо.

Монумент прозвали Великим Колоссом. До нашего времени дошли живописные работы Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала Мадонна в гроте 1483- 1494 гг Леонардо да Винчи. Мадонна в гроте. Живописец отошёл от традиций XV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованность.

В алтарной картине Леонардо мало фигур женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопреклонённый ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди тёмных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж в целом фантастически таинственный, но в частностях - в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы - выполненный с точным знанием природных форм. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость.

Итальянцы этот приём Леонардо называли сфумато. В Милане мастер создал полотно Мадонна с Младенцем Мадонна Литта. Здесь в отличие от Мадонны с цветком он стремился к большей обобщённости и идеальности образа. Изображён не определённый момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина, кормящая грудью ребёнка. Выразительна чёткость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры.

Холодный ясный свет озаряет её тонкое, мягко вылепленное лицо с полуопущенным взором и лёгкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые темно-золотистые вьющиеся волосы Младенца, не по-детски серьёзен его внимательный взгляд, устремлённый на зрителя Леонардо да Винчи. Мадонна Лита Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо Тайная вечеря, исполненную им в 1495-1497 гг. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта-Мария делла Грацие в Милане.

Тайная вечеря отражает новую ступень зрелости гуманистического сознания Высокого Возрождения.

В ней поражает многообразие типов, характеров, душевных движений людей, выразительнейше переданных художником. Здесь тоже многие покаверканы жизнью. Но не это главное в картине. Ее смысловой центр составляет нечто большее - страшный акт предательства, торжество отвратительного злодейства. Огромная фреска 4,6 х 8,8 м занимает всю торцевую стену трапезной. Христос, фигура которого находится в центре, на фоне дверного проёма, и апостолы восседают за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнёс роковые слова Один из вас предаст меня Они вызывают у апостолов гамму разнообразных чувств, отчаяние, испуг, недоумение, гнев некоторые вскакивают с мест, бурно жестикулируют.

Обнаружение трагедии в жизни, смелость открыто сказать о ней - завоевание Высокого Возрождения, один из важнейших моментов, присущих качественно новому этапу развития ренессансного гуманизма и гуманистического искусства. Образ Христа - не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции.

Учитель одинок в своём мудром спокойствии и покорности судьбе Тайная вечеря В 1499 г. Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо около 1503 г Портрет, известный как Джоконда, стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Как она хороша, как внутренне содержательна! Сколько достоинства в гордой посадке головы, каким высоким самосознанием веет от этого лица, сколько чарующей прелести в высоком, светлом лбе, в глубоких глазах, полных разума и понимания, сколько внутренней свободы во взгляде! Удивительная цельность образа, замыкаемого кольцом прекрасных рук, создает ощущение высшего совершенства.

Во всем предшествующем искусстве Ренессанса не найти столь же проникновенного воплощения гуманистического идеала человека - прекрасного, возвышенного, духовно богатого. Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И тем не менее его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо.

О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории искусства. В знаменитом Трактате о живописи 1498 г. и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека.

Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе. Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры, оказали на неё огромное влияние. Умер Леонардо да Винчи в замке Клу, близ Амбуаза, 2 мая 1519 года шестидесяти семи лет. Другим представителем Высокого Возрождения был Рафаэль Санти. РАФАЭЛЬ САНТИ С творчеством Рафаэля 1483- 1520 итальянским живописецем и архитектором в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Среди художественных сокровищ галереи Уффици во Флоренции есть портрет необыкновенно красивого юноши в черном берете.

Это явно автопортрет, судя по тому, как направлен взгляд так смотрят, когда пишут себя в зеркале. Долгое время не сомневались, что это - подлинный автопортрет Рафаэля, теперь его авторство некоторыми оспаривается.

Но, как бы ни было, портрет превосходен именно таким, вдохновенным, чутким и ясным, видится образ самого гармонического художника Высокого Возрождения - божественного Санцио. Рафаэль. Автопортрет. Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного живописца Тимотео Вите. В 1500 г. он переехал в столицу Умбрии Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошел своего учителя Рафаэля называли Мастером Мадонн Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин - Мадонна Конестабиле 1502- 1503 гг приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля - Обручение Марии 1504 г. Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Эта небольшая картина уже целиком принадлежит искусству Высокого Возрождения.

Главные действующие лица, группы девушек и юношей покоряют своим естественным изяществом Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты например, сближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо.

РАФАЭЛЬ. ОБРУЧЕНИЕ МАРИИ В картине нет ничего лишнего, второстепенного Золотистые, красные и темно-зеленые тона, созвучные с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение. В 1504 г Рафаэль переехал во Флоренцию Здесь его творчество обрело зрелость и спокойное величие.

В цикле Мадонн он варьировал изображение молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа. Рафаэль Санти. Мадонна Конестабиле В этой картине нет ничего случайного, и нет образа более лирического, как и более крепкого своей внутренней структурой. Какая гармония во взгляде мадонны, наклоне ее головы и каждом деревце пейзажа, во всех деталях и во всей композиции в целом! И уже самой живой жизнью дышат фигуры нежно- задумчивой матери и так чудесно устроившегося на ее руках младенца.

Резко выступающая нижняя губа, линия рта, красиво и энергично изогнутая, тонкий овальный подбородок выдают решимость и властность. Все здесь значительно и законченно - ясно. Важное место в искусстве великого художника по-прежнему занимает образ мадонны, который приобретает черты большей монументальности и уверенности. Такова Сикстинская мадонна. Этот образ более глубокий, чем ранние мадонны. Мария идёт по облакам, неся своего ребёнка. Серьезный и тревожный взгляд матери нам говорит о том, что она уже знает, какие испытания выпадут на долю ее сына. Слава ее ничем не подчеркнута.

Ноги босы. Но как повелительницу встречает ее, преклонив колени, папа Сикст, облаченный в парчу святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка, чуя ее поступь, устремляют вверх мечтательно - задумчивый взор. Колено преклонный, покорный Сикст не отрывает восторженного взора от богоматери. Она идет к людям, юная и величавая, что-то тревожное затаив в своей душе. Рафаэль Санти. Сикстинская мадонна Мадонна не только красива, она еще и бесконечно мудра.

Ее взор, кажется, проникает в самую глубь явлений. О ней можно сказать словами стихов Сервантеса, посвященных поэзии Она умеет видеть суть явлений и там, где для мудрейшего темно Сикстинская мадонна ! Величавая, простая. После всего хаоса, разрушений, которые прошли перед нами, особенно ярко поражали гармония, красота этого величайшего шедевра мировой живописи. Зрелище, преображающее реальность в ее величии, вещей мудрости и красоте, зрелище, возвышающее душу своей абсолютной гармонией.

Эта мадонна - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание в век Рафаэля и который Рафаэль высказал до конца, раздвинув занавес, то самый, что отделяет будничную жизнь от вдохновенной мечты, и показал этот идеал миру. В истории искусства Сикстинская Мадонна - образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву.

В обрамлении зелёных занавесей на светлых облаках стоит Мария с Младенцем на руках. Взгляд Её тёмных без блеска глаз устремлён мимо и как бы сквозь зрителя. Этому взору доступно то, что скрыто от других. В образе Христа, крупного красивого ребёнка, угадывается что-то не по-детски напряжённое и провидческое. Слева от Мадонны папа Сикст IV в молитвенном умилении созерцает чудо. Благоговейно потупившая взор Святая Варвара, принадлежащая, как и Мария, небесам, легко парит в облаках.

Два ангелочка, облокотившиеся на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному образу. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем. Это и определяет высокую и волнующую человечность картины. В последние годы жизни Рафаэль создал росписи римской виллы Фарнезина. В её главном зале находится фреска Триумф Галатеи 1519 г Рафаэль.

Триумф Галатеи Морская нимфа Галатея плывёт по морю на раковине, которую влекут дельфины. Окружающие её фантастические существа и летящие маленькие амуры образуют проникнутую ликующей радостью композицию. В ней сочетаются золотистые тона обнажённых тел, синева моря и неба. Под руководством Рафаэля в 1519 г. была завершена роспись так называемых Лоджий - построенной Браманте большой арочной галереи на втором этаже Ватиканского дворца. Многочисленные декоративные фрески исполнили ученики Рафаэля по его рисункам.

Позже росписи были испорчены грубыми реставрациями. О творческой фантазии Рафаэля и его даре декоратора можно судить отчасти по копии росписей Лоджий, украсившей стены галереи Эрмитажного дворца построена в Петербурге в 80-е гг. XVIII в. архитектором Джакомо Кваренги. Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, лёгкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внёс и в архитектуру. Само имя Рафаэля - Божественного Санцио - в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделённого божественным даром художника.

С великими почестями он был погребён в римском Пантеоне, где его прах покоится и поныне. Третья горная вершина Ренессанса - Микеланджело Буонарроти. МИКЕЛОАНДЖЕЛО БУАНОРРОТИ Его долгая жизнь - жизнь Геркулеса, вереница подвигов, которые он совершал, скорбя и страдая, словно бы не по своей воле, а вынуждаемый своим гением. Микеланджело Буонарроти 1475- 15б4 - величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры.

Детство Микеланджело прошло в маленьком тосканском городке Ка-презе близ Флоренции. Юность и годы учения он провёл во Флоренции. В художественной школе при дворе герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота античного искусства, он общался с великими представителями гуманистической культуры. Флоренции принадлежат почти все скульптурные работы Микеланджело. Он похоронен во флорентийской церкви Санта-Кроче. Однако в равной мере и Рим может быть назван городом Микеланджело.

В 1496 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное произведение первого римского периода - Пьета Оплакивание Христа 1498-1501 гг. в капелле собора Святого Петра Микеланджело. Пьета . 1498-1499. На коленях слишком юной для такого взрослого сына Марии распростёрто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплёскивается наружу душевное страдание.

Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной. Вернувшись во Флоренцию в 1501 г Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида 1501-1504 гг Величественному идеалу мужской красоты уже более 500 лет. Давид является лучшим творением Микеланджело, и он был первой бронзовой статуей изображавшей обнаженного человека со времен Античности. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Мастер изобразил Давида не в виде обычного для того времени хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали до него. Герой скульптора - прекрасный, атлетически сложенный гигант в момент перед сражением, полный уверенности и грозной силы. Давид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духовной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю. Освобожденные от оболочки, статуи Микеланджело хранят свою каменную природу.

Они всегда отличаются монолитностью объема.

Почти нигде у его статуй нет свободно отведенных, отделенных от корпуса рук бугры мускулов преувеличены, преувеличивается толщина шеи, уподобляемой могучему стволу, несущему голову округлости бедер тяжелы и массивны, подчеркивается их глыбистость. Их движения сильны, страстны и вместе с тем как бы скованы излюбленный Микеланджело мотив контрапоста - верхняя часть торса резко повернута Микеланджело. Давид . 1501-1504. Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему, истинному сыну Возрождения, быть и великим живописцем, и архитектором.

Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения - роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в 1508-1512 гг. Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел. Проект Микеланджело был смел и грандиозен сорок мраморных статуй должны были украсить мавзолей. Мастер взялся их изваять сам. Из предназначенных для гробницы статуй до нас дошли Скованный раб - сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от оков, и Умирающий раб - прекрасный юноша, который ожидает смерти как избавления от мук около 1513 г Для второго этажа гробницы Юлия II предназначалась статуя древнееврейского пророка Моисея 1515-1516 гг Тугими извивающимися прядями ниспадает его борода, в напряжении застыли мускулы мощного тела, грозен взгляд широко раскрытых глаз. Моисей в трактовке Микеланджело - народный вождь, человек вулканических страстей, прозорливый мудрец.

МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ. СТАТУЯ МОИСЕЯ центральная фигура гробницы Юлия II По иронии судьбы, самым законченным из его трудов оказался не скульптурный, а живописный - роспись потолка Сикстинской капеллы.

Хотя Микеланджело неохотно принял этот заказ, не считая себя живописцем, но, взявшись за работу, он загорелся творческой страстью и отдался ей целиком.

Фрески Сикстинского плафона 1508-12 - самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Отвергнув предложенный ему проект с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и с орнаментальным заполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписей, до сих пор вызывающую различные толкования. Роспись громадного свода, перекрывающего обширную 40,93 х 13,41 м папскую капеллу, включает в себя 9 больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия - от Сотворения мира до Всемирного потопа , 12 огромных фигур сивилл и пророков в боковых поясах свода, цикл Предки Христа в распалубках и люнетах, 4 композиции в угловых парусах на темы чудесного избавления иудейского народа.

Десятки величественных персонажей, населяющих этот грандиозный универсум, наделенные титаническим обликом и колоссальной духовной энергией, являют необыкновенное богатство сложнейших, пронизанных мощным движением жестов, поз, контрапостов, ракурсов.

Микеланджело Буонарроти. Сикстинская капелла. Общий вид. В 1534 г. он покинул Флоренции и переехал в Рим, где по заказу папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы знаменитую фреску Страшный суд 1536- 1541 гг. 1520 Микеланджело получил заказ на выполнение внутреннего убранства погребальной капеллы герцогов Медичи во флорентийской церкви Сан Лоренцо. Из задуманных пяти гробниц удалось осуществить лишь две, каждая из которых состоит из саркофага, на крышке которого возлежат аллегорические фигуры Утра и Вечера , Дня и Ночи. Микеланджело создал единый архитектурно-скульптурный ансамбль, умело объединив пристенные надгробия с архитектурной капеллы.

Капелла Медичи - сложный архитектурно-скульптурный ансамбль, образное содержание которого породило различные толкования. Статуи герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи, сидящих в неглубоких нишах на фоне архитектурной антикизированной декорации и облаченных в доспехи римских императоров, лишены портретного сходства и, возможно, символизируют Жизнь деятельную и Жизнь созерцательную.

С графически легкими очертаниями саркофага контрастирует пластическая мощь огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, лежащих на покатых крышках саркофага в мучительно-неудобных позах, как бы готовых соскользнуть с них. Драматический пафос этих образов Микеланджело выразил в четверостишии, написанном им как бы от имени Ночи Мне сладко спать, а пуще - камнем быть, Когда кругом позор и преступленье Не чувствовать, не видеть - облегченье.

Умолкни ж, друг, к чему меня будить? Пер. А. Эфроса. МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ. НАДГРОБИЕ ДЖУЛИАНО МЕДИЧИ Это Ночь и День , Утро и Вечер - они полулежат попарно на саркофагах под портретными статуями Джулиано и Лоренцо Медичи, находящимися в нишах. Крышки саркофагов покаты, и положение фигур кажется непрочным, кажется, что они и в дремоте чувствуют ненадежность своего ложа, бессознательно ища опору для ног а ноги скользят, пытаясь спрячь расслабленные сном мускулы. Эти могучие тела одолевает тягостная истома, они словно отравлены.

Медленное, неохотное пробуждение, тревожно-безрадостное бодрствование, засыпание, цепенящее члены, и сон - тяжелый, но все же приносящий забвение. Микеланджело 5. Он является одним из самых известных стихотворений скульптора. Ночь в образе женщины, которая спит, опираясь локтем на согнутую ногу и поддерживая рукой низко опущенную голову самая пластически выразительная и прекрасная из четырех статуй. Гробница Джулиано Медичи.

Деталь фигуры Ночь. Ночь! Сладкая, хоть мрачная пора, От всех забот ведущая к покою! Как зорок тот, кто чтит тебя хвалою, Как та хвала правдива и мудра! Ты тяжесть дум снимаешь до утра, Целишь их жар прохладою ночною, И часто я, влеком своей мечтою, Во сне взлетаю на небо с одра. О сумрак смерти, знаменье предела. Всех вражеских душе и сердцу бед, Конец печалей, верное лекарство Ты можешь врачевать недуги тела, Унять нам слезы, скинуть бремя лет. И гнать от беззаботности коварство перевод А. М. Эфроса. Этот сонет - своеобразный поэтический комментарий к скульптуре Ночь - был написан Микеланджело около 1545. Он является одним из самых известных стихотворений скульптора.

Микеланджело в ответ на чей-то довольно банальный мадригал, где говорилось, что этот одушевленный камень готов проснуться, ответил четверостишием, ставшим не менее знаменитым, чем сама статуя Отрадно спать, отрадней камнем быть, О, в этот век, преступный и постыдный, Не жить, не чувствовать - удел завидный.

Прошу, молчи, не смей меня будить. Ночь в образе женщины, которая спит, опираясь локтем на согнутую ногу и поддерживая рукой низко опущенную голову самая пластически выразительная и прекрасная из четырех статуй. Не всякому было дано так ощутить трагедию заката большой культурной эпохи, как Микеланджело. С конца 1540-х годов до 1555 Микеланджело работал над скульптурной группой Пьета Собор Санта Мария дель Фьоре, Флоренция. Мертвое тело Христа держит св. Никодим и с двух сторон поддерживают Богоматерь и Мария Магдалина закончена фигура Христа и отчасти св. Магдалины. В отличие от Пьеты собора св. Петра, эта группа более плоскостная и угловатая, внимание сосредоточено на изломанной линии тела Христа.

Расположение трех незаконченных голов создает драматический эффект, редкий в произведениях на этот сюжет. Возможно, голова св. Никодима была еще одним автопортретом старого Микеланджело, а сама скульптурная группа предназначалась для его надгробия. За шесть дней до смерти Микеланджело работал над вторым вариантом Пьеты. Пьета Ронданини Милан, Кастелло Сфорцеска, вероятно, была начата десятью годами ранее.

Одинокая Богоматерь поддерживает мертвое тело Христа. Смысл этого произведения - трагическое единство матери и сына, где тело изображено настолько исхудалым, что не остается надежды на возвращение жизни. Микеланджело умер 18 февраля 1564. Его тело было перевезено во Флоренцию и торжественно погребено. САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ Во времена Лоренцо Медичи Старшего, Великолепного, ставшие поистине золотым веком для всякого одаренного человека, достиг расцвета и Алессандро, между нами именуемый Сандро по прозванию Боттичелло - так Джорджо Вазари открывает биографию Сандро Боттичелли Боттичелли был одной из наиболее ярких фигур благословенной для всех художников эпохи, связанной с именем Лоренцо Великолепного.

Боттичелли Сандро полное имя - Алессандро Филипепи, 1445, Флоренция - 17 мая 1510, там же, итальянский живописец. Выдающийся художник эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы.

Кисти Боттичелли полностью или в значительной степени приписывается около 50 картин. Родился во Флоренции в семье дубильщика кожи Мариано ди Ванни Филипепи прозвище Боттичелли, означающее бочоночек, на самом деле принадлежало его старшему брату. После первоначального обучения у ювелира ок. 1462 Боттичелли поступил в мастерскую одного из ведущих живописцев Флоренции, Фра Филиппо Липпи. Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц, орнаментальных деталях и колорите.

В его произведениях конца 1460-х годов хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Филиппо Липпи, сменяются более мощной трактовкой фигур и новым осмыслением пластики объемов. Приблизительно в это же время Боттичелли начинает применять энергичные охристые тени для передачи телесного цвета - прием, который стал характерной чертой его стиля. Эти изменения проявляются во всей полноте в самой ранней документированной картине Боттичелли Аллегория силы и в менее выраженной форме в двух ранних Мадоннах.

В ранних произведениях Боттичелли преобладают образы, проникнутые мягким лиризмом, прозрачные и почти безмятежные. Трогательно обхватывает младенец своими ручонками шею матери Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем. Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем Изгибаясь точно легкая былинка, скользит неслышной поступью Юдифь - не мужественная библейская героиня, а робкая девушка, почти ребенок, испуганная и опечаленная своим подвигом Юдифь. Ничто не нарушает спокойствия юного мученика Себастьяна, чье нагое тело прекрасно в своих изящных пропорциях Св. Себастьян. С открытым и независимым видом взирает с портрета неизвестный молодой человек, горделиво прижимающий к груди медаль с профилем Козимо Медичи Портрет неизвестного с медалью. Портрет неизвестного с медалью Этот портрет необычен, поскольку главной его подробностью является медаль, на которой изображен Козимо Медичи, правивший Флоренцией в эпоху ее высшего художественного расцвета.

Личность изображенного здесь человека остается неизвестной.

Медаль представляет собой отлитую из гипса и позолоченную копию медали, отлитой в честь Козимо около 1465 года. Во время подготовки доски для живописи на ней был оставлен круглый выступ, на который и была наложена гипсовая форма. Судя по медали, неизвестный, изображенный на портрете, имел какое-то отношение к семье Медичи, с членами которой в эти годы у Боттичелли завязываются дружественные отношения.

Две знаменитые парные композиции История Юдифи, также относящиеся к числу ранних произведений мастера ок. 1470 , иллюстрируют другой важный аспект живописи Боттичелли живую и емкую повествовательность, в которой соединены экспрессия и действие, с полной ясностью раскрывающие драматическую сущность сюжета. Юдифь с головой Олоферна В них также обнаруживается уже начавшееся изменение колорита, который становится более ярким и насыщенным, в отличие от бледной палитры Филиппо Липпи. Расцвет творчества Боттичелли приходится на время правления семейства Медичи - периода процветания новой ренессансной культуры. Его имя стало известно благодаря картине Поклонение волхвов 1476 г, которая привлекла к себе внимание семьи Медичи.

На картине были изображены три поколения этих некоронованных правителей Флоренции Боттичелли стал работать при дворе Медичи Поклонение волхвов - одно из первых произведений художника, на котором он изобразил представителей правящего клана во Флоренции семейства Медичи.

Боттичелли превращает евангельскую сцену в многолюдное праздненство. Картина изобилует разнообразием поз, жестов, костюмов, украшений Сандро Боттичелли. Поклонение волхвов. Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации, т е обобщения изображений с помощью условных приемов - упрощения формы, цвета и объема, пользовалось большим успехом в кругу высокообразованных флорентийцев. В искусстве Боттичелли в отличие от большинства мастеров раннего Возрождения преобладало личное переживание мастера Исключительно чуткий и искренний, художник прошел сложный и трагический путь творческих исканий - от поэтического восприятия мира в юности до болезненного пессимизма в зрелом возрасте.

Очарованный античной цивилизацией, заново осмысленной в эпоху Возрождения, Боттичелли создаёт непревзойдённые образцы поэтической живописи Его знаменитые картины зрело го периода Весна около 1477- 1478 гг и Рождение Венеры 1483-1484 гг навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано, придворного поэта Медичи Аллегорическая картина Весна, написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли.

Сюжет Весны Боттиччели до сих пор не разгадан. В центре картины изображена Венера-Любовь, Весна на картине справа рассыпает вокруг себя цветы, над головой Венеры парит Амур - бог любви. Слева на картине изображен бог Меркурий, планета которого встает на небосклоне в весенние месяцы, и три Грации - спутницы Венеры.

На фоне темной зелени фантастического сада выступают изящными силуэтами гибкие стройные фигуры. Цветущий луг под их ногами напоминает яркий ковер. В глубине композиции Венера в нарядном платье стоит в меланхолической задумчивости. Ее окружает обязательная свита амур с луком парит над ее головой, три юные грации ведут хоровод, из рощи бежит нимфа, преследуемая фавном. Сандро Боттичелли. Весна. На переднем плане Весна, или богиня Флора, в венке и затканном цветами платье шествует стремительно и так легко, что еле касается босыми ногами земли. В левом углу - фигура юноши, которого обычно называют Меркурием.

Ритм струящихся линий объединяет композицию в единое целое, создает утонченную цветовую гармонию. Художник применил архаичный для своего времени прием - тончайшую штриховку золотом некоторых деталей, среди них - цветы, плоды, лучи, венцы, рисунок тканей Восхитительны отдельные фигуры и группы, особенно три танцующие грации. Покоряет прелесть очертаний их фигур, одежд, словно сотканных из воздуха, движений рук, касаний пальцев.

Пронизанный музыкальным ритмом танца, трепетом линий, образ трех граций прославляет наступающую Весну, праздник природы, человеческих чувств. Но в картине Боттичелли чувствуется свойственный его искусству оттенок грусти, холодноватой отрешённости. Персонажи погружены в себя, внутренне одиноки. Более непосредственно воспринимается картина Рождение Венеры, не столь сильно связанная с аллегорическим подтекстом.

Это одно из самых пленительных созданий мировой живописи. Картина изображает Венеру, богиню любви и красоты, плывущую на большой раковине. Лодку подгоняют к берегу летящие, сплетённые в объятиях бог и богиня ветра. На берегу Венеру поджидает нимфа, которая спешит накинуть на её плечи светло-малиновое покрывало, затканное цветами. Мастер золотит развеваемые ветром волосы Венеры, и это придаёт её женственному облику что-то неземное. Явление божества, далёкого от реальности, отражено и в гамме холодных, прозрачных, светлых красок.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. В живописи раннего Возрождения среди множества лиц - прекрасных и почти уродливых, но всегда значительных - образы женщин, девушек, юношей и детей, принадлежащие кисти Боттичелли, узнаются сразу. Их отличает не классическая правильность черт, не миловидность, а обаяние безгрешной чистоты, беззащитности, невысказанной грусти. Образ Венеры - высшее воплощение этого идеала.

Через четыре столетия люди всматриваются в её ясные черты и находят в них нечто волнующее и притягательное. Еще одну картину из мифологической серии Боттичелли - Марса и Венеру Лондон, Национальная галерея - возможно, заказало художнику семейство Веспуччи, близкое Медичи, пoскольку на самом краю справа видны несколько ос vespa по-итальянски - оса, она - геральдический символ семейства. Сюжет торжества любви часто обыгрывался в искусстве, и подобные картины часто дарили по случаю обручения.

Пока Марс отдыхает, маленькие сатиры играют с его оружием и доспехами теперь оно совершенно безопасно. Возможно, и эта картина украшала изголовье брачного ложа или украшала стенку свадебного кассоне. В картине можно усмотреть и аллегорию Венера гуманистическая мысль благотворно действует на распри и безудержную стихию, усмиряя грубую природу Марс. Помимо того, в соответствии с гуманистическими воззрениями, от союза Венеры и Марса - любви и борьбы - рождается Гармония. Сандро Боттичелли.

Венера и Марс. Благодаря политике Лоренцо Медичи, стремившегося к примирению с папой и расширению культурных связей Флоренции, Боттичелли вместе с Козимо Росселли, Доменико Гирландайо и Пьетро Перуджино 27 октября 1480 года направился в Рим расписывать стены новой великой капеллы Ватикана, только что возведенной по приказу папы Сикста IV и потому получившей название Сикстинской. Он выполнил три из этих фресок Сцены из жизни Моисея, Исцеление прокаженного и искушение Христа и Наказание Корея, Дафана и Абирона.

Во всех трех фресках мастерски решена проблема изложения сложной богословской программы в ясных, легких и живых драматических сценах при этом в полной мере используются композиционные эффекты. Последние пять лет своей жизни Боттичелли совсем не работал. В произведениях 1500-1505 годов его искусство достигло критического рубежа. Упадок реалистического мастерства и вместе с ним огрубление стиля неумолимо свидетельствовали о том, что художник зашел в тупик, из которого для него уже не было выхода.

В разладе с самим собой он исчерпал свои творческие возможности. Всеми забытый, он прожил в бедности еще несколько лет, вероятно, с горьким недоумением наблюдая вокруг себя новую жизнь, новое искусство. Со смертью Боттичелли завершается история флорентийской живописи Раннего Возрождения - этой подлинной весны итальянской художественной культуры. Современник Леонардо, Микельанджело и молодого Рафаэля, Боттичелли остался чужд их классических идеалов.

Как художник он полностью принадлежал XV столетию и не имел прямых преемников в живописи Высокого Возрождения. Однако его искусство не умерло вместе с ним. То была первая попытка раскрыть душевный мир человека, попытка робкая и закончившаяся трагически, но получившая через поколения и столетия свое бесконечно многогранное отражение в творчестве других мастеров. Искусство Боттичелли - поэтическая исповедь великого художника, которая волнует и всегда будет волновать сердца людей. Боттичелли скончался в возрасте 65 лет и был похоронен на кладбище флорентийской церкви Оньиссанти.

Вплоть до 19 в когда его творчество вновь открыли английский художественный критик Джон Рескин и художники-прерафаэлиты, его имя фактически было забыто для истории искусства. На период Высокого и Позднего Возрождения пришелся расцвет искусства в Венеции. Во второй половине XVI в. Венеция, сохранившая республиканское устройство, становится своеобразным оазисом и центром Ренессанса. Величайшим представителем венецианской школы был Тициан Вечеллио.

ТИЦИАН Тициан Вечеллио прожил почти столетие 1476 или 1477-1576 . Он родился в местечке Пьеве ди Кодоре близ Альп, учился в Венеции у Джентиле и Джованни Беллини, в 1507 г. перешёл к Джорджоне и стал его помощником. Творческое наследие Тициана огромно это около 120-130 полотен, фрески, ряд превосходных подготовительных рисунков, серия гравюр на дереве, созданных в его мастерской по его рисункам. Живопись его включает религиозные, мифологические, аллегорические композиции, портреты, традиционные для Венеции истории - многофигурные сцены с элементами исторической композиции.

Большое место в его творчестве занимают пейзажные мотивы. Слава к Тициану приходит рано. Уже в 1516 г. он становится первым живописцем республики, с 20-х годов - самым прославленным художником Венеции, и успех не оставляет его до конца дней. Тициан. Автопортрет. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи.

Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на её развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологическими и историческими картинами. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всём венецианском искусстве.

Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний до 1519 г. проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной картине этого периода Любовь небесная и земная 1515-1516 гг ТИЦИАН. ЛЮБОВЬ ЗЕМНАЯ И НЕБЕСНАЯ Картина радует прежде всего превосходной живописью, особенно в изображении сияющего красотой обнажённого женского тела и роскошных тканей.

Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии. Во втором периоде творчества 1519-1530 гг. Тициан создал для церкви Санта-Мария дельи Фрари огромную алтарную картину Вознесение Марии 1516-1518 гг более известную как Ассунта. На примере этого шедевра Тициана можно судить о том, насколько естественно и безупречно точно монументальные полотна великих венецианцев были связаны с архитектурным интерьером, являясь его драгоценным украшением.

Картина подобна целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением. ТИЦИАН. АССУНТА Прекрасная земной красотой Мария в темно-красной одежде неудержимо и плавно поднимается ввысь в золотистом токе воздуха широк, одухотворён жест Её воздетых к небу рук, Она оставляет на Земле смятенных, взволнованных апостолов. В третьем периоде творчества начиная с 1530 г. возрос интерес художника к народным типам, деталям быта. Всё это, однако, не выходило за пределы общей направленности его искусства. Картина Введение во храм 1534-1538 гг. решена Тицианом как великолепное красочное зрелище девочка Мария торжественно шествует в храм по широкой лестнице.

Написанная в 1538 г. для герцога Урбинского Лежащая Венера или Венера Урбинская по сравнению с богиней Джорджоне более тесно связана с реальной жизнью. Облокотившись на подушки, она непринуждённо раскинулась на ложе со спящей собачкой в ногах в просторной дворцовой комнате, где на дальнем плане служанки достают платье из большого сундука.

Кажется, что Венера спустилась на землю, чтобы принять облик привлекательной и женственной венецианки. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту её обнажённого тела. В эти годы он создал немало изображений золотоволосых красавиц - мифологических героинь. 40-е гг. отмечены расцветом портретного искусства Тициана. Тициан. Венера Урбинская. В последний период творчества, начиная с 50-х гг. это уже эпоха позднего Возрождения , Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий.

Он написал картину Бичевание Христа, где освещённые во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине Святой Себастьян герой, пронзённый стрелами, но не сломленный, возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением. Колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают чёткость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует.

Последняя большая алтарная картина Тициана - Оплакивание Христа 1573-1576 гг В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе. Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Возрождению.

Уже в 1550-е гг. характер творчества Тициана меняется, нарастает драматическое начало в его религиозных композициях Мученичество св. Лаврентия , 1555, церковь Джезуити, Венеция Положение во гроб , 1559, Прадо. В то же время он вновь обращается к мифологической тематике, мотиву цветущей женской красоты Даная , 1553-54, Венера и Адонис , 1554, Венера перед зеркалом, ок. 1560 . К этим образам близка даже горько рыдающая Мария Магдалина в одноименном полотне Тициан.

Кающаяся Мария Магдалина. Долгий, почти семидесятилетний творческий путь Тициана запечатлел сложную эволюцию его представлений о мире, от чувства ликующей радости бытия до осознания потрясающих этот мир драматических коллизий. Искусство Тициана, наиболее полно раскрывшее своеобразие венецианской школы, оказало большое влияние на становление крупнейших художников 17 в. от Рубенса и Веласкеса до Пуссена.