Виды искусства

Билет №1. Виды изобразительного искусства. Дать характеристику художественных средств выразительности каждого вида искусства. Примеры. Перечислить жанры живописи, привести примеры на основе искусства разных эпох.

А) Виды искусства – это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.).

Виды искусства:

1) пространственные (пластические) = изобразительное– графика, живопись, скульптура)

конструктивное – архитектура, дизайн, фотография

декоративно-прикладные

2) временные = музыка(вокальная, инструментальная)

литература (фольклор, проза, поэзия)

Пространственно-временные (синтетические)= театр

Кино

Танец

Цирк

Пластические (пространственные) искусства принято разделять на изобразительные и неизобразительные.

К изобразительным относят: живопись, скульптуру, графику, монументальное искусство, фотоискусство.

К неизобразительным относят: архитектуру (конструктивное), художественно-прикладное искусство (декоративное) и художественное конструирование (дизайн). Их зрительные формы не предполагают прямых аналогий с реальной действительностью.

 

Графика – «пишу, рисую» - изображения, созданные при помощи линий, штрихов, точек и пятен. Вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные изображения (гравюра, литография и др.), основанные на искусстве рисунка.

- станковая (небольших размеров, на столе) А.Дюрер «Четыре всадника»

- книжная (иллюстрации)

- прикладная (этикетки, открытки). Выразительное средство –линия, пятно на плоскости.

Живопись «живо пишу цветом» -– вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую–либо поверхность. Леонардо да Винчи- Джоконда.

- монументальная (больших размеров – фреска, мозаика, витраж)

- станковая (на мольберте)

- миниатюра (маленьких размеров) Выразительное средство – цвет на плоскости.

Скульптура («высекаю, вырезаю») – вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объемную, трехмерную форму и выполняются из твердых или пластических материалов. Ника Самофракийская, Дискобол Мирона, И.Ханов –Монумент Славы.

Круглая

Рельеф

- станковая(небольших размеров)

- монументальная (больших размеров)

- скульптура малых форм Выразительное средство – объем и форма.

Архитектура– («искусство строить здания» )-

1. Объемные сооружения (культовые– церкви…., светские – школы, магазины……)

2. Ландшафтная архитектура(парки, скверы, беседки, фонтаны…)

3. Градостроительство(возведение новых и реконструкция старых городов). Собор Нотр Дам де Пари, храм Василия Блаженного.

Выразительное средство – конструкция и пространство.

 

Декоративно – прикладное искусство- («искусство украшать») - создание художественных изделий, которые человек использует в быту, отличающихся декоративной образностью. (Хохлома, Гжель, Городец, Жостово, Палех…).

Выразительное средство – синтез (соединение) объема, цвета, линий, пространства.

Дизайн– («эскиз, чертеж, рисунок) - художественное проектирование и конструирование эстетических свойств окружающего нас предметного мира.

 

Б) Жанр- совокупность произведений, объединенных одной темой..

* Исторический жанр – это изображение событий прошлого. В.Суриков «Боярыня Морозова», «Переход Суворова через Альпы» * Батальный жанр – изображение битв и эпизодов военной жизни. В России одним из самых замечательных баталистов был В. Верещагин, а также В. Суриков. ( Верещагин. Апофеоз войны.). …

Сооружения имели сверхчеловеческий размер.

*геометрические формы, *строгая симметрия, * огромные размеры.

Б) Пирамиды– возникли в результате ступенчатой подстройки мастабы (пирамида Джосера).

которые являются знаком вечности, символом мощи, богатства, значимости фараонов. Фараоны строили их при жизни. 1))))«Матерью египетских пирамид» называют пирамиду Джосера(6 ступеней,… 2)))) Самая известная пирамида – Великая пирамида- пирамида Хеопса в Гизе - является древнейшим из семи чудес…

Изображения человека носили условно-схематический характер, выполнялось по особым правилам – канонам. Древнеегипетские статуи и изображения фараонов всегда монументальны и величественны, позы и жесты неподвижны и канонизированы, масштаб фигур социально обусловлен (фараон изображен всегда в несколько раз крупнее остальных фигур).

Изображения простых людей не были связаны канонами и поэтому их позы полны жизни и движения.

• Особая роль - горе, возвышающейся над гробницей; • Теперь гробница и заупокойный храм – разделены; • храм строили на границе пустыни и плодородной земли

Карнакский храм

Луксорский храм

2)***В храмах - статуи фараонов, предназначенные для всеобщего обозрения (характерные портретные черты, в том числе и возрастные изменения показывали.

А) Египетские портреты своеобразны: они с удивительной силой передают индивидуальные черты лица, но выражение лица остается отвлеченным.

Г) Древнеегипетских художников и скульпторов называли «санхи». «Санх» – «творящий жизнь» Творения, которые создавали «санхи» передавали характерные черты разных людей,… В Древнем Египте добывали много золота и использовали его в украшениях с элементами символики: а) дорогие, затканные…

Египет- родина одной из самых древнейших культур.

храм в Абу Симбеле зауп. храм Хатшепсут

Билет №3.

Культура Древней Греции.

Каждая последующая эпоха в той или иной мере использовала опыт древнегреческого искусства. Искусство Античности является образцом для европейского искусства. Искусство Античности является образцом на все века. Историю Древней Греции принято делить на 5 периодов: *Эгейским или…

А) Храм – наиболее яркое отражение достижений архитекторов.

Единый архитектурный язык– ордерная система:определенное соотношение несомых и несущих частей сооружения и особенностей его украшения. Б) Существует три типа греческих ордеров: А) дорический (мужской)

Скульптура.

В) Большое место в искусстве архаики занимала скульптура, которая украшала не только храмы, но и была составной частью

религиозного культа.

Г) Новый идеал красоты – здоровое человеческое тело – воплощен в дошедших до нас статуях.

а) кора (девушек всегда в одеждах (драпировка).

б) курос (обнаженные юноши – атлетов).

Д) вазопись.

Чернофигурная * краснофигурная

3. Классический период. А)Величайшие произведения греческого искусства были созданы в это время.

Б) Начало этого периода ознаменовано победоносной борьбой свободолюбивых греков с персами.

В Идеалы, проникнутые пафосом героической борьбы с врагами, нашли выражение и в искусстве, и в литературе, и в архитектуре.

Г) Архитектура

Афинский Акрополь («вышгород»). Был средоточием всех высших святынь афинян.

В основе композиции Акрополя лежал принцип ассиметрии (что характерно для классики). Был украшен внутри статуей Афины, работы Фидия.

* храм богине победы Нике Аптерос

На постаменте стоял символ Вооруженного мира – бронзовая статуя Афины Воительницы (богиня мудрости и

* ***главное сооружение Акрополя – храм Парфенон, посвященный Афине Парфенос (деве) =(архитекторами Иктином и Калликратом) – из золотисто-розового мрамора. Представляет собой храм типа… Был украшен внутри статуей Афины, работы Фидия. Сейчас полуразрушен - в 1687 году при осаде Акрополя был взорван…

Вход в Акрополь с запада через центральный вход – Пропилеи, который открывали один раз в год. Афинский Акрополь - уникальный шедевр мирового искусства. Красота, гармония и грация этого здания сохраняются на всю жизнь в памяти каждого посетителя.

Д) САМЫЕ ИЗВЕСТНЫЕ АРХИТЕКТОРЫ АФИН И ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ

Ò Иктин ( вторая половина V века до н.э.)

Ò Калликрат ( середина V века до н.э.)

Ò Мнесикл ( вторая половина V века до н.э.

 

Е) Скульптура

• Мирон - преодолел последние пережитки архаического искусства с его застылостью и неподвижностью форм. В середине V в. до н. э. он создал статую… • Поликлет обычно изображал спокойно стоящего человека. Особенной славой… • В конце V в. до н. э. - война Афин со Спартой ослабила Грецию. Изменяется мировоззрение греков, их отношение к…

Эпоха Эллинизма

Ника Самофракийская Агессандр Венера Милосская 150г. До н.э. Лаокоон и его сыновья

Билет №4 Скульптура Древней Греции.

Поликлет (около 480 г. – конец Vвека до н.э.) - младший современник Мирона (в Афинах). Также создавал статуи атлетов-победителей на состязаниях (в…

Итак, греки пришли от условных (однообразных по чертам и выражению лиц) куросов и кор в период архаики через классическую красоту идеальных бесстрастных героев в классический период (Фидий, Мирон, Поликлет) к интересу к передаче внутреннего мира человека в поздней классике (Скопас, Лисипп).

Многочисленные скульпторы работали в Греции в V в. до н. э. Среди них выделяются три наиболее значительные: Мирон, Поликлет и Фидий.

• - Мирон в своем творчестве окончательно преодолел последние пережитки архаического искусства с его застылостью и неподвижностью форм. В середине V в. до н. э. он создал статую Дискобола — юноши, бросающего диск. Сложную позу напрягшегося для броска атлета он передал живо и убедительно. И в других своих произведениях Мирон стремился раскрыть все богатство и разнообразие движений человека.

• Поликлет обычно изображал спокойно стоящего человека. Особенной славой пользовалась его статуяДорифора (копьеносца), атлета-воина, воплощающего идеал прекрасного и доблестного гражданина свободного полиса (ок. 440 до н. э). Поза юноши, слегка согнувшего одну ногу и опирающегося на другую, проста и естественна, мускулатура его сильного тела передана живо и убедительно. Поликлет строил свои скульптуры по разработанной им системе математически точного соотношения частей человеческого тела. Древние греки называли статую Дорифора каноном, т. е. правилом; многие поколения скульпторов следовали ее пропорциям в своих произведениях.

В конце V в. до н. э. начинается период кризиса рабовладельческих полисов Греции. Война Афин со Спартой ослабила Грецию. Изменяется мировоззрение греков, их отношение к искусству. Величаво-возвышенное искусство V в., прославляющее героя-гражданина, уступает место произведениям, отражающим индивидуальные чувства, личные переживания. Скульптор первой половины IV в до н. э.

• Скопас изображает раненых воинов с лицами, искаженными страданием. Славилась его статуя Менады, спутницы бога вина Диониса, несущейся в неистовой, хмельной пляске (уменьшенная мраморная копия находится в Дрездене, в Альбертинуме).

• По-новому стали изображать и богов. В статуях прославленного скульптора IV в. до н. э.Праксителя боги, утратив величие и мощь, приобретали черты земной, человеческой красоты. Бога Гермеса он изобразил отдыхающим после долгого пути (Музей, Олимпия). На руках у бога младенец Дионис, которого он забавляет виноградной кистью.

• Скульптор второй половины IV в. до н. э. Лисипп создал новый образ юноши-атлета. В его статуеАпоксиомена (юноши, очищающего тело от песка) подчеркнута не гордость победителя, а его усталость и взволнованность после состязаний (Музей Ватикана, Рим).

В) расцвет театрального искусства (комедия и трагедия).

Помимо храмов к высшим достижениям греческой архитектуры относятся театры. Эти открытые сооружения с поднимающимися ступенями — сиденьями для зрителей — отличались прекрасной акустикой. Знаменит был театр в Эпидавре, построенный архитектором Поликлетом Младшим в IV в. до н. э.

 

 

	Архаика (VII-VIвв. до н.э.)
	Куросы – обнаженные статуи юношей. Коры – задрапированные статуи девушек.	Неподвижность поз, скованность движений, «архаическая улыбка» на лицах, связь с египетской скульптурой.
	Классический период (V-IV вв. до н.э.)
Мирон	«Дискобол»	Первый греческий скульптор, сумевший передать фигуру человека в момент быстрого движения. Идеализация. Лицо бесстрастно, статично, лишено индивидуализации.
	Классический период (V-VIвв. до н.э.)
Поликлет	«Дорифор» (Копьеносец)	Определил законы пропорций идеальной человеческой фигуры. Человеческая фигура дана в медленном шаге с упором на одну ногу (хиазм). Идеализация, бесстрастность. Отсутствие психологизации и индивидуализации.
	Поздняя классика (рубеж IVв. до н.э.)
Скопас	«Менада» (Вакханка), «Голова раненого воина», фрагмент фриза мавзолея в Галикарнассе «Битва греков с амазонками»	Разрушил благородный, бесстрастный идеал Фидия. Интерес к внутреннему состоянию человека. Выражение сильных, страстных чувств. Драматизм. Экспрессия. Изображение энергичного движения.
Лисипп	«Апоксиомен», «Голова Александра Македонского»	Разработал новый пластический канон, заменивший канон Поликлета. Появляется индивидуализация и психологизация образов.

Курос Кора Мирон. Дискобол.

Агессандр.

Ника Самофракийская.

Скопас. Менада. Неизвестный скульптор. Фидий. Афина Парфенос.

Лисипп. Отдыхающий Гермес. Лисипп. Геракл со львом.

Курос

Кора

 

 

Мирон. Дискобол.

 

 

Поликлет. Дорифор.

Скопас. Менада.

Ника Самофракийская. Неизвестный скульптор.

Агесандр. Венера Милосская.

 

 

Фидий. Афина Парфенос.

Лисипп. Отдыхающий Гермес.

Лисипп. Геракл со львом.

Билет №5.

Образ художественной культуры Древнего Рима.

Древний Рим дал человечеству настоящую культурную среду прекрасно распланированные, удобные для жизни города с мощеными дорогами, великолепными… Римляне впервые стали строить “типовые” города, прообразом которых явились… • В своих сооружениях римляне стремились подчеркнуть силу, мощь, величие, подавляющие человека. Для сооружений…

ПАНТЕОН -«храм всех богов» в Риме, памятник центрическо-купольной архитектуры периода расцвета архитектуры Древнего Рима, построенный во II веке н. э. при императоре Адриане.В архитектурном образе Пантеона воплотились не только идея римской государственности и величия Империи, но прежде всего сознание человеком своего совершенства в его античном понимании. Одна из особенностей Пантеона — отверстие в крыше. В период полудня проникает наиболее сильный световой столб. Свет очень ощутим, он «не растекается», а остаётся в форме гигантского светового луча. Колизей . I в. Камень. Эллипс размером 188 м x 156 м, высота фасада ок. 48,5 м Рим, Италия

• КОЛИЗЕЙ — самый большой амфитеатр старины — был построен в Риме (Италия). Он считается архитектурным и техническим совершенством, и является доказательством великолепия и жестокости римского мира.

Символ величия и могущества Рима на протяжении многих веков, Колизей являлся местом, равным которому по накалу кипевших там страстей просто не было: проходившие на арене Колизея гладиаторские бои не на жизнь, а на смерть держали в напряжении десятки тысяч зрителей. Колизей - римское изобретение. Он состоял из арены эллиптической формы, окруженный выстроенными ярусами рядов сидячих трибун, находясь на которых, многочисленная публика, не подвергая себя риску, могла наблюдать захватывающие кровопролитные зрелища. Здесь проводились бои гладиаторов и выводили напоказ диких экзотических зверей, чтобы потом на глазах завороженной толпы стравить их друг с другом в смертельной схватке.ВНУТРИ- Амфитеатр вмещал около 50.000-70.000 зрителей, рассаживающихся на его ступеньках в зависимости от класса социальной принадлежности. От этрусков римляне переняли арку, от греков -архитектурный ордер; синтез этих двух элементов привел к появлению римской арочной ячейки, на основе которой и был построен Колизей.Бесконечно повторяющиеся арки придают зданию монументальность и величие. Римляне переняли греческие колонны. Они предпочитали коринфский стиль, как самый пышный. В римских постройках, однако, колонны стали утрачивать своё первоначальное назначение быть опорой для какой - либо части постройки. Они превратились в украшение, поскольку арки и своды держались и без них. Очень часто использовались полуколонны и прямоугольные в разрезе пилястры.

• Римские ордера:

• а - римско-дорический,

• б - тосканский,

• в - римско-ионический,

• г - римско-коринфский,

• д - композитный

• Триумфальные арки – тоже римское архитектурное новшество. Арки сооружали по разным поводам – и в честь побед, и как знак освящения новых городов. Однако их первичный смысл связан с триумфом – торжественным шествием в честь победы над врагом.Проходя через арку, император возвращался в родной город уже в новом качестве. Арка была границей своего и чужого. ТРИУМФАЛЬНАЯ АРКА КОНСТАНТИНА. ТРИУФАЛЬНАЯ АРКА ТИТА. АКВЕДУКИ.

• Водопроводы, или акведуки, строились следующим образом. На довольно высоком месте находили обильный источник воды и делали углубление в виде большого водоема, в котором собиралась вода. Из этого водоема вода поступала к общественному или собственному (личному) водопроводу по подземным трубам или по надземным водопроводам.
Подземные трубы выполнялись из дерева, глины или свинца (кстати, эта одна из причин падения Римской империи. Свинец - это провокатор онкологических заболеваний. Римляне, особенно элита, не доживали до 30 лет из-за раковых опухолей). ТЕРМЫ (БАНИ).

• Уже в V в. н. э. Термы Каракаллы считались одним из чудес Рима.

• Сюда приходили не только смыть грязь, здесь отдыхали. Особенное значение имели термы для бедняков. Недаром один из современных ученых назвал термы лучшим подарком, который императоры сделали римскому населению. Посетитель находил здесь и клуб, и стадион, и сад отдыха, и дом культуры. Каждый мог выбрать себе то, что было ему по вкусу: одни, вымывшись, усаживались поболтать с друзьями, шли поглядеть на борьбу и гимнастические упражнения и самим заняться ими; другие бродили по парку, любовались статуями, засиживались в библиотеке. Люди уходили с запасом новых сил, отдохнувшие и обновленные не только физически, но и нравственно.

• Именно в Древнем Риме значительно повысился интерес к личности государственной и общественной. За несколько столетий мастерами было создано великое множество скульптурных портретов. Они чрезвычайно разнообразны. Холодные и строгие, с непроницаемым выражением лиц, ироничные и насмешливые, они выполнены с исключительной правдивостью и мастерством. Заказчик хотел себя видеть таким, каким он был на самом деле, чтобы оставить портрет на память потомкам. Скульптурный портрет точно передает портретное сходство и сложность соотношений между физическим и духовным миром человека. Художники Древнего Рима впервые обратили пристальное внимание на внутренний мир человека и отразили его в жанре портрета, создав произведения, не имевшие себе равных в древности. До наших дней дошло очень мало имен римских мастеров. Однако оставленные ими памятники входят в сокровищницу мирового искусства. Скульптуры римских императоров: “Статуя Августа” (Множество статуй в честь прославленного императора и полководца Октавиана Августа было воздвигнуто еще при его жизни. Для римлян он стал подлинным эталоном гражданственности и патриотизма, он был осторожным политиком и блестящим дипломатом. Хитрый и ловкий, он известен как деспотичный правитель. Всё сказанное Октавианом даже в частном разговоре, считалось законом. Сенат преподнес ему титул “Август”, что значит -возвеличенный богами. На этом скульптурном портрете Август представлен в виде Зевса Олимпийского.Эта композиция повторяет в общих чертах знаменитую 14-метровую хрисоэлефантинную статую Зевса работы Фидия, причисленную к семи чудесам света). Статуя императора Марка Авреэля и сегодня возвышается на одной из главных площадей Рима. В замечательном скульптурном произведении запечатлен образ философа и мыслителя, общественного деятеля и оратора. Марк Аврелий в простой одежде, без каких-либо императорских знаков отличия, восседает на коне. Спокойным, величественным жестом руки он приветствует толпу подданных. Его красивое мужественное лицо, обрамленное густыми вьющимися волосами и длинной бородой, плотно сжатые губы свидетельствуют о сильном волевом характере, способном подчинить своей власти окружающих. (Конная статуя Марка Аврелия – единственный конный памятник античности, дошедший до наших дней). Скульптурный портрет императора Нерона. ***Значительным явлением римской культуры были не только скульптурные и архитектурные памятники, но и стенные росписи и мозаики, сохранившиеся в развалинах Геркуланума и Помпеи. Излюбленные сюжеты живописи связаны с мифологией, гомеровскими поэмами и изображениями битв и триумфов. Живописные произведения того времени поражают непосредственностью восприятия окружающего мира, стремлением показать реального человека, его внутренний мир и физическую красоту. Древнеримская живопись поражает зрителя великолепием декоративных композиций, богатством сюжетов, разнообразием художественных приемов, освоением воздушной перспективы, развернутым изображением окружающей человека среды.

• Итак, искусство Древнего Рима отставило человечеству громадное наследие, значимость которого трудно переоценить. Великий организатор и создатель современных норм цивилизованной жизни, Древний Рим решительно преобразил культурный облик огромной части мира. Только за это он достоин славы и памяти потомков.

 

Статуя Марка Аврелия Август из Прима-Порта

 

 

Август из Прима-Порта, I век Мрамор. Высота: 2,04 м Музей Кьярамонти, Ватикан

Древний Рим. Статуя Марка Аврелия.

 

Форум

Билет №6.

Образ художественной культуры средневековья (романский и готика). Отличительные черты романского стиля и готики. Готический собор как образ мира (собор Парижской Богоматери, Кёльнский собор). Охарактеризовать базилику готики. Дать характеристику скульптуры средневековой Западной Европы.

• Общая характеристика культуры средневековья

Некоторые считают началом эпохи средневековой культуры раздел Римской империи в 395 году на два государства - восточное и западное. Другие считают, что это 476 год - падения Римской империи.

Есть и искусствоведческий термин "средневековая культура" - от принятия христианства императором Рима Константином как официальной религии в 313 году и по XVII век.

1. Противоречие в мировоззрении средневековья: человек - венец природы, человек - раб божий.

2. Особое место в культуре занимают такие жанры искусства, как архитектура и живопись. Язык науки и церкви - латынь. Искусство "языка в камне"- удел простого народа.

3. Роль церкви и ее влияния на культуру средневековья очень велики. Церковь является основным заказчиком произведений искусства, служит религиозному культу. Сюжеты произведений носят религиозный характер: это образы потустороннего мира, язык символов и аллегорий. Отсутствует жанр портрета, так как считается, что простой человек недостоин изображения.

4. Основной жанр живописи - икона. Сюжеты - жития святых, изображение Богоматери, Иисуса Христа.

5. Сравнительная характеристика мировоззрения человека античности и средневековья:

6. Античность (Древняя Греция)	7. Средневековье (романский, готика)
8. 1. Всеобщая гармония мира	9. 1. Несовершенство мира
10. 2. Особая роль космоса	11. 2. Отрицание вечности, главная роль творца - изначального существа
12. 3. Приветствуется человеческий разум и познание мира	13. 3. Изначальная греховность человека. Искупление грехов человечества Иисусом Христом
14. 4. Поиск справедливости	15. 4. Вера и верность - основные качества человека
16. 5. Возможность стать подобным богам	17. 5. Страх перед Судом и божьей карой

“Особенности стилей средневекового искусства”

	РОМАНСКИЙ СТИЛЬ	ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛЬ
Церковная архитектура	Здания соборов тяжеловесны и приземисты, это были огромные сооружения – т.к. их главной задачей было вместить большое кол-во людей во время богослужений. Характерные черты: толстые стены, крупные опоры, гладкие поверхности.	Готический собор имеет легкую конструкцию, устремлен ввысь. Новшество архитектуры готического периода – система арок. Стены перестали выполнять несущую роль, а значит их не нужно было делать толстыми и массивными
Светская архитектура	В романский период изменилась светская архитектура. Замкистали каменными и превратились в неприступные крепости. За крепостной стеной замка находилось многочисленные хозяйственные постройки. Как правило, замок был окружен глубоким рвом. Мост, перекинутый через ров к главной башне, в случае опасности поднимали и закрывали входные ворота башни.	Центрами общественной жизни средневекового города стали ратуша (здание городского самоуправления) и собор (крупный христианский храм). Ратуша представляла собой большое здание с залом для собраний. Соборы должны были вмещать многочисленное городское население. Перед соборами выступали проповедники, проводили дискуссии профессора и студенты.
Живопись	Как правило, на сводах и стенках храма изображали библейские сюжеты,которые нужно было рассматривать, передвигаясь по храму. Росписи романского периода имели назидательный характер.	В готическом соборе стеная роспись уступила место витражу – изображению, составленному из скрепленных между собой стекол, которое помещали в проем окна.
Скульптура	В романский период в Западной Европе впервые появилась монументальная скульптура.Скульптурные изображения – рельефы – располагались на порталах церквей. Рельефы обычно раскрашивали - это придавало им большую выразительность и убедительность.	Внутри и снаружи собор украшало множество статуй и рельефов.Скульптурное и живописное убранство соборов, выполненное на религиозные и светские сюжеты, несло в себе систему взглядов и представлений, которыми должны руководствоваться в своей повседневной жизни люди Средневековья.

 

Романский	Готика
Художественному идеалу в Средние века суждено претерпеть глубокие изменения, пройти сложную эволюцию. Главной причиной этого являлось распространение христианской религии в Европе. Иными стали представления людей о картине мира, понимание человека и определение его места во Вселенной. Теперь в произведениях искусства подчеркивалась духовная сущность человека, его суровый, аскетический облик.
Романский стиль (от лат. romanus — «римский»)— художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII веках (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.	Наименование “готическое искусство” (от итал. gotico – “готский”, по названию германского племени готов) возникло в эпоху Возрождения. “Готическое” в те времена означало “варварское” в противовес “римскому”: готическим называли искусство, которое не следовало античным традициям, а значит, не представляло интереса для современников.
1)- возник на территории бывшей Римской империи,2) - именно романская архитектура считалась продолжательницей римских строительных традиций, возрождая облицовку стен тесаным камнем, полуциркулярные арки, цилиндрические и крестовые своды. Термин “романское искусство” появился в начале XIX столетия. Так обозначали европейское искусство X -XII веков.	Готы, растворившиеся как народ среди итальянцев, германцев, испанцев к названию отношения не имеют. Термин“готическое искусство” возник в эпоху Возрождения. Так обозначают стиль европейского искусства XII – XV веков.
Период, который охватывает романский стиль - X - XII века. Это первый большой стиль в искусстве.	Готический стиль - второй великий стиль средневековья. Зародился- во Франции.
Девиз стиля: «Мой дом – моя крепость». (эпоха феодальной раздробленности, назначение романской архитектуры — оборона.	Образ Богоматери становится культовым. Готическое искусство постоянно обращалось к образу Богоматери — заступницы и просительницы за людей перед Богом.
	Собор был и главным средоточием готического изобразительного искусства – скульптуры и живописи (преимущественно в виде витражей).Сохранилась вера в чудеса- в виде скульптур — химер или скульптур-водостоков — горгулей.
Главными и наиболее значимыми сооружениями - монастырь-крепость, храм – крепость, замок-крепость. Основным типом культового здания был собор. Романский храм, вытянутый в плане в виде латинского креста, олицетворял собой модель мира и отражал католическую идею “крестного пути” страдания и искупления грехов.	Церкви больше не похожи на крепости, легко возносятся к небу, будто они вовсе не из камня. Тип сооружения: кафедральный собор, городская ратуша. (Ратуша - здание городского самоуправления). В отличие от романской церкви с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен, неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален.
В романской архитектуре - башни: узкие, высокие с шатровыми вершинами сторожили храм с восточной и западной стороны. - Важным элементом романской архитектуры - колонна, ее капитель украшена скульптурным орнаментом. - Но ведущим началом романского зодчества была стена.	Трудно найти подходящие слова и сравнения, чтобы описать впечатление от готического собора. Кто знает об этих соборах понаслышке, считает главным признаком готики высотность. Действительно, соборы высоки и тянутся к небу бесчисленными стрелами башен и башенок, заостренных арок. Готические соборы не только высоки, но и очень протяженны. Например, Шартрский собор имеет длину 130 метров. Чтобы его обойти, нужно преодолеть путь в полкилометра.
Стены романских храмов были украшены фресками и мозаиками.	Главным строительным материалом оставался камень, даже архитекторов и строителей в ту пору называли каменщиками.
Главным элементом композиции монастыря или замка - башня— донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.	Готические соборы значительно отличались от церквей романского периода: романская церковь тяжеловесна и приземиста,готический собор легок и устремлен ввысь.Это связано с тем, что в готической архитектуре стали использовать новую конструкцию сводов. Если в романской церкви массивные своды покоятся на толстых стенах, то в готическом соборе свод опирается на арки, а те в свою очередь – на столбы.Такая конструкция дала возможность уменьшить толщину стен, увеличить внутреннее пространство здания. Стены стали служить опорой свода, что позволило проделать в них множество окон и арок.
- В романский период впервые появилась монументальная скульптура. Скульптурные изображения – рельефы – располагались, как правило, на порталах(архитектурно оформленных входах). Наблюдается статичность и замкнутость романских статуй.	Стрельчатые арки, устремленность вверх, окна- витражи и «роза» или «розетка» над главным входом, много скульптур, ажурность стен, главный вход – портал.
Если храм представлялся крепостью бога, то замок – крепостью рыцаря. Романские каменные замки с мощными оборонительными стенами были неприступными крепостями. Возводились замки у реки на холме, окруженном рвом с водой, через ров перекидывался подъемный мост.	В это время возродилась скульптура, украсившая порталы культовых сооружений, капители колонн. В готической скульптуре статичность и замкнутость романских статуй сменились «подвижностью фигур». Сохранилась вера в чудеса- в виде скульптур - химер или скульптур - водостоков- горгулей.Скульптура служила в первую очередь украшению церковной архитектуры и сама по себе не существовала. Основным видом такой скульптуры была статуя и рельеф. Основная задача -изобразить религиозную историю человечества Скульптура сосредотачивалась в порталах. Статуи апостолов и пророков, святых как бы вместе с верующими входили в собор. В статуях особую роль играли складки одежды, игра света и тени. На лицах изображались сильные переживания: радость и тревога, страстная взволнованность, раздумья. Святые как бы беседовали между собой. Появился интерес к индивидуальному проявлению чувства, к случайному жесту. В 12-13 веке происходит расцвет религиозной скульптуры во Франции. Появляются профильные изображения голов, трехчетвертной поворот фигуры (завоевание греков). Основными персонажами такой скульптуры были Христос, Мария, святые Георгий, Мартин, Елизавета, церковь представала в виде фигуры торжества. Наряду с этими образами в скульптуру проникали и чисто народные традиции: фигуры гротесково толстых монахов, мясники, аптекари, косари, торговцы, виноградари, среди грешников при изображении Страшного суда - фигуры королей, богачей, монахов.
Основными конструктивными элементами романской архитектуры стали арка и свод, которые дали возможность перекрывать большие пространства.	Монументальная живопись захватывает не только стены, но и своды, купола и окна, где появляется разноцветные витражи. Внутреннее пространство собора: многочисленные архитектурные и скульптурные украшения, свет, льющийся сквозь цветное стекло витражей – создает образ небесного мира. Этот образ дополнялся звучанием песнопений.
Круглые арки	Готическую церковь (собор) сразу можно узнать по стрельчатым аркам (заостренным кверху), аркам окон, дверных проемов.
Вход защищали подъемные металлические решетки – герасы.	Живопись существовала в первую очередь как витражная в соборах, иллюстрации к Священным текстам. Витражи набирались из кусочков стекла очень насыщенного цвета: гранатовый, густо¬алый, красный, желтый, зеленый, ультрамарин, голубой, темно-синий. Окна выложены цветными стеклами - витражами и занимают столько места, что почти не остается стен. Своды поддерживают покрытые полуколоннами столбы, напоминающие связки стеблей.
В готическом соборе исчезла ровная поверхность стены, поэтому стенная роспись уступила место витражу – изображению, составленному из скрепленных между собой цветных стекол, которое помещали в проем окна. Громадные окна – то узкие и высокие, то круглые (так называемые готические розы) с цветными стеклами и сложнейшими переплетением рам. Внутри и снаружи собор украшало множество статуй и рельефов.
Позже на крепостных стенах появились башни с бойницами и машикули– выступающие над стенами башни галереи с люками в полу.
Архитектура романского стиля отличалась оборонительным, крепостным характером– имела массивные стены, узкие окна, высокие башни. Такая особенность была вызвана частыми войнами, суровыми условиями жизни и желанием отгородится от внешнего мира. Постройки этого периода отличались суровой простотой, ясностью объемов, внушительностью, тяжеловесностью, монолитностью, замкнутостью, отсутствием украшений. Созданные преимущественно для сельского ландшафта они прекрасно гармонировали с природным окружением.
Главные черты строительства замков: - замок - порождение феодальной эпохи, периода раздробленности, войн, набегов. В целях самозащиты замок строился как крепость. - тяжелое мрачное величие - зубчатый верх - трехэтажные башни - ров - огромные ворота на цепях - мост - Донжоны - высокие прямоугольные башни, под которыми находились подземные кладовые, помещения для слуг и охраны. Выбор места постройки: холм или возвышенное место, откос реки.	Особое место в ту пору заняла живопись в книге. В монастырях монахи переписывали Библию и другие книги священного содержания. Картинки в книгах получили название миниатюр из-за использования красной краски "миниум" и маленького размера. Нотр-Дам де Пари. 1163 г. – XIV в. Париж. Франция. Собор в Шатре, в Реймсе, в Кёльне.
К выдающимся произведениям архитектуры Центральной Италии - знаменитый комплекс в Пизе (собор и башня). Самой известной частью комплекса является знаменитая Пизанская “падающая” башня. Некоторые исследователи полагают, что башня наклонилась в результате оседания фундамента в самом начале работ, и тогда было решено сделать ее наклонной. ПИЗАНСКАЯ БАШНЯ. ИТОГ: Именно в романской архитектуре впервые появились огромные здания, целиком выстроенные из камня. Своды, массивные толстые стены, крупные опоры, обилие гладких поверхностей, скульптурный орнамент – характерные черты романской церкви.	Характерные черты ранней готики воплотились в главном соборе столицы Франции – Нотр-Дам де Пари (собор Парижской Богоматери) (1163 г. и его строительство продолжалось в течение нескольких столетий – до XIV века. В храм ведут три входа – портала, обрамленных уходящими в глубину арками; над ними находятся ниши со статуями – так называемая “королевская галерея”, изображения библейских царей и французских королей. ИТОГ: Готический собор – это бесконечно сложная, изменчивая игра ажурных форм. Арки, галереи, башни, громадные окна – то узкие и высокие, то круглые (так называемые готические розы) с цветными стеклами и сложнейшим переплетом рам. Собор внутри и снаружи населен массой скульптур (например, в Шартрском соборе около 9 тысяч одних только статуй). Словом готический собор – это целый мир.
Базилика - вытянутое в плане здание, интерьер которого разделен рядами колонн на продольные залы (нефы).	Особенности готических сооружений Неф– прямоугольное в плане вытянутое помещение, покрытое сводом. В эпоху Средневековья храм был похож на корабль-ковчег, именно на тот корабль- ковчег, на котором Бог спас Ноя, и церковь казалась именно тем кораблем, на котором спасется каждый в нее приходящий. По-гречески корабль – неф. Символизируя Землю и Небо, готический собор вмещал в себя и всю человеческую жизнь от рождения до смерти. Готический собор называют каменной энциклопедией средневековой жизни, отражавшей в архитектуре, скульптуре, витражах реальную жизнь и идеалы людей. Готический храм воплощает образ мира, где все создано по велению Божьему, гармонично соединяется и взаимодействует друг с другом.
Характеристика базилики готики. В основе готического собора - базилика, но главное ее отличие от романской - каркасная система свода.Свод стал стрельчатым и держался на стрельчатых арках, которые поддерживали каждый определенный участок свода собора. Главный неф делился на ряд прямоугольных в плане отрезков, каждый отрезок перекрывался пучком стрельчатых арок. Свод поднимался на головокружительную высоту. Но чем выше свод, тем сильнее давление на стены собора. Поэтому мастера стали выносить те части собора, на которые на самом деле падало мощное давление, за пределы собора. Для этого была разработана система контрфорсов и аркбутанов. Тяжесть свода распределялась невидимо для присутствующего в соборе человека, и ему казалось, что он находится в удивительно легком, почти невесомом помещении, возносясь душой к Богу. Каркасная система позволила прорезать стены огромными окнами, в них вставлялись витражи, храм наполнялся загадочным светом, который зажигал цветное стекло витражей. Ниши, галереи, порталы, стрельчатые окна - все создавало ощущение неземного великолепия. Интерьер собора обозревается сразу при входе и наполнен светом. Звуки органа, пение хора - все это создавало мистическое настроение, особенно в праздничные дни. Внешне собор перестал производить суровое впечатление. Камень потерял свою материальность, превратился в кружево. «Симфонией света и тени» назвал готические соборы великий французский скульптор Роден.

Билет № 8. Новые средства художественной выразительности в произведениях импрессионистов *(Э.Мане, Клод Моне, Камиль Писсаро). 1) Импрессионизм - (от франц. impression — впечатление), направление в искусстве последней трети 19 — нач. 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления. 2)Импрессионизм появился во Франции в конце 1860-х годов. Слово "импрессионизм" происходит от названия картины Моне Впечатление. Восходящее солнце (1872).Название подразумевало, что художник передает только свое мимолетное впечатление от пейзажа. 3) Наиболее ярко импрессионизм проявился в живописи, где особое внимание уделялось передаче цвета и света. 4) Целью импрессионистов - изображение мгновенных, как бы "случайных" ситуаций и движений. Этому способствовали асимметричность, фрагментарность композиций, использование сложных ракурсов и срезов фигур. Картина становится отдельным кадром, фрагментом подвижного мира. 5) Они воспринимают природу так, что она получается какой угодно, только не скучной и не банальной. Их живопись полна жизни, стремительна, легка... Они не стремятся к точному воспроизведению, а ограничив аются общим восприятием... Они являются импрессионистами в том смысле, что воспроизводят не сам пейзаж, а впечатление, вызываемое данным пейзажем.. 6) ***Клод Моне - французский живописец - основоположник импрессионизма. 7) Из истории: Весной 1874 г. группа "отверженных" французских живописцев, произведения которых не были приняты официальным парижским Салоном, организовала выставку в Париже. Участвовали Э. Дега, К. Моне, Б. Моризо, К. Писсарро, О. Ренуар, П. Сезанн, А. Сислей и другие художники. Всех их объединило неприятие консерватизма и академизма в искусстве, стремление отражать непосредственные впечатления от быстро меняющейся современной жизни. Одна из картин выставки, написанная К. Моне в 1872 г., неопределенная по содержанию — туманный пейзаж с восходом солнца в Гавре, — вызвала затруднение с названием. Тогда, по совету автора, составлявший каталог выставки О. Ренуар написал: "Впечатление. Восход солнца" (франц. «Impression. Soleil levant"). "Имя это уже смысл" .Молодых художников упрекали в "незаконченности" и "неряшливости живописи", отсутствии вкуса и смысла в их работах, "покушении на истинное искусство". Через неделю после открытия выставки ее посетил критик Л. Леруа. "Остановившись перед изображением восхода солнца Моне и прочитав название картины в каталоге, он расхохотался. Луи Леруа нашел слово, которое стало коллективным прозвищем, а давать клички было его признанной специальностью... он окрестил их „импрессионистами“"². Против ожидания новое слово, произнесенное в насмешку, прижилось, поскольку оно выражало то общее, что объединило молодых бунтарей, — субъективное переживание цвета, света, пространства. Прогрессивный художественный критик Ж.-Л. Кастаньяри писал об "отверженных": "Это одаренные, очень одаренные молодые люди. Они воспринимают природу так, что она получается какой угодно, только не скучной и не банальной. Их живопись полна жизни, стремительна, легка... Они не стремятся к точному воспроизведению, а ограничиваются общим восприятием... Они являются импрессионистами в том смысле, что воспроизводят не сам пейзаж, а впечатление, вызываемое данным пейзажем.. 8) Новое слово в живописи. Особенности: * яркие и чистые краски * растворение объемных форм * работа на пленэре * новое использование цвета * жизнерадостность * передача фактуры предметов 8) Представители импрессионизма : *Живопись: Клод Моне, Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Берта Моризо. Эдгар Дега,Эдуар Мане,Камиль Писсарро, К.Коровин, И.Э. Грабарь (Россия). *Скульптура: Э.Дега и О.Роден (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П.Трубецкой (Россия). *Музыка: Клод Дебюсси и Морис Равель. 9) Из истории: Поучительная и даже забавная история произошла с живописной работой «Вестминстерское аббатство» французского художника-импрессиониста Клода Моне. Привыкшие к туману лондонцы точно знали его цвет — серый. И как же они были изумлены и даже возмущены, когда на выставке увидели картину Моне. На ней они обнаружили, что туман, размывающий очертания замка, имеет багровый оттенок! Когда же люди вышли на улицу, то, к своему удивлению, обнаружили, что туман на самом деле багровый! Действительно, в зависимости от погоды, времени суток, преломления солнечных лучей туман может приобретать самую различную окраску. Но заметил и открыл для всех эту особенность именно художник. 10) Художники: А) Клод Моне - французский живописец. - основоположник импрессионизма. ***Тонкие по колориту, напоенные светом и воздухом пейзажи; стремился запечатлеть мимолетные состояния свето-воздушной среды в разное время дня. Одержимость Моне светом и цветом вылилась в многолетние исследования и эксперименты, целью которых было зафиксировать на холсте мимолетные, ускользающие оттенки природы. «Впечатления. Восход солнца.» , «Дама в саду», «Вестминстерское аббатство». Б) Эдуард Мане - -французский живописец. ***Переосмысливал образы и сюжеты старых мастеров в духе современности, создавал произведения на бытовые, исторические, революционные темы. Мане одним из первых художников заметил отчужденность людей друг от друга, изображенные им персонажи находятся рядом, но словно не обращают внимания на окружение (невероятное одиночество посреди толпы).«Старый музыкант», Бар в Фоли-Берже, «Завтрак на траве». В) Камиль Писсаро - французский художник, признанный «старейшина» импрессионистов, пользовавшийся среди них особым авторитетом. ***Его полотна привлекают свежестью натурных впечатлений и обаянием цветового строя, складывающегося из мелких мазков. Писсаро все больше увлекают урбанистические (большого города) мотивы, и ему блестяще удается воспроизвести трепетный пульс, саму духовную атмосферу городской жизни. «Бульвар Монмартр». Г) Эдга́р Дега́1834 — 1917= французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения. Д) Франсуа Огюст Рене Роден 1840 —1917- французский скульптор, один из основоположников импрессионизма в скульптуре. Е) Пьер Огю́ст Ренуа́р 1841 — 1919 - французский живописец, график и скульптор, один из основателей импрессионизма.

К.Моне.В истории мировой культуры импрессионизм оставил яркий, неповторимый след, оказав глубокое воздействие на обогащение чувства прекрасного. Импрессионизм - это поворотный пункт в развитии мирового искусства.

К.Моне. «Впечатления. Восход солнца».

 

К.Моне. Вестминстерское аббатство.

 

К.Писсаро. Бульвар Мономартр в Париже.

 

 

Э.Мане. Женщина в саду.

 

 

Э.Дега. Танцовщицы.

 

 

О.Ренуар. Портрет Жанны Самарии.

 

 

Билет №7.

Искусство этой эпохи, при всем разнообразии частных форм, обладает важнейшей общей чертой – стремление к правдивому отражению реальности. * Термин "Возрождение" (Ренессанс) появился в XVI веке.* Эстетика…

Билет № 9. Особая роль пейзажа в русской реалистической живописи Левитана (Март, Золотая осень, Владимирка, У омута), Шишкина, Куинджи. Дать характеристику пейзажному жанру.

1)Человек неразрывно связан с природой, он часть ее. И наслаждение природой, стремление найти в ней созвучие своим чувствам, своим идеалам, всегда было источником творчества писателей, композиторов, художников. 2) ПЕЙЗА́Ж (франц.— "местность, страна"; лат.— "село, деревня") — жанр, предметом которого является изображение природы, ее преображение и выражение отношения художника к окружающей его среде; этот жанр характерен для живописи и графики, реже встречается в скульптуре (рельеф). Как самостоятельный жанр пейзаж впервые появился в Китае ещё в VI веке. 3) Разновидности пейзажа (поджанры): сельский, городской, архитектурный, индустриальный пейзаж. В особый поджанр выделяется марина – изображение морской стихии.

4) В 60-70е годы XIX в. возникает и утверждается русский национальный пейзаж, опирающийся на завоевание художников предшествующих эпох. 5) Основоположником его по праву является Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897 гг.). 6) Продолжали и развивали его традиции замечательные русские пейзажисты Федор Александрович Васильев (1850-1873гг.), Иван Иванович Шишкин (1832-1898 гг.), Архип Иванович Куинджи (1842-1910 гг.). 7) Вершиной русского пейзажного искусства в 60-90-х годах 19 в. признано творчество Исаака Ильича Левитана (1850-1900).

В 60-х годах девятнадцатого века в России начался период формирования реалистической пейзажной живописи. Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании искусства. Побуждаемые высокими патриотическими чувствами, они стремились показать могучую и плодородную русскую природу как источник возможного богатства и счастья. В это время отдельные произведения пейзажистов уже смело могли встать в ряд с картинами жанровой живописи, являвшейся в то время самым передовым искусством. Серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Федор Васильев, Архип Куинджи, Василий Поленов, Исаак Левитан.

Одной из самых прославленных в истории русского пейзажа по праву считается скромная по размеру и незамысловатая по мотиву картина А.К.Саврасова “Грачи прилетели” 1872 г. А) Незатейливый пейзаж обычного русского села. Старая церковь с колокольней, длинный дощатый забор, крыши деревянных домов, несколько тонких, неказистых, искривленных берез на первом плане, на которых прилетевшие грачи вьют свои гнезда – все на полотне кажется необыкновенно простым и знакомым. И как в тоже время все это чудесно! По-весеннему чист и прозрачен воздух, он как будто бы напоен влагой. Снег стал уже рыхлым, появляются проталины. В одной из них (справа) отражаются голубое небо, белые облака, кусты, тонкие деревья. Пейзаж написан нежнейшими перламутровыми сочетаниями красок, светлых, легких, прозрачных. (возможно написание эпитетов на доске). А если долго внимательно смотреть на картину, она покажется звучащей: можно услышать негромкий перезвон колоколов, весенний гомон суетливых птиц. Б) Художник И.Н.Крамской назвал пейзаж “лучшим и действительно прекрасным”, так как в нем есть “душа” русской природы, ее лиричность и задушевность. (Возможно использование плаката с написанными словами Крамского И.Н.) В) Пейзаж небольшого селения превратился в образ Родины, в образ всей России.

***В 1871 году молодым художником Федором Александровичем Васильевым после поездки по Волге была написана картина “Оттепель” . Чувство, вызываемое пейзажем, неоднозначно, сложно. Это пронизывающая душу тоска, одиночество: открытая ветрам равнина, жутким выглядит лес на фоне низкой свинцовой тучи; заброшенной, сиротливой кажется заснеженная крестьянская изба, стоящая в стороне от дороги; грустным представляется положение путника с ребенком среди безмолвной равнины, на талой дороге, по которой ни пройти, ни проехать. ***Но к чувству бесприютности присоединяется и надежда на скорое весеннее пробуждение жизни. Все же потеплело, оттаяло в природе, мороз сдался – “оттепель”. И эти, казалось бы, противоположные чувства объединяются ощущением красоты и гармонии изображенного.

Красота и гармония достигаются композицией пейзажа, в которой выдержана внутренняя соразмерность, уравновешенность всех ее частей, где центром является группа высоких деревьев, и его живописью (теплые коричневые и холодные серые тона, составляющие

10) Художник-пейзажист И.И.Шишкин – непревзойденны1 мастер в написании соснового леса. А) На картине “Сосны, освещенные солнцем”- солнце золотит прямые стволы сосен, развертывается лесная жизнь со всеми ее приметами и подробностями. Срезая рамой верхушки стволов, этот прием мы заметили и в других его работах, художник усиливает впечатление огромных деревьев, которым, кажется, не хватает места на полотне. Мощные вековые сосны даны во всей своей красоте. Каждая сосна красива по-своему, но в целом, это единый мир природы, полный жизненных сил. Чудится терпкий запах сосен, кажется, что хрустнет под ногами сосновая шишка. Очень много солнца и света исходит от этой картины. Б) Среди всех произведений художника наиболее популярна картина «Утро в сосновом лесу». Её сюжет, возможно, был подсказан Шишкину К. А. Савицким. Есть другая версия, что толчком к появлению этого полотна послужил пейзаж «Туман в сосновом лесу» (1888), написанный, по всей вероятности, как и «Бурелом», под впечатлением от поездки в вологодские леса. «Туман в сосновом лесу», имевший успех на передвижной выставке в Москве мог вызвать у Шишкина и Савицкого желание написать полотно, повторяющее мотив прославленной картины, но с включением жанровой сцены (медведей). В) «Рожь».Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью. Шишкина называют “певцом русского леса”; большинство его полотен посвящено изображению лесных чащ, бора, полян. Г) Картины И.Шишкина воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет. Не задушевную тонкость, легкость и хрупкость, – то, что близко было в пейзажах средней полосы России Саврасову и Васильеву, – а ее мощь, размах, величие ценил выше всего Шишкин. Д) Именно в этих качествах русской природы он видел красоту, чувствовал ее активное положительное воздействие на человека, способное вдохновить на большие дела, на творческое созидание ради будущего родины.

11) А.И.Куинджи - великий русский художник-пейзажист, преподаватель, - было очень много общего с Шишкиным. А) Ему тоже было свойственно эпическое восприятие природы, изображение широты и спокойной мощи ее бескрайних просторов, высокого неба, плавного течения рек, его картины также несли положительный заряд оптимизма, они наполнены мажорным звучанием, здоровой силой, Б) но в то же время пейзажи Куинджи разительно отличаются от шишкинских, да и от произведений других живописцев. В) Куинджи увлекали эффекты освещения, цветовые контрасты, контрасты света и глубоких теней, и именно эта особенность, прежде всего, определяет своеобразие его творчества. Г) Особенно ярко его колористические искания проявились в ночных пейзажах: “Украинская ночь”, 1876 г. и “Лунная ночь на Днепре”,1880 г. Они-то и принесли громкую славу художнику, которого стали называть певцом лунной ночи. Д) Наибольший успех на выставке имела картина “Березовая роща”. Работая над этой картиной, Куинджи искал, прежде всего, наиболее выразительную композицию. Передний план погружен в тень — так подчеркивается насыщенность солнцем зеленой поляны. Солнечный день запечатлен в картине чистыми, звучными красками, блеск которых достигнут контрастом, сопоставлением цветов, очищенных до белизны. Необычайную гармонию цвету придает зеленый цвет, проникающий в голубой цвет неба, в белизну березовых стволов, в синеву ручья на ровной поляне. Эффект светоцветового контраста, при котором цвет не обеззвучен, а форсирован, создает впечатление ясности мира. Природа кажется недвижимой, она словно зачарована неведомой силой. Пейзаж устранен от бытовизма, что и сообщает ему некую чистоту. Е)Природа в “Березовой роще” Куинджи реальна и условна. “Березовая роща” не укладывалась полностью в пластику развитого реализма: мешали элементы декоративности. Вместе с тем картина слабо предвещала и романтические преобразования. Архип Куинджи выработал особую, только ему присущую манеру письма, построенную на контрастах света и тени.

12) Особым даром не только понимать, но и слышать русскую задушевную природу, обладал И.Левитан – русский художник-передвижник, мастер пейзажной живописи. А) Художник очень остро ощущал любовь к скромной русской природе. Б) Всмотритесь в картину “Март”. Радость весны, начала пробуждения, воскрешения природы от зимнего снега и холода. ***Художник замечательно написал высокое синее небо, играющее на пожухлом снегу сугробов, голубые, сиреневые и лиловые тени, помолодевшую сочную хвою елей и зеленовато-темные стволы осин, тянущихся к мартовским небесам и солнцу своими ветвями. От желтизны тесаных досок, которыми обиты стены домика, веет солнечной теплотой. И хотя о присутствии в нем человека говорит лишь открытая дверь и стоящая у крыльца каурая лошадка, запряженная в легкие дровни, вся картина наполнена той особой человеческой радостью, которая приходит весной. В) “С природой одною он жизнью дышал”, - эту строчку из стихотворения Баратынского Левитан привел в одном из писем, объясняя, что в слиянии человека и природы он видел смысл работы пейзажиста.****Торжественна, празднична красота “пышного природы увяданья” (Пушкин А.С.) на полотне “Золотая осень”. Это пейзаж – настроение, в нем передано самое обычное состояние теплого осеннего дня, так знакомого всем. Еще не облетели листья на деревьях, но они уже пожелтели, порыжели, усыпают зеленую траву золотым ковром. Г) И.И.Левитан написал один из самых проникновенных пейзажей “Вечерний звон”, воплощающий мечту художника о счастье, о мире, где нет зла и торжествуют благие начала. Красиво вечернее освещение, которое румянит и золотит легкие облака и белые стены монастырских зданий. Течение реки уводит взгляд вдаль. В центре композиции окруженный осенним лесом монастырь и высокое предзакатное небо. Кажется, что на картине отдыхает и природа, и солнце, и люди под красивый звон колоколов. Д) Так, вглядываясь в картину «Владимирка» И. Левитана невольно перед глазами всплывают образы каторжников, сосланных в Сибирь. Недаром этот пейзаж был назван «историческим». Как знамение века, он несет потомкам живую боль современника, поднявшего голос в защиту угнетенных, в защиту справедливости. С жизненной правдивостью подлинного реализма в ней переданы и воздушная среда, и пространство, и свет. Серебристо-серые холодные тона необыкновенно красочны и богаты. Каждый цвет обладает множеством дополнительных оттенков и от этого становится удивительно насыщенным и звучным. Роль композиции в картине Левитана также почти незаметна. Ощущение непосредственности, естественности композиции усиливает реалистическую жизненность произведения и обостряет выразительность той главной мысли, которая с такой искренностью вылилась из души художника. Его глубокое сочувствие угнетенных, живая боль и сострадание к судьбам народа воплотились в общем настроении природы. Е) «У омута»- одна из трех больших картин Левитана, написанных в первой половине 1890-х годов, и входящих в так называемую "мрачную трилогию" (наряду с Владимиркой и Вечным покоем). Картина была слишком личной для художника, а потому встретила непонимание у многих. В частности, Репин сказал о ней: "Надо же, какая большая картина, и все для какого-то пейзажа!". Михаил Нестеров же, близкий друг художника, верно заметил, что Омут отражает некий глубокий личный метафизический опыт художника, которому приходилось немало бродить над пропастями нашей жизни. И.Левитан, как истинный мастер лирического пейзажа, любил писать натуру в переходный период, когда одно состояние природы сменяет другое. Вывод-обобщение. Пейзажи, созданные творцами русской художественной культуры, живут в нашем сознании как задушевные картины русской природы и в то же время погружают в мир прекрасных чувств, глубоких мыслей, вечных духовных ценностей. Каждый из художников-пейзажистов был самобытным живописцем, создавшим свой уникальный образ русской природы. Таким образом, пейзажная живопись, вступив в свой реалистический этап, вышла из разряда второстепенных жанров и заняла одно из почетных мест рядом с такими жанрами, как портрет и бытовая живопись. В условиях русской общественной жизни этого периода лучшие художники-демократы не могли ограничиваться показом только темных сторон действительности и обращались к изображению положительных, прогрессивных явлений. И это в большой мере способствовало расцвету русской пейзажной живописи конца 19-начала 20 века. В России жанр пейзажа возник гораздо позже, чем в Европе, но, несмотря на это, его развитие было стремительным. Понадобилось лишь столетие, чтобы к началу XIX века он стал самым популярным, а во второй половине XIX в. достиг своего расцвета.

И.Левитан

И.Шишкин

 

 

А.Куинджи

 

 

И.Левитан. У омута.

 

 

И. Левитан. Владимирка.

 

 

 

И.Левитан. Март.

 

 

И.Левитан. Золотая осень.

 

 

 

И.Шишкин. Рожь.

 

И.Шишкин. Утро в сосновом лесу.

 

И.Шишкин. Сосны, освещенные солнцем.

 

 

И.Шишкин. Сосны, освещенные солнцем.

 

 

 

А.Куинджи. Березовая роща.

 

 

 

А.Куинджи. Лунная ночь на Днепре.

 

А.Куинджи. Украинская ночь.

 

 

Билет №10. Передвижники. Социальная тематика в творчестве передвижников (Репин «Бурлаки на Волге», Перов «Тройка»).Искусство 2 половины 19 века, Россия (реализм).

9 ноября 1863 года, в день объявления конкурса, 14 выпускников Академии во главе с Крамским, конкурентов на золотую медаль, отказались писать картины на заданную тему “Пир в Валгалле” и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии, образовав независимую Артель художников по типу коммун. Второе событие - создание в 1870 году Товарищества передвижных выставок, душою которого стал тот же Крамской (13 человек, вышедшие из Академии: Б. Вениг, Н. Дмитриев, А. Литовченко, А. Корзухин, Н. Шустов, А. Морозов, К.Маковский, Ф. Журавлев, И. Крамской, К. Лемох, А.Григорьев, М. Песков, Н. Петров), к которым присоединился один скульпто (В. Кретан) Они принимали заказы на портреты, иконы, копии с картин, расписывали потолочные плафоны, делали рисунки для иллюстрированных изданий, выполняли скульптурные заказы. Заработанные деньги делились между артельщиками.

***Передвижные выставки стали ежегодными. С 1871 по 1923 год прошло48 выставок.

***Товарищество объединяло вокруг себя всех лучших живописцев и скульпторов второй половины XIX - начала XX века. Это Перов и Крамской, Мясоедов и В. Маковский, Савицкий и Максимов, Прянишников и Ге, Саврасов и Шишкин, Куинджи и Дубовской, В. Васнецов и Поленов, Репин и Суриков, Серов и Левитан, Ярошенко и Нестеров, Касаткин и С. Иванов, Позен и Андреев, Попов и Архипов и многие другие. На некоторых выставках передвижников участвовали Антокольский, Верещагин, К. Коровин, С. Коровин, Малявин, Рябушкин, Коненков и другие.

***В 70-80-е годы деятельность Товарищества достигла наивысшего расцвета. Ведущее место на передвижных выставках принадлежало картинам Репина, Сурикова, Крамского, Поленова, Нестерова, Мясоедова, Маковского, Перова. В своем творчестве они отразили самые существенные явления окружающей действительности во всей их сложности и противоречии. ***Трудно переоценить значение П.М.Третьякова в поддержке ТПХВ и в сохранении лучших его произведений.Третьяков добровольно и сознательно взял на себя огромный труд, дело, по существу, государственного масштаба — создание общественной и общедоступной галереи русского искусства. ***Велика роль передвижников в художественном образовании. Многие крупнейшие передвижники долгие годы преподавали в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества (Перов, Саврасов, Прянишников, Левитан, Серов, Поленов, Архипов и другие). С 1894 года в состав профессуры Петербургской Академии художеств вошли Репин, В. Маковский, Куинджи, Шишкин, а позднее Киселев и другие художники, которые в значительной степени повысили роль и авторитет Академии как центра художественного образования. **** “Передвижники” были едины в своем: * неприятии “академизма” его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. * хотели изображать живую жизнь. * ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. * особой симпатией “передвижников” пользовалось крестьянство. (показывали его нужду, страдания, угнетенное положение). ***В ту пору — в 60—70-е гг. XIX в.— идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности живописи.

***Пожалуй, самую большую дань идейности отдал Василий Григорьевич Перов (1834—1882). В. Перов (незаконный сын барона Г.Криденера), до брака своих родителей. Перов – не родовое имя, а превратившаяся в фамилию кличка, связанная с прекрасной каллиграфией мальчика. ***В годы ученичества В. Г. Перов много внимания уделяет социальной проблематике. Главными героями его картин становятся простые люди, главными сюжетами – обычная жизнь. Ранние картины Перова - социально-обличительной направленности : «Приезд станового на следствие,«Проповедь на селе, «Сельский крестный ход на Пасхе». Поздние картины - социально-обличительной направленности, но теперь вместо сатиры в них появляется лирическая грусть или трагизм: («Проводы покойника», «Приезд гувернантки в купеческий дом», «Тройку» , «Последний кабак у заставы», «Монастырскую трапезу»)..

*** «Приезд гувернантки в купеческий дом-открыто противопоставляет два антагонистических мира – богатство и бедность. Перову удалось реалистично передать атмосферу в купеческом доме, душевный настрой каждого персонажа. На лицах героев сцены читаются разные эмоции: интерес, покорность, равнодушное любопытство.

В «Проводах покойника»и «Тройке» отразились сцены из жизни бедняков, символизирующие общечеловеческую драму.

 

***«Проводы покойника» - рассказ о трагедии в крестьянской семье – смерти кормильца, которого провожают в последний путь вдова и дети. У Перова в этой работе пейзаж выступает как действующее лицо, в данном случае природа теряет независимость и у нее определенная программа. Через природу идет передача и состояния героев картины, и их нерадостной жизненной перспективы.

 

***Картина "Приезд гувернантки в купеческий дом", наряду со знаменитой "Тройкой", "Проводами покойника" и другими полотнами, тоже рисует тяжелое положение людей, вынужденных путем наемной работы сплошь и рядом становиться в унизительное положение.***Картина «Тройка» - действие в Москве на Трубной площади, у монастыря. Несколько малолетних детей впряглись в повозку, груженую огромной бочкой с водой, и тянут эту непосильную ношу в морозный день в гору. Композиционный центр картины – лица детей– выхвачены светом. Все остальное тонет в мглистом тумане беспощадного города. Дети страдают, их лица искажены. В страданиях детей передана вся бесчеловечность и дикость существующего миропорядка. Сам художник поведал историю центрального персонажа в рассказе «Тетка Марья». Мальчик, с которого Перов писал образ на картине, вскоре умер, и к художнику пришла мать мальчика с надеждой увидеть своего сына на картине. Перов отвел мать мальчика в галерею Третьякова, где висела картина, а позднее написал для нее портрет мальчика.

 

***Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в семье военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Вас­нецова, М.А. Врубеля, В.А. Серова). В 1870 г. молодой художник совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из путешествия, он использовал для картины “Бурлаки на Волге” (1872). Она произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров.

***Впервые Репин увидел бурлаков на Неве погожим летним днем 1868 г. Тогда же, потрясенный этим зрелищем, он решил написать картину, показав измученных, в лохмотьях бурлаков и рядом нарядную толпу праздных дачников.
Замысел вполне в духе обличительной живописи 60-х годов. Но вскоре Репин изменил его. Он отказался от прямолинейного противопоставления и все внимание сосредоточил на одних бурлаках. Для того чтобы собрать материал, художник дважды ездил на Волгу. В его альбомах появились сотни рисунков.

***Она произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров. ***И действительно» «Бурлаки на Волге»—лучшая картина реалистической жанровой живописи 70-х годов, воплощение демократических гуманистических идей того времени. В этой картине Репина удачнее, чем у кого бы то ни было, выражено все то, к чему стремились его современники: и могучее «хоровое» звучание темы, и глубокий психологизм каждого образа, и композиционное, и колористическое мастерство.
***С огромной силой убедительности показал Репин одиннадцать бурлаков.
Медленно, друг за другом, они словно бы проходят перед зрителем... разные люди, разные судьбы. Впереди—так было принято в бурлацких партиях—самые сильные.

***Страстным протестом против подобного порабощения человека проникнута вся картина. Однако наряду с истинно трагическими нотами в ней настойчиво звучат и другие. Бурлаки у Репина не только угнетенные, но и сильным духом, выносливые люди.Репин видит в трудовом народе стойкие и независимые характеры. Для того чтобы эта мысль стала еще яснее, Репин использовал своеобразный композиционный прием.
Он выбрал довольно низкую линию горизонта, отчего фигуры людей поднялись словно бы на пьедестал. Они темным пятном резко выделяются на фоне голубого неба и желтовато-голубоватых далей. Кажется, что силуэты идущих сливаются в единую цельную группу. Все это придает картине черты монументальности, соответствующие ее идейному строю. ***Современников поражал колорит картины, она казалась им удивительно солнечной.

***В сущности здесь, в Чугуеве, окончательно сложилось то направление в его искусстве, которое было намечено еще в «Бурлаках» и дало основание считать Репина художником истинно национальным и глубоко народным.

 

Картины Перова и Репина являются образцом русской реалистической жанровой живописи, воплощение демократических гуманистических идей того времени.

 

 

Ø Билет № 11. Древнерусское искусство. Конструктивные элементы русской деревянной и каменной храмовой постройки (Кижи, храм Покрова на Нерли). Характеристика древнерусской живописи.

Ø 1.

Ø Истоки русской художественной культуры уходит в средневековую Византию.

Ø Русское зодчество, как и вся культура, развивалось под воздействием Византии. И это понятно, так как христианство Русь приняла от Византии.

Ø Крещение Руси в 988 году дало толчок развитию русской художественной культуры.

Ø До конца Х в. на Руси - не было монументального каменного зодчества, но существовали богатые традиции деревянного строительства,некоторые формы которого повлияли на каменную архитектуру.

Ø После принятия христианства (Х век) - возведение каменных храмов, принципы строительства которых были заимствованы из Византии (систему крестово-купольного храма, основу которой составлял квадрат, расчленённый четырьмя опорами - на три нефа и заканчивающийся на востоке апсидой).

Ø 1 расцвет искусства Руси (10-11 в.) : Киевская Русь (преемница византийских традиций – в зодчестве, иконописи, музыке):* Собор святой Софии в Киеве (11 век, самый древний русский собор, но сохранившийся) = 13 куполов. * Богоматерь Оранта (молящаяся- за род людской молится перед Божественным сыном). * древнерусское богослужебное пение – строгое и одноголосое.

Ø Собор святой Софии в Киеве

Ø Форма русских и византийских храмов – крестово-купольная, то есть в основе храма – крест, над ним своды и купол.

Ø 2 расцвет искусства Руси - 12 век.

Ø Сформировались крупные художественные школы:Новгородская Псковская Владимиро-Суздальская

Ø Культура Новгорода: церковь Спаса на Нередице, фреска «Битва новгородцев с суздальцами»- историческая, икона «Спас нерукотворный» = 1) большие храмы уступают место компактным одноглавым. 2) в архитектуре – лаконичная красота.

Ø Церковь Спаса на Нередице в Новгороде. Храмы Новгородской школы более приземистые, как бы вросшие в землю. У новгородских храмов ниже купол, барабан и апсида.

Ø Новгородские храмы не декорированы,

Ø Культура Владимира и Суздаля (12 в.): Храмы строятся из белого камня. Им характерны удлинённые пропорции, стремление вверх.

Ø Владимирские храмы богато украшены.

Ø Центром городского ансамбля во Владимире был Успенский собор, стены которого украшены каменной резьбой и фресками работы Андрея Рублева.

Ø

Ø Дмитровский собор во Владимире церковь Покрова на Нерли

Ø

Ø Церковь Покрова на Нерли = 12 век- (1165 г.) = (в честь погибшего сына - Андрей Боголюбский построил) = Его отличают стройность, легкость и компактность.

Ø Икона Владимирской Божьей Матери =12 век (привезена с Византии).

Ø Дмитриевском соборе во Владимире =12 – 13 век = подобный церкви Покрова на Нерли = больше массивности. Стены собора богато украшены резными рельефами.

Ø Культура Пскова (12-14 в.): отличается суровой экспрессией образов. В 14-15 веках – оборонительные сооружения – КРЕМЛЬ.

Ø Псковский кремль

Ø Для архитектуры Пскова - простота форм, скромность украшений, тесная связь с народными традициями.

Ø Архитекторы Великого Новгорода стремились к строгости и лаконизму форм, простоте украшений.

Ø В 14 веке расцвета достигает иконопись (Феофан Грек)

Ø Культура Московского государства: С конца 14 в. ведущая роль в художественной культуре переходит к Москве. При Иване Калите возводится деревянный Московский Кремль и первые каменные соборы.

Ø В 15 в. Аристотель Фиораванти возводит Успенский собор, также строятся Архангельский и Благовещенский собор.

Ø В 16 веке строится всемирно известный храм Василия Блаженного (Покровский собор) на Красной площади в память взятия Казани (зодчие Барма и Постник)

Ø В 16 веке- первый шатровый храм, с восьмигранным остроконечным завершением

Ø (церковь Вознесения в Коломенском)

Ø

Ø Особый архитектурный тип, появившийся и ставший распространённым в русском храмовом зодчестве.

Ø Вместо купола здание шатрового храма завершается шатром.

Ø Шатровые храмы бывают деревянными и каменными.

Ø Каменные шатровые храмы появились в начале XVI века и не имеют аналогий в архитектуре других стран.

Ø Иконописцы: *Ф.Грек – 14 в. = экспрессия *А.Рублев = 15 в. = мягкая палитра = «Троица» *Дионисий = 15-16 в. = музыкальная ритмичность *Епифаний Премудрый

Ø Икона Владимирской Божьей Матери Спас Нерукотворный(на Русь привезена в 12 веке) По церковному преданию, её написал евангелист Лука на доске стола, за которым ел Иисус с Марией и Иосифом. Согласно легенде, икона попала в Константинополь из Иерусалима в V веке при императоре Феодосии. На Русь привезена в начале XII века. Для великой святыни — чудотворной иконы Божией Матери, получившей впоследствии наименование «Владимирской», — князь Андрей Боголюбский решил воздвигнуть лучший на Руси храм (Успенский собор во Владимире).

Ø Спас Нерукотворный Новгород (XII век) Нерукотворный образ Христа был запечатлён для царя городаЭдессы Авгаря после того, как посланный им художник не сумел изобразить Христа: Христос умыл лицо, отёр его платом (убрусом), на котором остался отпечаток, и вручил его художнику. От этого образа Спасителя первым и получил исцеление Авгарь,заболевший проказой.

Ø В 17 веке развивается дальше крестово-купольный храм.

Ø Он становится пятиглавым с явно выраженными ярусными закомарами.

Ø Нарышкинский стиль 17 в. = храм Покрова в Филях

Ø

купол

барабан

2. Храм – модель мира.

Ø Внешне храм напоминает очертание корабля, рассекающего волны житейского моря, несущегося в вечность…

Ø

Ø Портал

Ø В Храме выделяются три части:

Ø алтарь, содержащий жертвенник и престол,

Ø средняя часть храма, отделённая от алтаря иконостасом,

Ø притвор.

Ø Согласно традиции, храм всегда строится алтарём на восток

Ø

Ø Основой христианского храма стала БАЗИЛИКА(от греч. – «царский дом») – вытянутое здание, продольно разделённое внутри рядами колонн на части, то есть нефы, число которых достигало 3 или 5.

Ø Все храмы были строго ориентированы на восток, так как там находился Иерусалим – центр Земли. На востоке к основному прямоугольному объему примыкала полукруглая ниша – апсида с расположенным в ней алтарём– священной частью храма.

Ø Крестово-купольный тип храмаИмеет форму креста и завершается в центре куполом.

Ø Количество венчающих храм куполов строго символично:

Ø 1 – Единый Бог,

Ø 3 – Святая Троица,

Ø 5 – Христос и 4 евангелиста,

Ø 7 – Семь таинств Церкви,

Ø 13 – Христос и 12 апостолов,

Ø 33 – число лет земной жизни Иисуса Христа.

Ø Формы купола:

Ø 1. шлемовидная – напоминала о доблестных воинах и богатырях.

Ø 2. луковичная – символ пламени свечи.

Ø

Ø Цвет купола:

Ø 1. золотой – символ небесной славы,

Ø 2. синий – посвящен Пресвятой Богородице,

Ø 3. Зелёный – посвящался Троице, символ Святого Духа.

Ø 4. Серебряный – посвящен святым.

Ø Древнерусская живопись – иконопись, мозаики и фрески.

Ø Слово«икона» — (греч.) - «образ». Древнерусская икона занимает самое почетное место в мировом искусстве.

Ø Икона —не портрет в обычном понимании этого слова. Портрет изображает лицо человека. А икона — преображенное и просветленное лицо, то есть лик.

Ø Иконописанию русские мастера учились у греков, но так же, как и в искусстве храмоздания, очень скоро они сами достигли высочайших вершин мастерства.Иконопись — писание икон, вид живописи, распространенной в средние века, посвященной религиозным сюжетам и темам.

Ø Наивысшего расцвета древнерусское иконописание достигает во второй половине XIV века, во времена величайшего иконописца Руси — Андрея Рублева.

Ø Троица. Андрей Рублев.Около 1411 г.В основе древнерусской живописи лежит великое христианское "слово". Прежде всего это Священное Писание, Библия. ***Первоначальные произведения — «портреты» святых — выполнялись в технике мозаики, энкаустики, затем иконы писали темперой (эмульсия из воды и яичного желтка),с XVIII в. — масляными красками на деревянных досках, реже — на металлических.

Ø Иконопись в Древней Руси была делом священным. Главный, центральный образ всего древнерусского искусства образ Иисуса Христа, Спаса, как его называли на Руси. Спаситель (Спас) - это слово абсолютно точно выражает представление о нем христианской религии. Она учит, что Иисус Христос - Человек и одновременно Бог, и Сын Божий, перенесший спасение человеческому роду. *** Образы Богоматери по своему смыслу и значению, по тому месту, какое они занимают в сознании и в духовной жизни людей, стоят рядом с образами Спаса. ****Расцвет древнерусской живописи - конец XIV — середину XVI в. Что представляет собой этот период нашей истории? Пройдя через испытания монголо-татарского ига, русский народ стал объединяться ради борьбы с врагом и осознавать свое единство. В искусстве он воплотил свои чаяния и стремления, общественные, нравственные, религиозные идеалы. *** Среди икон этого времени выделяются замечательные работы Феофана Грека. Его искусство, страстное, драматичное, мудрое, суровое, порой трагически напряженное, производило сильнейшее впечатление на русских мастеров. *** По-своему отразилась эпоха в творчестве Андрея Рублева и его учеников. В произведениях Андрея Рублева с необыкновенной художественной силой воплотилась мечта современников о нравственном идеале; его образы утверждают идеи добра, сострадания, согласия, радости, которые отвечали народным чаяниям.

Ø Наряду с московской школой в XIV—XV вв. расцветает иконопись в Новгороде, Пскове, Твери, Суздале и других городах.

Ø В конце XV в. на небосклоне Москвы появляется новая звезда — мастер Дионисий. Дионисий оказал на современников большое влияние. На всю первую половину XVI в. ложатся отблески поэзии его красок. ==До XVII в. живописцы обычно не подписывали свои произведения. Летописи и другие литературные источники упоминают наиболее чтимых иконописцев: Феофана Грека, Андрея Рублева, Даниила Черного, Дионисия. Конечно, талантливых мастеров было значительно больше, но их имена остались нам неизвестны. ===В мире древнерусской иконы огромное значение имеет человеческое начало. Главный предмет иконописи — божество, но оно предстает в образе прекрасного, возвышенного человека. Глубокий гуманизм русской иконы также и в том, что все изображенное прошло через горнило отзывчивой человеческой души, окрашено ее сопереживанием. В своем порыве к высокому человек не теряет способности ласково смотреть на мир, любоваться то резвым бегом лошадок, то пастушками с их овечками, — словом, всей «земной тварью», как принято было тогда говорить. === Иконопись — искусство символическое. В основе его лежит представление, согласно которому в мире решительно все — лишь оболочка, за которой скрывается, как ядро, высший смысл. Художественное произведение приобретает отсюда несколько значений, что затрудняет восприятие иконы. Символичны здесь как сюжет, так и художественная форма. Каждая икона, помимо того что она изображает легендарное событие или персонаж, имеет еще и подтекст, в котором раскрывается ее истинное содержание. ===Древнерусская иконопись — одно из крупнейших явлений мирового искусства, явление своеобразное, неповторимое, обладающее огромной художественной ценностью. Она порождена историческими условиями развития нашей страны. Но созданные ею ценности являются всеобщим достоянием. Для нас древнерусская иконопись представляет огромную ценность, в частности, потому, что многие ее художественные особенности были использованы в переосмысленном виде крупнейшими современными художниками (например, К. С. Петровым-Водкиным, В. А. Фаворским, П. Д. Кориным и др.).

Владимирская Богоматерь – главная святыня России, была привезена в начале 12 века в Киев из Византии. Имя «Владимирская» она получила на Руси. В 1155 году старший сын князя Юрия Долгорукова Андрей вез из Киева икону, изображающую Богоматерь с младенцем. Недалеко от Владимира кони неожиданно встали. Как ни били, ни понукали их, но сдвинуть с места не могли. И тогда стало князю понятно, что икона хочет остаться здесь во Владимире. В 1395 году Владимирскую Богоматерь перевезли из Владимира в Москву. В настоящее время икона находится в Успенском соборе Кремля. Икона передает полное нежности общение ребенка с Матерью, предвидящей страдания сына на его земном пути. Как и всегда, с раннехристианских времен, Мария изображена закутанной в темно – вишневый плащ, а на нем звезды, знаки ее девства. Лик смуглый и овальный, волосы цвета зрелой пшеницы, рот алый, глаза в форме плодов миндаля. Способный разрешить материнскую печаль, изоброжен здесь младенец Сын. В его лике, в его взгляде, обращенном к матери, слились детская мягкость и глубокая неизреченная мудрость. Золотым ассистом - знаком божественной силы пронизана его детская рубашка, а через плечо по ней проходит клав – особая полоса, традиционный византийский символ царской власти, ставший и символом власти «небесного царя». Есть еще Казанская, Покрова, Иверская Богоматерь.

Церковь Покрова на Нерли (Владимир). = 12 век (каменная). Одним из любимейших русских церковных и общенародных праздников стал праздник Покрова Божией Матери. Праздник Покрова Богородицы выражал веру православных русских людей в то, что Богоматерь имеет о Руси особую заботу и покрывает ее от бедствий и всякого зла.Первым храмом, освященным в честь этого праздника, был созданный Андреем Боголюбским храм Покрова на Нерли (и в честь погибшего сына). Зодчие воздвигли храм так, чтобы князь Андрей мог видеть его из окон своего дворца в Боголюбове. Поставленный на холме, храм словно вырастает из земли, отражаясь в водах реки. Рельефные изображения на стенах создают впечатление сказочной красоты.

Гордость русского зодчества, гимн красоте и гармонии человека и природы

Деревянное зодчество. Кижский архитектурный ансамбль – конец 15 века= прекрасное творение рук человеческих. Сохранилась легенда, согласно которой, эту церковь построил один-единственный мастер. Окончив работу, он бросил топор в озеро и сказал: «Построил эту церковь мастер Нестор. Не было, нет и не будет такой» (построена без единого гвоздя). Издревле главными строительными материалами для русских зодчих были дерево и глина, благо что и того и другого было в избытке. Если обратиться к истории русского деревянного зодчества, то самым большим и уникальным заповедником народного творчества является Русский Север и, конечно же, остров Кижи. Слово Кижи короткое и какое-то странное, загадочное, нерусское. Когда-то в далекие языческие времена карелы так называли место для игр. Местное население ещё в глубокой древности собиралось на острове для проведения культовых обрядов. Кижи - один из тысячи шестисот пятидесяти островов Онежского озера. Деревянные церкви и избы, срубленные русскими плотниками, стали шедеврами мирового зодчества. Ансамбль древнего погоста на острове Кижи состоит из трех зданий: главной Преображенской церкви, меньшей - Покровской и стоящей между ними колокольни.. Можно полагать, что церкви на острове Кижи существовали, по крайней мере, с конца XV века. В конце XVII века в результате удара молнии на погосте возник пожар, уничтоживший церкви. Современные церкви и колокольня были возведены на их прежнем месте. Существенное изменение облика Кижского ансамбля происходит в XIX веке. В период с 1818 по 1824 годы, в соответствии со строительными традициями того времени, срубы Преображенской церкви были обшиты тесом, а купола обиты листовым железом.

Преображенская церковь. Такой удивительной, ни на что не похожей церкви, не знает история русского зодчества. Как праздничный хор устремляются верх купола-луковки, подчиняясь главному и торжественному ритму.

Конструктивные элементы древнерусского храма.

Православный храм делится на три части: притвор, сам храм (средняя часть) и алтарь. В притворе раньше стояли те, кто готовился к крещению и кающиеся, временно… Сам храм предназначен непосредственно для верующих.

Билет №12. Особенности портретного жанра в произведениях русских художников (К.Коровин, В.Серов, Б.Кустодиев, В.Борисов-Мусатов).

6) Виды портретов: А) парадный (предполагает показ человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим), (показывает общественное положение… 10) В портретном искусстве рубежа веков(конец 19 - начало 20 в.)– 2… 1) продолжает классические традиции реалистического искусства, воспевая красоту и величие Человека.

Сформулированные в XVII веке, задачи жанра в общих чертах существовали в европейской школе вплоть до середины XIX века. Однако это не означает, что художники не ставили перед собой новых задач, механически повторяя готовые решения. 4))) В противоположность академическому искусству, опиравшемуся на каноны классицизма – новое объединение художников - импрессионисты («мимолетное впечатление», вышли на открытый воздух – на пленэр) выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. А) Они перестали разделять предметы на главные, достойные высокого искусства, и второстепенные. Б) Двумя главными завоеваниями импрессионистов стали: изменение живописной техники и психологического содержания картины. 5) Константин Алексеевич Коровин - ярчайший представитель русского импрессионизма. Его яркие, сочные, жизнерадостные картины, так не похожие на работы передвижников, напоминали и говорили всем о светлом и радостном начале, которое всегда присутствует в нашей жизни. И хотя многим творчество молодого Коровина казалось тогда чересчур буйным и несерьезным, истинные знатоки живописи понимали, что являются свидетелем рождения большого мастера, большого колориста и поэта в живописи. «Живопись Коровина - дерзко-небрежная, грубая - казалась в XIX веке многим просто неумелой. Никто тогда не подозревал, что и живопись, и краски в этих картинах - высокого достоинства, что автор их - настоящий живописец.

Цветы и фрукты. Натюрморт с рыбами. Натюрморт. Розы.6) "Новаторство во всех областях искусства", "Обновление искусства" - таковы лозунги молодых российских бунтарей от искусства, создателей эстетики эксперимента, творцов "искусства будущего".

7) Появление новых направлений в искусстве: ((( 0))) объединение «БУБНОВЫЙ ВАЛЕТ» (Р. Фальк, А. Лентулов, И. Машков, П.Кончаловский). Название объединения (старинное французское толкование карты бубновый валет — «мошенник, плут»)придумал М. Ларионовв противовес претенциозным и утонченным названиям, характерным для художественной жизни того времени. А) характерно:
(* характерно соединение кубизма, фовизма и традиций русского народного творчества, прежде всего — лубка, выразившегося в передаче объемности форм на плоскости с помощью цвета. * считали, что картины предназначаются не для тонких ценителей и критиков, а для всех, а также портреты, пейзажи, народные картинки. Все это — в противовес академическим жанрам: историческим.* Поэтому преобладающими жанрами в их творчестве являлись натюрморты, простые, как вывески в продуктовых лавках полотнам, разным аллегорическим и литературным сюжетам, а также произведениям на социальные темы. Б) Натюрморты Машкова, Куприна, Кончаловского - свидетельствуют о напряженной, непрерывной работе художественной мысли, порой открывающей новые горизонты, а иногда уводящей в сторону от истины.
В) „Незабудки в корзине” Кончаловского (1908, собственность семьи художника, Москва), „Яблоки и груши на белом” Машкова (1908, Третьяковская галерея), кажется, еще близки методу Коровина и раннего Грабаря. Всецело новаторским предстает перед нами„Натюрморт с синими сливами” Машкова (1910, Третьяковская галерея).В полотне отчетливо раскрывается новое понимание натюрморта, как изобра­зительного жанра. Г) Художника не занимает передача средствами живописи той свето-воздушной среды, в которую погружены предметы. Все внимание живописца направлено на то, чтобы выявить как можно острее и ярче цвет и форму предмета. Именно этим путем счи­тает Машков возможным раскрыть сущность предмета во всей ее полноте и значи­тельности.Д) Жадная любовь к натуре во всем разнообразии ее форм и красок, которые мы видим у Машкова и Кончаловского, впоследствии найдет свой расцвет в более поздних натюрмортах. Кончаловский = „Листья табака. Оран­жевая коробка” , „Хрусталь и лимон” (1930) или натюрмортов 1930-х годов с дичью и битой птицей.
Машков - „Снедь московская. Хлеб” и „Снедь московская. Мясо” (оба - 1924, Третьяковская галерея).

Машков Машков Кончаловский

((( 0))) объединение «ГОЛУБАЯ РОЗА» -член объединенияН.Сапунов- живописец, график, художник театра, декоратор. Автор натюрмортов, пейзажей, декоративных панно, жанровых картин и картин на темы театральных постановок. В плеяде ярких талантов русского Серебряного века имя Н.Н.Сапунова одно из самых самобытных.
А) Он был одарен выдающимся даром колориста. Б) Сапунов опускает частности. Его цветы порой не похожи на свои реальные прототипы. Иногда они просто заменены искусственными. Его пышные букеты в причудливых вазах так же фантастичны, так же сказочны в своей красоте, как и его театральные эскизы. Если натюрморт Коровина и Грабаря не мыслим без натуры, то некоторые натюрморты Сапунова вполне могли быть выполнены без нее, что, вероятно, порой и делалось. Пафос полотен Сапунова - в их колорите. Он не ставят целью передать предметы в их естественной жизненной компоновке. В) Их задача - создать яркое красочное целое, где каждый предмет, порой независимо от его жизненных функций, раскрывает свою чисто эстетическую ценность и в то же время представляет собой неотъемлемый цветовой компонент общего колористического ансамбля картины.. Пионы” (1908, Третьяковская галерея)

Г)Исключительность «Голубой розы» состояла в том, что его художники смогли пластически выразить нематериальные категории — эмоции, настроения, душевные переживания. «Голубая роза» явилась предтечей русского авангарда.

. Розы. Вазы и цветы Н.Сапунов

Искусство этих художников стало ярчайшим явлением отечественной культуры конца XIX - начала XX века.

Искусство рубежа XIX – XX вв. – блистательная страница в истории русской культуры. В условиях ожесточенной социально-политической борьбы художники по-разному воспринимали действительность. Одни обращались к изображению наиболее острых сторон современности, другие восставали против нее, уходили в мир далекого прошлого. Картины того времени являли зрителю образы бунтарства и религиозного смирения, призрачный мир фантазии и материальную красоту реальности. Это влекло за собой поиски новых средств выражения, формирования ярких творческих индивидуальностей.

 

 

Билет № 14. Художники Малевич, Кандинский как представители абстрактного искусства.

1) Конец 19 - начало 20 века – время художественных поисков и экспериментов.

Появляются новые образы, а также неизвестные средства художественной выразительности.

Всё чаще встречаются синтез искусств, смешение стилей, жанров, видов искусства, эксперименты с формой, цветом, композицией.

Как понять эти произведения? Что хотел сказать нам художник? 5) Абстракционизм (от лат. – отвлечение) – широкое направление в искусстве 20 века, в… • Отказ от норм классического изображения • Деформация формы

Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современног мира и имел успех потому, что призывал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».

9) Основоположником абстракционизма считается русский художник Кандинский В.В.

Кандинский Василий Васильевич 1866-1944 – российский живописец и график, один из основоположников и теоретиков абстрактного искусства, автор экспрессивных, динамичных композиций, построенных на сочетании красивых пятен и ломаных линий. 10) Произведения В.В. Кандинского:«Композиция №6», «Композиция №7», «Композиция №8», «Композиция №9», «Импровизация №7», «Озеро», «Контрастные звуки», «Чёрное и фиолетовое», «Жёлто-красно-голубое», «На белом». 11) Важной задачей Кандинский считал поиск новых способов выражения духовного начала, освобождённых от материальных оков – решающий шаг в новое измерение.

«Озеро»Композиция №7 Желто-красно-голубое

12) Основные теоретические труды (написал книги):

· «О духовном в искусстве» (1910г.)

· «Точка и линия на плоскости» (1926г.)

13) В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и “диких”.

14) Основоположниками абстракционизма принято считать кроме В. Кандинского еще П. Мондриана и К. Малевича Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами.

15) Третий основоположник – Казимир Малевич – соединяет в своем “супрематизме” оба пути. Произведение художника, пусть изначально и имевшее своей основой что-нибудь реальное, становится абстрактным с того момента, как в нем не остается ничего из того, что указывает на этот исходный пункт, когда произведение передает уже только чистые элементы композиции и цвета.

А) Казимир Малевич -русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма, русский художник-авангардист, один из основателей супрематизма — направления в абстрактном искусстве. Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем.

Б) Путь Малевича — это путь от фовизма и Сезанна к кубизму и футуризму и от них — к абстрактному искусству. Он все больше отходил от изображения действительности, сосредоточиваясь на чисто пластических, формальных исканиях, все более стремился постигнуть «чистую, абсолютную» душу живописи. ****Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. В) Но излюбленной его темой - изображение квадрата — черного, красного и даже белого и на белом фоне. Последняя его работа этого цикла — «Черный супрематический квадрат» (1929). «Чёрный квадрат» входит в цикл супрематических работ Казимира Малевича, в которых художник исследовал базовые возможности цвета и композиции.Художественный критик, основатель объединения «Мир Искусства» Александр Бенуа написал в газете " Речь" от 9 января 1916 г. : " Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы предлагают взамен мадонн и бесстыжих венер, это и и есть то "господство над формами натуры", к которому ведёт.. вся наша новая культура.. с её машинностью, с её " американизмом", с её царством .. пришедшего Хама."^[

Летящий аэроплан Девушки в поле Черный квадра 16) В заключение можно сказать, что абстрактное искусство – не есть что-то чуждое, непонятное, оно несёт в себе смысловое значение, это искусство касается высокой сферы духовности человека.

 

 

 

К.Малевич. Девушки в поле.

 

 

К.Малевич. Черный квадрат.

 

 

 

 

К.Малевич. Снежная буря.

Супрематизм в контуре спортсменов. Б. г. Масло

 

К.Малевич. Летящий аэроплан.

 

 

К.Малевич. Супрематизм (1916-1917)

 

 

Билет №15. Живопись «Постимпрессионизма» (Винсент ван Гог «Подсолнухи», «Автопортрет», «Красные виноградники»).

А ))Художник Винсент Ван Гог (1853—1890), голландец, долго не мог обрести собственный стиль. Необычайно эмоциональное видение мира принес в живопись Ван Гог. С помощью ритмической организации цветовых мазков он, обостряя состояния природы, выражал напряжение собственных чувств, свок взволнованное вдохновение. ***Цвет, по мысли Ван Гога, должен не характеризовать внешность изображаемых объектов, а выражать состояние души художника. * При жизни Ван Гог не пользовался никакой известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее. Экспрессионисты стали называть его своим предтечей. * С редким усердием он развивал собственно «я», но взамен не получил ничего, кроме чувства, то жизнь прошла напрасно.

Но именно поэтому он так велик, именно поэтому его гений предстает нам в сиянии мученика живописи.

Б))Одиночкой был Поль Сезанн (1839—1906). Один из самых глубоких мастеров в… В)) Живописец старшего поколения — Поль Гоген (1848—1903) – развивал новый стиль, отчасти похожий на декоративизм…

Художники конца 19 – начала 20 века искали новые пути выразительности. Творчество этих художников сильно повлияло на дальнейшее развитие искусства, заложило основы новых направлений живописи в 19 веке

Винсен Ван Гог. Подсолнухи.

Винсен Ван Гог. Автопортрет.

 

Винсент Ван Гог. Красные виноградники.

 

 

Билет №16. Тема сказки в произведениях русских художников В.Васнецова (Аленушка, Богатыри, Иван-царевич на сером волке) и М.Врубеля (Царевна- лебедь).

На рубеже XIX-XX веков (который называют «Серебряным веком» русской культуры) - новое, национально-романтическое направление русского стиля (обращение к сказочно-былинным образам Древней Руси). 2) В русском искусстве - новый стиль - "модерн", возродивший русскую изящную книгу (интенсивная работа известных художников над книгой). 3) В это время творцы ищут не просто новые ценности и новые идеалы. Ищут ценности «вечные» — «абсолютное добро», «вечную и нетленную красоту», внеисторическую мудрость. 4) В это время отмечается повышенное внимание к историческому прошлому русской культуры, к художественным традициям. Возрос интерес к особенному прозаическому жанру – сказке (не только н иллюстрирование русских сказок, но и на создание произведений станковой живописи, декоративно-прикладного искусства и декораций музыкальных спектаклей – сказок). 5) Художники, обратившиеся к теме сказки:Елена Поленова Иван Билибин Виктор Васнецов Михаил Врубель а)Одним из первых иллюстраторов сказок в России, создателем детской книги была прекрасная художница Е.Д. Поленова б)Иллюстратором русской сказки был замечательный художник Иван Яковлевич Билибин

в)Один из первых русских художников, который обратился к воссозданию образов народных сказок и былин в живописи. Виктор Мих. Васнецов(1848-1926) - художник, театральный декоратор, мастер исторического и мифологического жанров. 000) Картины: «Богатыри»(почти 20 лет работал) - Богатыри Добрыня, Илья и Алешка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?, «Иван-царевич на сером волке» - сюжетом картины - сказочная тема, позаимствованная из народных русских сказок, Иван царевич и Прекрасная Елена спасаются от настигающей их погони на сером волке, только сильный и добрый может завоевать любовь красавицы, богатство и счастье , «Алёнушка» -|«Алёнушка» как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую моё воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в её глазах… Каким-то особым русским духом веяло от неё.

Герои былин вставали на защиту земли русской, стремились к объединению земель, помогали слабым и обездоленным, боролись с врагами. В былинах прославлялись сила и благородство, мощь и смекалка русских богатырей. Художники сказочно-былинного жанра воспевали далекое легендарное прошлое Древней Руси и открывали для современников истоки национальной культуры.

«Снегурочка»

г) Михаил Александрович Врубель (1856-1910) - художник живописец, мастер картин на исторические, религиозные и сказочные сюжеты . Врубель – символист.У символистов основой художественного творчества стал образ – символ. 000) Картины: «Демон», Пан», «Царевна Лебедь». ** «Царевна-Лебедь» — написанная на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноимённой сказки А. С. Пушкина. (Врубель создал эскизы для декораций и костюмов, а партию Царевны-Лебеди пела его жена Н. И. Забела-Врубель. Сохранились её фотографии в роли царевны, по которым видно, что художник достаточно далеко ушёл от натуры при создании своего произведения. Царевна с полотна Врубеля таинственна и загадочна, лицо её печально. Для рубежа веков характерен синтез искусств в разных областях художественной культуры: архитектура, театр, дизайн. Многие художники того времени работали над спектаклями - сказками как декораторы.

** «Демон сидящий» - сюжет картины навеян поэмой Лермонтова «Демон».( Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов. Картина написана в индивидуальном стиле Врубеля с эффектом кристаллических граней, что делает его картины более похожими на витражи или панно. Такого эффекта художник добился с помощью плоских мазков, выполненных мастихином. Врубелевская мечта о красоте, которую так трудно было найти в окружающем его мире, полном безысходных противоречий, и врубелевская фантазия, переносящая нас в иные миры, где красота, однако, не освобождается от болезней века, - это воплощенные в красках и линиях чувства людей того времени, когда русское общество жаждало обновления и искало путей к нему.

Творчество Врубеля отмечено пристальным интересом к фольклорным и сказочным образам. Здесь также присутствует определенная эстетическая призма – это музыка. Особенно Врубель ощущал близость сказочно-поэтического колорита музыки Римского-Корсакова.

Билет №17. Историческая живопись В.Сурикова.

Исторический жанр – один из важнейших в изобразительном искусстве. Он объединяет произведения, в которых запечатлены исторические события, герои прошлого.2) Исторический жанр - изображение важнейших исторических событий прошлого и современности. ***В эпоху античную тесно переплетен с мифологией

***В средневековой Европе жанр почти отсутствует, он был заменен религиозно-мифологическим жанром

Новое рождение исторического жанра произошло в эпоху Возрождения.

В 18 веке возрастает общественная роль исторической живописи, ее воспитательное и политическое значение. 3) Исторический жанр – один из самых трудных в живописи. Создать полотно, посвященное страницам истории, невозможно без широких исторических знаний, понимания закономерностей развития общества, умения обобщать и раскрывать сущность явлений. 4) В Росси зачинателем исторического жанра стал В. Шварц. В историческом жанре работали такие художники как А. Рябушкин, С. Иванов, К. Сомов, Н. Рерих (народные сказания).

5) Вершинные достижения здесь связаны с именами Н. Ге, И. Репина, В. Сурикова. Именно они достигли полного слияния историзма и злободневности. Их полотна побуждали размышлять о судьбе нации, путях прогресса, роли личности, народа в истории – нелегких вопросах, которые встали перед русским обществом.

В. И. Суриков – один из наиболее ярких представителей исторического жанра в русской живописи. Творчество этого художника широко и многогранно = родина – Сибирь. А)) Каждая его картина – это целая поэма о борьбе и страданиях, героизме и трагических испытаниях русского человека. Б)) Народ - основным героем его произведений. Лучшие из них – «Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Березове», «Боярыня Морозова».

***Картина художника «Утро стрелецкой казни». Суриков хотел показать народную драму. В картине отражено сложное, противоречивое время, стрелецкое восстание 1698 года. Жестокая расправа над их участниками стали трагической страницей русской истории. В полотне «Утро стрелецкой казни» нашла отражение противоречивая, полная социальных конфликтов атмосфера петровского времени. Тревожный пейзаж холодного утра пронизан ожиданием трагедии. Огромная народная толпа заполнила площадь. Скоро начнется казнь. Суриков тонко передает душевно состояние приговоренных к смерти и свидетелей казни, ощущение длящегося времени… Единого центра в картине нет, есть много отдельных центров – это фигуры стрельцов, вокруг которых образуются группы. Стрельцы переживают последние минуты перед казнью. У каждого стрельца в руке зажата горящая свеча, что она означает?

Горящая свеча – жизнь, душа. Свеча едва теплится на холодном ветру пасмурного дня. Трагизм общего настроения выражен и в композиции, и в колорите, и в деталях.

*** «Меньшиков в Березове».На картине «Меньшиков в Березове» изображена тесная, с низким потолком комната в холодной избе. За простым столом сидит Меньшиков и его дети, последовавшие за ним в ссылку.

Сподвижник Петра I, попал в опалу при императоре Петре II, был лишен всех своих должностей, чинов и сослан в сибирское селение Березов. *Тяжелые испытания не сломили Меньшикова, а еще более закалили его. Суриков хотел показать исключительность Меньшикова. Меньшиков – это удивительный человек, вознесенный из самого низа и поднявшийся благодаря своему уму, хитрости, смелости и везению до самых больших высот. Вчера еще самовластный правитель огромной страны, владелец несметных богатств, вершитель судеб, на картине – уже никто, прошлое, и другого будущего у него нет. Младшие дети Меньшикова переживут страшную ссылку, но судьба их на воле будет несчастной, как и судьба многих людей послепетровской эпохи. Картина рассказывает не только о семейной драме, но и трагическом переломе истории после смерти Петра I.

*** После окончания академии художник начинает работу набольшими историческими полотнами. ** Среди них самое известное произведение В. И. Сурикова «Боярыня Морозова».

Средневековая Москва. Зима. Заснеженная улица. По ней сквозь толпу везут боярыню Морозову, закованную в ручные кандалы.

** Художник вновь выбирает тему конфликта. Боярыня Морозова – раскольница, вступила в противоборство с правящим режимом, за что была заживо погребена в земляной тюрьме. Суть движения раскольников – непризнание церковной реформы Никона

Картина производит сильное впечатление звучностью красок, напряженным состоянием персонажей. В центре картины большим черным пятном среди пестрой толпы выделяется фигура боярыни Морозовой. ** Эмоциональную силу образу героини придает народ, плотной стеной вставший по обе стороны саней. Среди них есть и злорадствующие, и равнодушные, но большинство сочувствующие. Каждая деталь в картине – явление не случайное… ** "Боярыня Морозова"- жемчужина Третьяковки,одна из самых потрясающих картин планеты. Картина, названа по имени центрального действующего лица, Феодосии Прокопьевны Морозовой, ярой сподвижницы протопопа Аввакума, возглавлявшего раскол. Сюжетом картины стал эпизод ее мученической жизни: по царскому указу ее везут московскими улицами в ссылку. Картина обладает единым композиционным центром в лице боярыни Морозовой.

**Образ Морозовой на картине предстает победоносным: народ смотрит на неё с благоговением и кланяется ей, а сама она выражает готовность идти до конца за свои убеждения.

7)Колорит Сурикова – самое мощное средство воздействия на зрителей. В отличие от всех других изобразительных средств, «колорит художник не выбирает, потому что он дарован ему природой, как голос певцу.

Каждое историческое полотно Сурикова – это кусок событий минувших веков, сконцентрированный слиток жизни народа, к котором воспет бунтарский дух русского человека, его богатырская сила.

В.Суриков. Меньшиков в Березове.

В.Суриков. Боярыня Морозова.

В.Суриков. Утро стрелецкой казни.

 

Билет №18.

Творчество А.Рублева – одна из вершин русского и мирового искусства. Глубокое поэтическое и философское содержание «Троицы», совершенство ее художественной формы.

В древности не принято было афишировать свое авторство. Считалось, что единственный на земле творец и автор всего сущего- Бог, а человек лишь исполняет его волю. Многие письменные свидетельства прошлого, которые могли бы приоткрыть завесу над тайной авторства утеряны. И все же имена самых талантливых средневековых живописцев, работавших на русской земле нам известны – Феофан Грек, Андрей Рублев, Дионисий, Симон Ушаков.

Религиозная живопись -это искусство передачи при помощи красок изображения на плоскости(иконы, фрески, мозаики).

4) На Руси сформировались две школы живописи - Новгородская и Московская. Главной была Новгородская школа живописи. 5) На рубеже каких веков (14-15 в.) и благодаря А.Рублеву возникла московская… 7) Икона - образ, изображение . Иконопись– вид станковой религиозной живописи.а))Икона создавалась не как произведение…

В)) Отличительные черты его стиля – особая мягкость и плавность линий, тяготеющих к закругленности, что прослеживается и в композиционных построениях; светлый, лишенный резких контрастов колорит; удивительная гармония и одухотворенность образов. В)) 15 век по праву считается «золотым веком» русской иконы, его вершинные творения озарены светом великой «Троицы» А.Рублева.

***«ТРОИЦА» - храмовая икона Троицкого собора Троице - Сергиевого монастыря,написана «в похвалу Сергию Радонежскому, одна из самых известных и прославленных в мире икон «Троица», написанная в 15 веке (также «Гостеприимство Авраама»).

* Три ангела собрались вокруг стола, на котором стоит жертвенная чаша, для тихой неспешной беседы. Хрупки и невесомы контуры и складки их одеяний, гармония голубых, васильковых, нежно – зеленых, золотисто – желтых красок. Три ангела символизируют единство, согласие. Композиционно ангелы вписаны в круг, краски их одеяний дополняют и перекликаются одна с другой. Композиционным центром иконы является чаша. Руки среднего и левого ангелов благословляют чашу^[3]. В иконе нет активного действия и движения — фигуры полны неподвижного созерцания, а их взгляды устремлены в вечность. * (Во время трапезы в доме Авраама ему было дано обетование о грядущем чудесном рождении сына Исаака. По воле Бога, от Авраама должен был произойти «народ великий и сильный», в котором «благословятся… все народы земли»).

* В разные эпохи этотсюжет получал различные толкования, однако уже к IX—X векам преобладающей становится точка зрения, согласно которой явление Аврааму трех ангелов символически раскрывало образ единосущного и триипостасного Бога — Святой Троицы. В рублевской «Троице» «чаша смертная» — «залог жизни будущей».

Мир, согласие, любовь – вот к чему призывал современников Андрей Рублев. Ветхозаветная Троица была символом единения.

«Троица» с момента своего создания «была любимейшей иконой древнерусских художников», служила образцом для бесчисленных копий и воспроизведений. Но судьба самого Андрея Рублева и многих его творений драматична. Уважаемый и широко известный, еще при жизни названный «преподобным», через какое-то время он был забыт потомками, а многие творения его оказались утраченными. Г)) КАНОНЫ (правила написания иконы):-Обратная перспектива -Необъемное изображение -Ирреальное изображение / отсутствие третьего плана/ -Разномасштабность изображения -Возрастные отличия святых -Типы и цвета одежд -Атрибуты и др.Икона «Троица» Андрея Рублева стала образцом для последующих иконописцев, приступавших к написанию иконы Троицы. Мир, согласие, любовь – вот к чему призывал современников Андрей Рублев.

Троица Спас Апостол Павел Архангел Михаил Третьяковская галерея

А.Рублев. Троица.

А.Рублев. Спас.

А.Рублев. Архангел Михаил.

А.Рублев. Апостол Павел.

Возрожде́ние, или Ренесса́нс -(фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. = XIV —XVI века. Богачи по-новому оценивали мир, в котором жили, спеша получить как можно больше радостей в земной, а не загробной жизни. Они соперничали друг с другом в великолепии дворцов, домашней обстановки, одежды. Ренессанс – расцвет художественной культуры Европы.

1. Художники вспомнили о культуре античности (Др.Греции…),

2. Опирались на примеры вечной красоты античности;

3. Воспеваются идеи гуманизма (человечности).

4. Человек- вершина творчества природы.

5. Красота человека – это соблюдение пропорций и симметрии

ГУМАНИЗМ – ОСНОВА МИРОВОЗЗРЕНИЯ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

ГУМАНИЗМ - мировоззрение, в центре которого находится идея человека как высшей ценности.

Человек - мера всех вещей» Протагор

Принципиальным отличием ренессансного искусства от средневекового явилось воплощения не божественной, а человеческой сущности бытия.

Отсюда возникает главный философский принцип эпохи Возрождения - человек есть центр и высшая цель мироздания.

Северное Возрождение. Период Ренессанса на территориях Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

12. В основе их лежало изживание средневекового, феодального миросозерцания и зарождение новой буржуазной культуры. Особенно бурно и впечатляюще процесс этот проходил в Нидерландах – стране, как и Италия, раннего и быстро развивающегося капитализма.

13. Художники Северного Возрождения: Ганс Бальдунг Иероним Босх Питер Брейгель Альбрехт Дюрер Лукас Кранах Ханс Хольбейн Ян ван Эйк

14. Братья ванн Эйки – основоположники нидерландской школы живописи (лессировкой заканчивалосьисполнение картин 16-19 веков).

15. Иеро́ним Босх (около 1450—1516) — нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, самый загадочный живописец в истории западного искусства, один из основоположников жанровой и пейзажной живописи в Европе, мастер аллегории и мистических образов, своим «Возом сена», «Садами земных наслаждений» и «Кораблем дураков» впервые показавший изнанку видимого мироздания. ****«Воз сена» - сюжет взят из поговорки «Мир – стог сена, и каждый хватает сколько сможет»(суетливая и грешная людская толпа противопоставлена гармоничному лику мира с Христом в небесах, который изображен на заднем плане).

16. «Разница между работами этого человека и работами других художников заключается в том, что другие стараются изобразить людей такими,как они выглядят снаружи, ему же хватает мужества изобразить их такими, как они есть изнутри». ****«Корабль дураков» - Корабль - символизировал Церковь, ведущую души верующих к небесной пристани. У Босха на корабле вместе с крестьянами беспутствуют монах и две монахини — явный намёк на упадок нравов как в Церкви, так и среди мирян, а из гущи листвы выглядывает сова. Монахиня играет на лютне и оба поют, а может быть пытаются схватить ртом блин висящий на шнуре, который приводит в движение человек с поднятой вверх рукой. Игра на лютне обозначает разврат. «Сад земных наслаждений» - посвящён греху сладострастия. Сад земных наслаждений — это изображение Рая, где упразднён естественный порядок вещей и полновластно царят хаос и сладострастие, уводя людей от пути спасения.

17. Для современников Босха его картины имели гораздо больший смысл, чем для современного зрителя. Необходимые пояснения к сюжетам средневековый человек получал из разнообразных символов, которыми изобилуют картины Босха.

18.Босх использует и общепринятую в средневековье символику бестиария — «нечистых» животных: на его картинах встречаются верблюд, заяц, свинья, лошадь, аист и множество других. Основные тенденции его творчества: * внимание к мелким деталям, зачастую фантастичеким, харктерное для искусства средних веков); * интерес к реальной действительности, свойственной мастерам Возрождения.

19. «Корабль дураков». Лувр, Париж. Босх. «Сад неземных наслаждений».

20. «Воз сена».

21. Поразительные по изобретательности формы и фигуры, отклоняющиеся от нормы, чудовищные и парадоксальные, рождены свободным, исключительно богатым воображением, отражающим фантазию современных Босху североевропейских народных рассказов.

Пи́тер Бре́йгель^[1]-старший, («Мужицкий») (нидерланд.) - мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Более тридцати приблизительно из сорока пяти картин кисти Брейгеля посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ: на своих рисунках он зачастую вообще скрывает лица. Никто из художников ранее не осмеливался создавать произведения на подобные темы. Но многие поздние работы свидетельствуют о растущем интересе художника к индивидуальным фигурам. Художник начинает писать крупные фигуры людей, по отношению к которым окружение играет уже подчинённую роль. К таким картинам относятся «Притча о слепых», «Калеки»… Любой человек у Брейгеля выглядит пылинкой. Насмешник над человеческой глупостью. Человеческое несовершенство показывал.

«Слепые». «Охотники на снегу. «СЛЕПЫЕ»= служит иллюстрацией к известной библейской притче о слепцах: «Оставьте их, они - слепые вожди слепых; а если слепой ведет слепого, то оба упадут в яму». Вместе с тем, эта картина имеет и еще один содержательный уровень - условно говоря, гуманистический.
Художник пишет не только символы, но и действительно несчастных людей, которым нельзя не сочувствовать. Один современный медик заметил, что нынешний врач без труда поставит диагноз каждому из брейгелевских слепцов. Один из них страдает лейкомой, другой - атрофией глазного яблока. Заметим, наконец, что в умении «живописать» человеческие увечья с Брейгелем мало кто сравнится во всей истории мировой живописи. «ПАДЕНИЕ ИКАРА» – знаменитая «картина-загадка». Глядя на картину, думаем: «А где же Икар?». Согласно античной легенде, искусный мастер Дедал соорудил себе и сыну Икару крылья , и Икар, не послушав отца, взлетел к солнцу, крылья растопило, и он упал в море. Но на картине Брейгеля ничего этого нет. Есть пейзаж с морем, по которому плывут корабли, над морем – высокий берег,– и троих людей, в современных Брейгелю одеждах, каждый из которых занят своим делом: пахарь пашет землю, пастух сторожит стадо, рыболов удит рыбу. И только случайно замечаешь какой-то белесый предмет, торчащий из воды… - это человеческая нога, нога тонущего Икара! Его еще можно спасти – ведь корабль совсем рядом, неподалеку и рыболов… Но Икара никто не спасет. Никто его не замечает. Вот и решение загадки: человеческое отчуждение, характерное для нашего «перевернутого» мира, в котором исчезли милосердие и сострадание к ближнему, а все ушли в свои частные, сугубо материальные интересы … А.Дюрер – немецкий художник- гравер = достоин бессмертия. Дюрер все может выразить в одном цвете, то есть черными штрихами.

22. Автопортрет. «Меланхолия»

***Философскими размышлениями проникнуты и многие его произведения. Одна из них – «Меланхолия» – полна сложной символики. Могучая фигура крылатой женщины олицетворяет собой Меланхолию. В эпоху Возрождения меланхолический темперамент связывали с представлением о гениальности. Меланхолия окружена символами созидания и науки. Все в ее позе и атрибутах подчеркивает, чтоона полна мыслей о деятельности, но действовать не может – не в состоянии преодолеть какие-то сковывающие ее силы. Безусловно, Дюрер воплощает в этом образе неутолимую жажду человеческих знаний. Он писал за несколько лет до создания этой гравюры: «Желание многое знать и через это постигнуть истинную сущность всех вещей заложено в нас от природы». Высказывания художника как нельзя лучше поясняют философское содержание этого листа и все его творчество. Не случайно многие исследователи видят в «Меланхолии» духовный автопортрет мастера. ***Дюрер написал большое количество автопортретов. Однако этот самый известный. Почему? На этом портрете Дюрер изобразил себя анфас без каких-либо сопутствующих предметов интерьера. Портрет построен по геометрическим канонам. Нос и кисть руки образуют ось симметрии, грудная клетка и предплечья — трапецию, а голова и распущенные до плеч волосы — треугольник. С точки зрения художественного мастерства эта картина удивительной красоты и качества. Глаза на портрете с одной стороны глубоко вопрошающие, с другой — необычайной гипнотической силы. Уже начиная с XVI в. этот портрет рассматривался как изображение Христа. В своих литературных работах Дюрер призывал жить «по Христу». Художник неоднократно повторял, что изображение жизни и страданий Христа является одной из основных целей живописи. Ян Ван Эйк- фламандский художник (впервые открыл секрет масляных красок.)

Портрет четы Арнольфини.На нём изображены Джованни ди Николао Арнольфини и его жена, предположительно в их доме в Брюгге. Портрет является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения(в картине много символов).

«Мадонна канцлера Роллена» - возобладал принцип воздушной перспективы, согласно которому все отдалённые объекты приобретают небесные оттенки. Город на дальнем плане представлен очень достоверно, с большим вниманием к мельчайшим деталям. Ван Эйк использовал в своих работах образы реальных людей, явив миру первые образцы портретного искусства. Именно эти художники выработали стиль, новизна которого заключалась в "открытии" пространства за счёт снижения линии горизонта и сужения цветовой гаммы. Пейзажный жанр Голландии XVII столетия - это не природа вообще, как некая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, который можно узнать и в современной Голландии.

Босх. Сад земных наслаждений.

Босх. Корабль дураков.

Босх. Воз сена.

 

Брейгель. Охотники на снегу.

Брейгель. Слепые.

Брейгель. Падение Икара.

А.Дюрер. Меланхолия.

А.Дюрер. Автопортрет.

ЯН ВАН ЭЙК.Портрет четы Арнольфини.

ЯН ВАН ЭЙК.Мадонна канцлера Ролена

Билет № 20.

Раннее Возрождение в Италии. Творчество Мазаччо («Чудо со статером», «Изгнание из рая»), Джотто («Бегство в Египет», «Взятие Хритса под стражу»), Сандро Боттичелли («Весна», «Рождение Венеры»).

1))) Возрождение (Ренессанс-фр. «открытие», «возрождение»)-
-период, который знаменует конец средневековья и начало современности.
2)))Ренессанс возник вИталии в 14в.,распространился в западных странах и достиг наибольшего расцвета в середине 16в.

3))) Отличительная черта эпохи Возрождения —

***светский характер культуры и интерес к человеку и его деятельности
***появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

4))) =Термин Возрождение- был введён в обиход в XIX веке.
5))) В художественной культуре эпохи Возрождения - периоды:

Предвозрождение(Проторенессанс) = 13 - 14в
Раннее Возрождение =15в.

Высокое Возрождение =конец 15в. - начало 16в.Позднее Возрождение =середина 16в.

6))) Художественная культура Раннего Возрождения родилась во Флоренции («цветущая»)с 1420 по 1500 г.г. 7))) В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого (Средневековья), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности(античности).

Живопись Раннего Возрождения.

***Сандро Боттичелли(1445— 1510) итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы — один из самых ярких художников итальянского ренессанса (прозвище «Боттичелло» — «бочоночек» — унаследовал от старшего брата Джованни.

 

Он создал пленительные по своей возвышенности образы-аллегории и подарил миру идеал женской красоты.

Рождение Венеры, 1482 Весна, 1477-1478Галерея Уффици, ФлоренцияГалерея Уффици, Флоренция • композиции перегружены фигурами

Сюжет «Рождения Венеры»: Картина иллюстрирует миф рождения Венеры (греч. Афродиты). Обнажённая богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды (рим. Флора) дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций. Но не только античную статую напоминает Венера на холсте Боттичелли. Удлиненные пропорции и характерный изгиб тела в виде латинской буквы «S» - готику. второстепенные персонажи: ангелы, святые, донаторы (заказчики произведения).

«Весна» == картина Хотя некоторые из фигур - на манер древних скульптур, они не были прямыми копиями, а были созданы на собственном, особенном языке форм Боттичелли: стройные, идеализированные фигуры, чьи тела кажутся иногда слишком утонченными, предвещают изящный, изысканный стиль XVI столетия — маньеризм. Венера, богиня любви- в центре картины, немного позади других фигур. Справа Зефир, холодный весенний ветер, настигает нимфу Хлорис. Та сбегает от него и превращается во Флору, Весну, одетую как подобает замужней флорентийке из богатой семьи. Над Венерой Купидон метит свои стрелы в танцующих Граций (справа Красота, в центре Целомудрие, слева Наслаждение. Сад Венеры охраняет Меркурий в шлеме и с мечом, простирающий руку, чтобы разогнать облака невежества кадуцеем, изображенным в виде двух крылатых драконов. Лица главных персонажей похожи не столько чертами, сколько особым выражением безгрешной чистоты и безмятежности, странной отрешенности и грусти. Погруженные в свои мысли герои Боттичелли кажутся уязвимыми и беззащитными. Это мечтательная, хрупкая, немного усталая красота. Мы ловим кроткий затуманенный взгляд Венеры, стремясь постичь ее мысли, разгадать ее чувства, но кажется, что на безоблачно ясном лице нет ни тени чувств, ни проблеска дум.

Джотто(ок.1267 - 1337) — итальянский художник и архитектор - одна из ключевых фигур в истории западного искусства.

• преодолением средневековых итало-византийских традиций.

• создал облик мира, адекватный реальному по своим основным свойствам — материальности и пространственной протяженности.

• использование угловых ракурсов, упрощенной, т. н. античной, перспективы

• разработал приемы тональной светотеневой моделировки форм при помощи постепенного высветления основного, насыщенного красочного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность и в то же время сохранить сияющую чистоту цвета, его декоративные функции

Джотто. «Бегство в Ерипет»Фреска капеллы дель Арена в Падуе. 1305 г. - бегство семьи Иисуса Христа в Египет, чтобы избежать избиения младенцев, произведённого по указанию царя Ирода. Бегство в Египет является популярной темой в изобразительном искусстве.Уступы скал становятся для художников этого времени еще одним приемом, наравне с изображением архитектурных кулис, отвоевывающим кусочек измеряемого пространства.

«Взятие Христа под стражу, или Поцелуй Иуды». (1304-1306) - фреска - одна из самых известных и впечатляющих росписей капеллы дель Арена в Падуе - рассказывает о поединке добра и зла, благородства и низости. На фоне синего неба среди плотно сомкнутой толпы, взметнувшихся копий и факелов Христос и обнимающий его Иуда изображены в профиль. Они смотрят друг другу в глаза, прекрасному лицу Спасителя противопоставлен низколобый, уродливый предатель-Иуда. Джотто достигает в этой драматической сцене неведомой до тех пор психологической глубины. Головы Христа и Иуды приближены друг к другу, и каждая выявляет человеческий характер. Лицо Иисуса остается удивительно спокойным, исполненным высокого благородства и нравственного величия, это единственная область покоя в самом центре эмоциональной бури. Лицо Иуды выглядит демоническим, исполненным низменного коварства. Это не индивидуальные портреты, но и не символы, это как бы образы самого человеческого рода, в контрасте добра и зла утверждающие его величие. Иуда предает своим поцелуем Христа, но Христос читает в душе Иуды и одним своим взглядом торжествует над ним. Это едва ли не первое и едва ли не лучшее в истории искусства изображение безмолвного поединка взглядов — труднейшее для живописца.Джотто любил и умел передавать молчаливые, многозначительные паузы, мгновения, когда поток внутренней жизни как бы останавливается, достигнув высшей кульминации. Все действующие лица в картинах Джотто делаются участниками одного драматического события, все они способствуют раскрытию единого замысла.

Мазаччо - (1401-1428) -итальянский живописец - один из основоположников реалистического искусства Возрождения. Воплощал в религиозных сценах гуманистические представления о совершенной человеческой личности.

 

Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира.

• пластическая телесность • трехмерность фигур • монументализация и обобщение форм

Архитектура раннего средневековья

• Вместо напряженности готических ломаных линий - строгие, в большинстве случаев прямоугольные, формы. • Основные геометрические фигуры и тела в ренессансной архитектуре — квадрат,… • Как и все искусство Раннего Возрождения, архитектура этого времени носила переходный характер, когда стиль еще…

С.Боттичелли. Весна.

С.Боттичелли. Рождение Венеры.

Джото. Бегство в Египет.

Джото. Взятие Христа под стражу или поцелуй Иуды.

Джото. Взятие Христа под стражу или поцелуй Иуды.

Мазаччо. Изгнание из рая.

Мазаччо. Чудо со статиром.

Мазаччо. Чудо со статиром.