ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ XVII в. (БАРОККО)
По сравнению с эпохой Возрождения искусство XVII в. сложнее, проти-норечивее. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности кажется недосягаемым. При этом образ человека по-прежнему остается в центре внимания художника.
В XVII в. в Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определилось как условиями исторического развития, так и художественной традицией. Художники XVII в. во многом опирались на достижения эпохи Возрождения и расширили круг своих интересов, что привело к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с мифологическим и библейским жанрами самостоятельное место занимают бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.
Сложная борьба социальных сил породила и разнообразие идейно-художественных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство в течение нескольких веков развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), XVII в. характеризуют два больших стиля — барокко и классицизм.
Барокко — художественный стиль, преобладающий в искусстве Европы с конца XVI до середины XVIII в. Он зародился в Италии и распространился в других странах после эпохи Ренессанса. Название стиля барокко происходит от португальского Ьагоссо — «жемчужина неправильной формы»; в значении «причудливый», «странный», «изменчивый» это слово вошло в европейские языки. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил.
Стиль барокко выражал идеи безграничности и многообразия мира. Человек в искусстве барокко воспринимался как сложная личность, переживающая драматические конфликты. Мир изменился необратимо. Все необычное, загадочное стало казаться красивым, привлекательным, а ясное и правильное — скучным и унылым.
Особенность барокко — более эмоциональный контакт со зрителем, чем в предыдущую эпоху. Барокко поставило перед собой задачу объединить проблемы Средневековья и Возрождения: одновременно включить зрителя в художественное действо и противопоставить ему мир. Легче всего подобную задачу решать в архитектуре, но она разрешима и в живописи. Например, Веласкес в картине «Менины» выстраивает сложную систему отражений.
Основные черты барокко — стиля, прославлявшего могущество знати и церкви, — парадность, торжественность, динамичность. Искусству барокко свойственны смелые контрасты масштабов, цвета, света и тени, совмещение реальности и фантазии. Для барокко характерны слияние различных искусств в едином ансамбле, взаимопроникновение архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства, которые утрачивают обособленность и стремятся обогатить друг друга.
Ранние работы мастера «Больном Вакх», «Мальчик с корзиной фрук тов», «Мальчик, укушенный ящерицей», «Вакх» — это пристальное тля дывание в жизнь, осознание ценности всякой будто бы незначительном мелочи. Художник много сил вложим в развитие жанра натюрморта, писал композиции с цистами и фруктами Караваджо одними из первых обратился к бытовому жанру, изображая уличных мальчишек, посетителей кабачков и других представителей простого парода. Художник стремился запечатлеть на своих полотнах характерные типажи.
К числу таких картин относится картина «Юноша с лютней» (ок. 1595). На темном фоне выделяется ярко освещенный силуэт изображенного по пояс молодого музыканта. Художник мастерски владеет светотеневой моделировкой формы, точно передает нежные черты лица, лежащие на столе предметы. Болезненному изяществу маньеризма и патетике барокко он пытается противопоставить красоту и естественность повседневного.
Целостность и замкнутость композиции, монументальность и значительное ть религиозных сюжетов («Призвание апостола Матфея», «Распятие апостола Петра», «Обращение апостола Павла», «Положение во гроб», «Успение Марии») сближают Караваджо с мастерами Возрождения.
Прием контрастной светотени — характерная черта творчества Караваджо. Резкий источник света в произведениях Караваджо выхватывает самое важное: например, фигуру святого Петра, лицо Христа, зовущего с собой сидящих за столом людей, среди которых Матфей, потрясенный тем, что Иисус избрал именно его («Призвание апостола Матфея», 1596— 1601), или оплакиваемую Марию («Успение Марии», 1605-1606).
Свойственное художнику противопоставление бытового и возвышенного рождает новые ощущения и поражает зрителя. От картины к картине нарастает трагическая сила образов Караваджо. В Италии нашлось много последователей Караваджо, получивших название «караваджисты». Значительно то, что воздействовал на реализм в европейском искусстве.
ИСКУССТВО ИСПАНИИ
XVII век был «золотым веком» испанской живописи. Уже в первые десятилетия века здесь преобладала реалистическая тенденция, чему способсвовали распространение караваджизма и приток произведений искусства из Италии.
Расцвет испанской реалистической школы, развивавшейся в основном в рамках религиозной живописи, наступил в первой половине XVII в. В эту эпоху творили такие замечательные мастера, как Хусепе Рибера, Франциско ('урбаран, Диего Веласкес. Передовые веяния ярко проявились в художественной жизни Севильи и Валенсии.
Непревзойденным гением живописи был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660). В произведениях «Старая кухарка», «Служанка-мулатка», «Музыканты», «Завтрак двух юношей», «Водонос» фигуры, выдвинутые на передний план, контрастно освещены, точно передана внешность моделей.
В 1623 г. Веласкес стал придворным живописцем короля. Он писал Филиппа IV, королеву, инфанта и инфанту в разном возрасте и с различными аксессуарами, а также приближенных короля. Талант «документального» воспроизведения натуры как нельзя более отвечал требованиям аристократии и дворянства. Виртуозным мастером показал себя Веласкес и в тематических картинах на сюжеты из светской и духовной истории.
В картине «Сдача Бреды» художник показал эпизод войны Испании с Нидерландами: на переднем плане побежденный командующий гарнизона нидерландской Бреды вручает ключ от города испанскому полководцу Ам->рочио Спиноле. Драматические события раскрываются через тонкие психо-иогичсскис характеристики главных дейстнующих лиц, написанных с портретной достоверностью. Гордые испанские гранды с утонченными лицами, строгой пыпранкой образую'!1 компакт высится лес копий. Нидерландские воины с мужественными лицами склонили свои копья и знамена перед неприятелем.
Идейный и композиционный центр картины совпадают. Это — эпизод передачи ключа. Пейзаж со следами военных действий, дымом пожаров дополняет сюжет. Богатство красочной палитры, построенной на валерах (тончайших цветовых нюансах), передача световоздушной среды характеризуют творчество Веласкеса. Он отказался от традиционной в XVII в. парадно-аллегорической трактовки батальной темы и положил начало реализму в исторической живописи.
Новаторские композиционные поиски особенно ярко воплотились в работах Вела'скёса 1650-х годов: «Мёнй-ны» (1656) и «Пряхи» (1657).
В картине «Менины» с помощью композиционных приемов художник Воплощает Изменчивость жизни, красоты и уродства, добра и зла Полотно является одновременно и групповым портретом, и жанровой сценой из жизни королевского двора. В просторном зале изображена инфанта'Маргарита в сопровождении своей свиты — фрейлин («менин»), карликов и придворных. Здесь же и сам Веласкес перед большим холстом с палитрой и кистью в руках. В зеркале, висящем на задней стене, отражены фигуры короля и королевы, вероятно, позирующих художнику. Принято считать, что приход инфанты Маргариты прервал работу над портретом королевской четы, но возможны и другие толкования сюжета.
Мы не видим, что рисует художник, но если предположить, что он изобразил увиденную нами сцену, то, значит, на нарисованной картине тоже изображен художник, работающий над той же картиной, и гак до бесконечности. На этом полотне два композиционных центра. Один — это инфанта, а другой — два равновеликих пятна на дальнем плане: зеркало и дверной проем, в котором виден темный мужской силуэт. Кто этот человек и какова его роль в запечатленной сцене, остается только гадать.
Гармоничен и целен колорит картины. В нем доминируют зеленовато-серебристые и золотисто-коричневые тона, дополненные немногими красными акцентами. Мягкий свет смягчает контуры и объединяет фигуры.
Открытия веласкеса в области света и цвета оказало влияние на ис4кусство последующих веков.
Северные Нидерланды после победы над испанской монархией стали называться Голландией по имени самой большой провинции.
Пути развития голландской архитектуры определялись новым общественным укладом и специфическими природными условиями. Необходимость вести постоянную борьбу с океаном, грозящим затопить большую часть страны, вызвала появление мощных гидротехнических сооружений: плотин и дамб, шлюзов и каналов. Облик больших городов был необычайно живописным из-за обилия воды и зелени, своеобразного вида зданий.
Во второй половине XVII в. в архитектуре получил распространение классицизм. Голландский вариант этого стиля отличался упрощенностью и суховатостью.
Ведущим видом искусства в рассматриваемый период в Голландии была живопись. Здесь сложилось несколько живописных школ, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франса Хальса - в Гарлеме, Рембрандта — в Амстердаме,Фабрициусаи Вермера — в Дельфте.
Вкусы буржуазного общества предопределяли пути развития голландского искусства. Художник всецело окаазывался в зависимости от запросов рынка. Бурное развитие живописи объяснялось не только спросом на картины тех, кто хотел украсить ими свое жилище, но и взглядом на них как на товар. Если талантливый художник отстаивал свою самостоятельность в вопросах творчества, подобно Хальсу и Рембрандту, то он оказывался изолированным, безвременно погибал в нужде и одиночестве.
Главным объектом изображения для голландских художников была окружающая действительность. Обращение к самым различным сторонам жизни приводило к укреплению реалистических тенденций, ведущее место в живописи заняли бытовой жанр, портрет, пейзаж и натюрморт.Специализация каждого художника на определенном жанре способствовала отточенности его мастерства. Только самые крупные из голландских художников писали и пейзажи, и натюрморты, работали в разных жанрах.
В каждом жанре существовали свои излюбленные темы. Так, например, среди пейзажистов были маринисты, живописцы, предпочитавшие виды равнинных мест или лесные чащи, зимние пейзажи или пейзажи с лунным светом; среди тех, кто специализировался на натюрмортах, — мастера «завтраков», «десертов», «лавок» и т.п. Возможно, что именно из-за такой узкой специализации или небольшого размера картин этих художников прозвали малыми голландцами.
Основоположником голландского реалистического портрета был Франс Хальс (ок. 1580—1666). Смелый новатор, он разрушил сложившиеся до него каноны портрета XVI в. Его интересовал не аристократ, изображенный согласно своему общественному положению в величественно-торжественной позе и парадном костюме, а человек во всей своей естественной сущности, характерности. М портретах Хальса пред ставлены все слои общества: бюргеры, офицеры, ремесленники, крестьяне. Хальс изображал своих героев без прикрас. Он расширил рамки портретного жанра, вводя сюжетные элементы, запечатлевая портретируемых в действии, в конкретной жизненной ситуации. Художник добивался эмоциональной силы и жизненности характеристик своих моделей, акцентируя точно схваченные мимику, жест, позу.
Широкую популярность Хальсу снискали групповые портреты офицеров стрелковой роты Св. Георгия и стрелковой роты Св. Адриана. Жизнерадостное с оттенком юмора настроение объединяет разных по характерам и манерам офицеров. Здесь нет главного героя, все присутствующие — равноправные участники.
Хальс — живописец смеха, заразительной улыбки. Искрящимся весельем оживляет художник лица представителей простонародья, посетителей кабачков, уличных мальчишек. Его персонажи не замыкаются в себе, они обращают взгляды и жесты к зрителю.
Вольнолюбивым дыханием овеян образ «Цыганки» (ок. 1630). Он восхищается гордой посадкой головы в ореоле пушистых волос, обольстительной улыбкой, задорным блеском глаз, независимостью молодой женщины. Скользящие лучи света, бегущие облака, на фоне которых написана цыганка, наполняют образ трепетом жизни. Свободная живописная манера выделяет этот портрет, делая его одним из лучших произведений Хальса. По силе характеристики образа свободолюбивой цыганки, живописным достоинствам портрет явно опережает свое время и прокладывает новые пути развития западноевропейской живописи.
Портреты Хальса разнообразны по темам и образам, но портретируемых объединяют общие черты: цельность натуры, жизнелюбие. Поздняя манера художника становится более сдержанной. Его жизнерадостные портреты уже не в моде, и он изображает напыщенных высокомерных молодых людей, чопорных старух и стариков («Портрет молодого человека», «Регентши богадельни в Харлеме» и др.). Умер Хальс в бедности.
Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 —1669) — одна из вершин мировой живописи. Рембрандт открывает новые возможности свето-тени как средства образного выражения: она не только образует объем и форму, но и задает эмоциональную тональность картинам.С 1631 г., когда художник поселился в Амстердаме, начинается десятилетний этап его творческого пути, принесший Рембрандту славу. Произведения дорого продаются, мастерская полна учеников.В 1634 г. Рембрандт берет в жены богатую патрицианку Саскию ван Эйленбурх. В это время художник пишет много заказных портретов. В 1630е годы среди картин Рембрандта на библейские темы и мофологические «страсти Христа», «Ослепление Самсона» и т.п. Выдающимся является «ДАНАЯ», представляющая параллель знаменитым картинам всемирно известных мастеров (в первую очередь Тициана и Рубенса) на тот же сюжет. Рембрандт показывает сложную гамму чувств Данаи, которую отец, зная по предсказаниям, что ее сын убьет его, заключил в подземную башню. Зевс перехитрил отца Данаи и в виде золотого дождя пришел к ней. Героиня полна радости узнавания, открыта навстречу новым событиям.
Вступая в период творческой зрелости, Рембрандт создает грандиозный по размерам «Ночной дозор» (1642). Это групповой портрет стрелков роты капитана Баннинга Кока.В этой работе Рембрандт пытается соединить различные пространства, разные точки зрения, показать множественность настроений, характеров, действий. Целостность композиции достигается таким приемом: центральную группу и группу слева связывает световым пятном странная фигурка то ли девочки, то ли карлицы, перебегающей слева направо. У современников картина вызвала много толков и споров.
Со временем окончания работы над «Ночным дозором» совпадает серьезный перелом в судьбе мастера: после смерти Саскии ее родственники враждебно отнеслись к художнику — и в высшие, патрицианские круги вход для него был закрыт.
Рембрандт получает меньше заказов, ведет замкнутый образ жизни. Он пишет знаменитое «Святое семейство» (1645), «Пейзаж с руиной» (1650), «Пейзаж с мельницей». С 1650 г. начинается последний, самый трагический период жизни художника. В 1656 г. он объявляется банкротом за неуплату долгов, затем умирают его любимый сын Титус и вторая жена, преданная помощница Хендрикье Стоффель. В состоянии продельной драматической напряженности н последние десять лет аи и 1Н Рембрандт создаст лучшие спои произведения: «Иаков, благословляющий сыновей Иосифа», «Отречение апостола Петра», «Артаксеркс, Аман и Эсфирь», «Заговор Юлия Цивили-са», «Давид перед Саулом», портрет Яна Сикса, «Синдики» — групповой портрет старшин цеха суконщиков, автопортреты. Глубокая одухотворенность образов, исключительная эмоциональная насыщенность звучания будто горящих изнутри цветов характерны для этих полотен.
Погруженный в раздумье старый человек, несущий на себе груз прожитого, — один из самых проникновенных образов в искусстве Рембрандта («Портрет старика в красном», «Портрет пожилой женщины» и др.). Живописным завещанием художника и эпилогом его творческих исканий стало полотно «Возвращение блудного сына» (1663, Эрмитаж). Произведение выражает христианскую идею отцовской любви и прощения.
Сюжет картины навеян евангельской притчей. На пороге родного дома встретились отец и сын, который вернулся после скитаний по свету. Живописуя рубище скитальца, Рембрандт показывает пройденный сыном тяжкий путь. Можно долго рассматривать эту спину, сочувствуя страданиям заблудшего сына. Глубина пространства передается последовательным ослаблением светотеневых и цветовых контрастов, начиная от первого плана. Так, фигуры свидетелей сцены прощения постепенно растворяются в полумраке.
Главное в картине — фигуры коленопреклоненного сына и склонившегося над ним отца — Рембрандт выделяет светом. Композиционный центр находится почти у левого края картины. Художник уравновешивает композицию ярко освещенной фигурой старшего сына, стоящего справа. Слепой отец положил руки па плечи сына н знак прошения. В этом жесте муд рость старости, боль и тоска, накопившиеся за прожитые в тревоге годы, всепрощение. Написанное в конце нелегкой жизни художника, отвергнутого своим временем, это монументальное изображение евангельской сцены стало выражением его глубокой веры в силу добра и любви.
Шедевры мастера вывели искусство к новым рубежам, по-новому поставили проблемы бытия мира и человека.
Еще одним великим голландским живописцем был Ян Вермер Делфтский (1632—1675).Относится к малым голландцам. Его творчество отличали тончайший колорит, безукоризненный вкус, филигранная техника. С помощью этих средств художник добивался поэтичности, цельности и красоты образов. Большое внимание он уделял точной передаче нюансов световоздушной среды. Художественное наследие Вермера невелико, потому что он очень долго и с необычайной тщательностью работал над каждым полотном. Среди шедевров такие произведения как: «У сводни» «Девушка с письмом» «Кружевница» и т.д.